Let them eat ice cream!

The 17^th century was a busy one. Full of territorial disputes around the world, English colonisation of the Americas, Japanese isolation, the fall of the Ming Dynasty in China… I could go on. But I won’t. More importantly, the world was (still) heavily focused on religious art, though many artists started to branch out and become a bit more narcissistic, here’s lookin’ at you Rembrandt and your many self-portraits.

Do you know what else came to be in the 17th century? Ice cream. You (probably) read it here first! No proper recipe for ice cream, though various other versions previously existed in Persia, China, and Italy for example, appeared until 1674 in France.

 


“Welcome back! Could we get a little creamed ice after this lovely meal, JC?”
Michelangelo Merisi da Caravaggio, Supper at Emmaus, 1601.
Oil and tempera on canvas, 141 x 196.2 cm.
The National Gallery, London.

 

Are you thinking what I’m thinking? Surely the invention of ice cream stirred a deeper belief in God and Jesus Christ – who or what else could inspire such a cold, creamy, delicious treat? Could it be that artists of the time were so overjoyed with appreciation that they could find no other way to express their praise except to paint on the canvasses closest to the Heavens at the time: ceilings?

 


“Bless you, child. Go forth and enjoy ice cream; but eat slowly or you will get a brain freeze.”
El Greco, The Saviour, 1610-1614.
Oil on canvas, mounted on wood, 100.4 x 80.2 cm.
Museo del Greco, Toledo.

 

The Musée Carnavalet is exhibiting The Colours of Heaven now through 24 February 2013, a collection of paintings, drawings, and engravings devoted to Paris’ many churches. Don’t worry; you won’t have to crane your neck to look upwards too much. And if you’d like to see more religious devotion, check out the beautifully illustrated ebook, Christ in Art by Ernest Renan.

-Le Lorrain Andrews

Bernini: una experiencia casi religiosa

Las imaginativas esculturas sinuosas, curvilíneas y biseladas de Gian Lorenzo Bernini son claros ejemplos del dinamismo y el efectismo del barroco. Todos los artificios y trampantojos que caracterizan a este estilo no tenían otro objetivo que impresionar y emocionar al espectador. Para lograr este fin, Bernini estudiaba cuidadosamente la perspectiva y jugaba con los materiales y la luz. Su afición al teatro era bien conocida y, por ello, muchos de sus conjuntos escultórico-arquitectónicos —inspirados en el gran Miguel Ángel— tenían un marcado carácter escenográfico. No dejaba nada al azar, tal como nos lo presenta la exposición del Metropolitan Museum of Art, «Bernini: Sculpting in Clay»; construía sus figuras en miniaturas de arcilla que modelaba con los dedos y algunas herramientas antes de comenzar a trabajar en el mármol.

 


Éxtasis de santa Teresa, 1645-52.
Mármol, 350 cm.
Capilla Cornaro, iglesia de Santa María de la Victoria, Roma.

 

Una de las composiciones más teatrales de Bernini es este Éxtasis de santa Teresa que plasma un momento en el que el amor de Dios traspasó el corazón de la Santa, tal como lo describe en su Libro de la vida:

Veía un ángel cabe mí, hacia el lado izquierdo, en forma corporal... Veíale en las manos un dardo de oro largo, y al fin del hierro me parecía tener un poco de fuego. Este me parecía meter por el corazón algunas veces y que me llegaba a las entrañas. Al sacarle, me parecía las llevaba consigo, y me dejaba toda abrasada en amor grande de Dios. Era tan grande el dolor, que me hacía dar aquellos quejidos, y tan excesiva la suavidad que me pone este grandísimo dolor, que no hay desear que se quite, ni se contenta el alma con menos que Dios. No es dolor corporal sino espiritual, aunque no deja de participar el cuerpo algo, y aun harto. Es un requiebro tan suave que pasa entre el alma y Dios, que suplico yo a su bondad lo dé a gustar a quien pensare que miento.

Esta experiencia mística se denomina «transverberación» o «transfixión» del corazón y se considera un verdadero regalo divino. Ciertamente, se puede percibir una carga sexual en la descripción del mismo por parte de la Santa, pero su propósito era inspirar fe y la única forma de hacerlo en términos comprensibles para el espectador era comparándolo con sentimientos que este haya podido experimentar. El conjunto escultórico de Bernini está construido con esta misma finalidad. Una ventana oculta permite que la luz se deslice por los rayos de bronce y caiga sobre las níveas figuras de Santa Teresa y el ángel, que parecen suspendidos en el aire bajo un fresco que imita al cielo. Las ropas del ángel son livianas y vaporosas, lo que contrasta con la pesadez del vestido de la Santa y establece una clara contraposición entre lo terrenal y lo divino. La expresión de Santa Teresa es al mismo tiempo de placer y de profundo dolor, mientras el ángel sonríe complacido. Por último, Bernini quiso hacer aún más manifiesto nuestro papel de espectadores del milagro mediante dos relieves que representan los palcos del «teatro».

Si quieres participar en el juego de las esculturas barrocas y dejarte seducir por ellas, no te puedes perder la exposición del MET, que permanecerá abierta hasta el día de Reyes del año que viene, ni estos magníficos libros sobre el arte barroco y la escultura de Victoria Charles.

 

Bernini: The Beauty and The Beast

Gian Lorenzo Bernini, Fontana della Barcaccia. c. 1623. Marble. Piazza di Spagna, Rome, Italy

Rome is the city of light, certainly, but it is also the city of water. Tourists may visit for the city’s celebrated history and architecture, but they leave entranced by the babbling fountains which dot the city like stars. What most don’t realize is that most of those fountains were designed by the same man: the astoundingly talented Gian Lorenzo Bernini.

Immortalized in countless great works of cinema, from Frederico Felini’s La Dolce Vita to Woody Allen’s To Rome With Love, Bernini’s fountains are essential to the character of this most romantic of cities. His Fontana della Barcaccia on the Spanish Steps even provided the backdrop for Gregory Peck and Audry Hepburn to meet cute in Roman Holiday, and has been photographed by countless tourists attempting capture a uniquely Italian image. In many ways, modern Rome is the city Bernini built.

Still, as influential as he is today, Bernini’s path to artistic immortality was not smooth. In the seventeenth century when he was a young man he was quite a controversial figure, his artistic genius at times overshadowed by the scandals that surrounded him.


Gian Lorenzo Bernini, Self-Portrait as a Young Man. c. 1623. Oil on canvas, 62x46 cm. Galleria Borghese, Rome, Italy

Bernini was the darling of the art world from the age of eight, when Pope Paul V boasted that the child would be “The Michelangelo of his century.” And as he grew up, and his skills increased, so did his social success. Beloved by the wealthiest families in Italy, and a favourite of the church, Bernini led a charmed life. At least, until he met Constanza Buanerelli.

Constanza was the wife of Bernini’s assistant Matteo, a young and lovely woman whose freshness and charm immediately won over the artist. He was inspired by her sensuality, and she quickly became his muse, her post-coital rumple immortalized in stone in one of his most celebrated busts.


Gian Lorenzo Bernini, Bust of Constanza Buonarelli. c. 1635. Marble, 72 cm. Museo Nazionale del Bargello, Florence, Italy

Alas, their happiness was brief. Bernini was an extremely jealous lover, infuriated that he was forced to share Constanza with her husband. He repeatedly insulted the hapless Matteo to such a great extent that his affair with Constanza became a matter of common knowledge, and she was jailed for adultery. Protected by his powerful friends, Bernini himself got off scot free.

Constanza, tired of her lover’s covetousness, took her revenge by beginning an affair with his brother. Enraged, Bernini followed the pair to the steps of St. Peter’s basilica, the Pope’s seat of power, whose interior he had so masterfully designed years before. He beat his brother half to death with an iron rod, and bribed a servant to slash Constanza’s face with a razor, destroying the beauty that had once captivated him.

Pope Urban VIII used his power to get Bernini out of trouble, even excusing the 3000 scudi fee the court leveled against him. But the pope was tired of helping the bad boy artist out of romantic scrapes, and this time his help came with a price. He forced Bernini to marry a virtuous woman of the church’s choosing, a union that was by all accounts a happy one, lasting decades and producing eleven children.

Still, Bernini never sculpted his wife. Maybe he had learned his lesson with Constanza, his great love and his muse, whose faithless beauty he so fatally immortalized.

Those of you lucky enough to be in New York should make sure to check out Bernini: Sculpting in Clay at the world famous Metropolitan Museum of Art from October 3, 2012 to January 6, 2013. Or to follow along at home, and get critical insight into Bernini’s controversial life and work, check out our ebooks on Sculpture and Baroque Art, both written by celebrated art historian Victoria Charles.

-George Kostrowitzky

Modernisme européen versus modernisme mondial

La collection Sonderbund, créée par plusieurs galeries allemandes, rassemblait au début du xx^e siècle 577 peintures des artistes de la scène moderne. Elle a exposé les artistes les plus novateurs, ce qui était inédit et osé en 1912. Le Wallraf-Richartz Museum a décidé de rassembler cette collection pour raviver l’esprit moderne du monde artistique de l’époque. Seule une centaine d’œuvres a pu être regroupée car certaines d’entre elles sont devenues inestimables et il est difficile de les déloger de leur lieu de conservation. Van Gogh côtoyait Munch, Cézanne et les membres expressionnistes allemands du Blaue Reiter.


Vincent van Gogh, L'Arlésienne, 1888.
Huile sur toile, 92,5 x 73,5 cm.
Musée d’Orsay, Paris.

Pourrait-on aujourd’hui réaliser une exposition regroupant tous les artistes les plus avant-gardistes ? Certainement pas en Europe où la lourdeur des institutions culturelles et du marché de l’art freinerait toute tentative. Je dirai plutôt en Asie, où la sphère artistique est encore jeune et en pleine expansion. Les artistes chinois voient leur cote s’envoler et la Chine est devenue en quelques années à peine le premier marché mondial de l’art.

L’idée serait peut-être de rapprocher les créations asiatiques de celles des autres continents, créant une exposition à échelle mondiale et non plus européenne. Les frontières artistiques se sont définitivement déplacées. Le visiteur pourrait admirer Philippe Starck, Jeff Koons, Damien Hirst, Takashi Murakami et Yan Pei-Ming.


Les 108 Brigands, 1994-1995.
Ensemble de 120 peintures, huile sur toile, 130 x 97 cm (chacune).
Collection FNAC, Paris.

Pour vous replonger dans le modernisme et la provocation du siècle dernier, vous pouvez visiter la reconstitution de la première exposition à Cologne, ou consulter des titres comme Cézanne, Gauguin, Kirchner, Munch, Picasso, Schiele et Van Gogh.

Vecinos (no siempre) bien avenidos

Como la de todos los vecinos, la historia entre Rusia y Alemania tiene momentos buenos y malos. Uno de los mejores fue cuando, en el siglo XVIII, Catalina la Grande (que para algo era alemana de origen) invitó a muchos trabajadores alemanes a que repoblaran el sur de Rusia, llegando, con Lenin, a fundar la República Socialista Soviética de los Alemanes del Volga. Uno de los más bajos se dio poco después, cuando durante la I y, sobre todo, II Guerra Mundial, ya con Stalin en el poder, esta misma población fue deportada, entre otros lugares, a Siberia. Cuando el muro de Berlín cayó, muchos de estos ruso-alemanes regresaron a su tierra natal, aunque ya no lo era más, y en esas están todavía.

 


George Grosz, El agitador, 1928.
Óleo sobre lienzo, 108 x 81 cm.
Stedelijk Museum, Amsterdam

 

Pero no sólo se mezclaron las poblaciones, sino que los artistas también se influyeron mutuamente, fundando movimientos que luego exportaban, estudiando cada uno en el país vecino e integrándose con sus compañeros extranjeros, algo que se hizo especialmente visible en las vanguardias, con artistas como Malévich o Grosz. Y esto precisamente es lo que la exposición  «Russians & Germans. 1000 Years of Art, History and Culture» (Rusos y alemanes. 1000 años de arte, historia y cultura) del Neues Museum (Berlín) trata de ensalzar.

 


Kazimir Malévich, Paisaje de invierno, 1931.
Óleo sobre lienzo, 48,5 x 54 cm.
Museum Ludwig, Colonia.

 

Así que acércate a Berlín antes del 13 de enero de 2013 para admirar el asombroso fruto que pueden dar las relaciones vecinales, o, si lo prefieres, llévate el arte alemán a casa con este fantástico estudio de Franz Dülberg.

 

 

 

Au nom de la dévotion

Jean-Jacques Annaud, dans son adaptation du roman d’Umberto Eco, Le Nom de la rose, nous dépeint un Moyen Age sombre, glauque, à l’atmosphère pesante, pendant lequel les conflits d’ordre religieux font rage et les cathédrales brûlent sous les croassements des corbeaux.

Le terme de dévotion prend tout son sens dans cette intrigue qui se déroule au sein d’une abbaye bénédictine italienne, perdue au milieu de nulle part, siège infernal de toute une série de meurtres, de mystères, de prières, d’injustice et d’amour.

La dévotion, puissante, éloigne l’être de toute conscience. Seules la foi et la personne vénérée comptent. Le reste n’est qu’abstraction. Jusqu’où peut mener la dévotion ? Jusqu’au pire. Les limites n’existent plus, la pensée devient incontrôlée et seul l’acte compte. N’allons pas croire que la dévotion n’est que religieuse et qu’elle n’engendre que du positif car elle peut être aussi tout ce qu’il y a de plus négatif.


Noli me tangere, Maître de la chronique scandaleuse vers 1500.

Quel meilleur exemple de dévotion que celui de la femme, considérée dans le film comme un être maléfique provenant de l’Enfer. Cette scène de sexe entre la paysanne et Adso le jeune Bénédictin, dans une des cuisines malodorantes de l’abbaye en donne la preuve. La femme, être vénéré, tant désiré poussera le jeune homme au pêché et l’éloignera de toutes ses lois morales. Ou quand le désir devient plus fort que la raison.

Une autre forme de dévotion évoquée dans le film est la quête du savoir, de la connaissance. Avec cette impressionnante bibliothèque, construite comme un lieu protégé qui contient le livre du philosophe vénéré dans le film par Sean Connery dans son rôle de moine : Le Livre II de la Poétique, d’Aristote, qui sera en réalité la cause des différents meurtres.

Enfin, la dévotion religieuse, notamment très présente dans le film, encourageant le croyant à prier le plus possible. D’où la réalisation de manuscrits enluminés représentant des prières illustrées, écrits à la main et richement décorés.

La dévotion, sous ses différentes formes, si elle était une des caractéristiques du Moyen Age, est encore présente de nos jours mais probablement à un degré moindre. Encore faut-il savoir que cela est de la dévotion.


Couronnement de la Vierge (détail),
Livres des Heures
Vers 1420-30. Paris

Pour pouvoir apprécier et découvrir ces œuvres de dévotion publique, communautaire et littéraire, le Getty Center de Los Angeles vous ouvre les portes de son exposition The Art of devotion in the Middle Ages du 28 Août au 11 Novembre 2012 ainsi que du 13 Novembre au 3 Février 2013.

Beute oder Trophäe?

Die Antwort liegt im Auge des Betrachters! Die „Trophäenkommission“ der Roten Armee transportierte nach dem Zweiten Weltkrieg als Entschädigung für die Verwüstungen der Wehrmacht in der Sowjetunion und als Ausgleich für die Verluste eigener Sammlungen deutsche Kunstschätze nach Russland. Ende der 1990er Jahre wurden dann die sich noch im Land befindlichen Trophäen kurzerhand zum Eigentum Russlands erklärt. Nach international gültigen Bestimmungen, die auch Russland anerkannte, ist diese Einbehaltung von Kunstwerken rechtswidrig.

Auf deutscher Seite spricht man hingegen von „Beutekunst“. Damit gemeint ist die kriegsbedingte Verlagerung von Kunstgegenständen – eine zeitlich begrenzte Verlagerung zum Schutz und Erhalt der Werke. Und genau diese in der Begriffsbestimmung implizierte unterschiedliche Auffassung – Trophäe und Beute – lässt Verhandlungen über den zukünftigen Verbleib nahezu stagnieren. Eine Trophäe ist eine (mehr oder weniger) rechtmäßig erworbene Auszeichnung des Siegers, eine Beute in der Definition Diebesgut. Inwiefern diese Debatte noch von kulturhistorischen oder schlicht weg von politischen Intentionen geprägt ist, können vielleicht nur noch die Involvierten mit Bestimmtheit sagen.

Zumindest tauchen nach und nach immer wieder neue, kriegsbedingt verlagerte Stücke in den russischen Depots auf und werden der Öffentlichkeit zugänglich gemacht. In Zusammenarbeit mit deutschen Institutionen und Wissenschaftlern wird Kunst aufgearbeitet und ausgestellt – ausgestellt in Russland, nicht in Deutschland. Denn einmal über die Grenze gebracht, werden die deutschen Museen ihren Besitzanspruch wieder geltend machen.


George Grosz, Der Agitator, 1928.
Öl auf Leinwand, 108 x 81 cm.
Stedelijk Museum, Amsterdam.


Kasimir Malewitsch, Aviator, 1913-1914.
Öl auf Leinwand, 124 x 64 cm.
Staatliches Russisches Museum , St. Petersburg

Doch unabhängig von der die letzten Jahrzehnte bestimmenden Frage nach Beute oder Trophäe gibt es in der deutsch-russischen Geschichte unzählige Verflechtungen, von den Handelsbeziehungen im Mittelalter über dynastische Verbindungen im 18. und 19. Jahrhundert bis zum künstlerischen Austausch in der klassischen Moderne, die für beide Länder Inspiration bedeutet. Die letzten 1000 Jahre dieser gemeinsamen Geschichte, die gegenseitigen Einflüsse und ihre wechselseitigen „Beuten“ und „Trophäen“ präsentiert nach dem Staatlichen Historischen Museum Moskau nun vom 6. Oktober 2012 bis zum 13. Januar 2013 das Neue Museum Berlin in der Ausstellung Russen & Deutsche. 1000 Jahre Kunst, Geschichte und Kultur.

Begeben Sie sich auf eine Reise durch die Geschichte und verfolgen Sie damit eine wirtschaftliche und sozial-geschichtliche Entwicklung sowie die kulturhistorischen Zusammenhänge. Mit den Büchern des Verlages Parkstone-International zur Deutschen Malerei von Klaus H. Carl und zur Russischen Malerei von Peter Leek erhalten Sie einen ersten Einblick in die Meisterwerke der beiden Länder und entdecken im Vergleich die eine oder andere gegenseitige Inspiration.

Breaking up and making up

When I think of the relationship between Russia and Germany the first thing that comes to mind is Carrie and Mr Big or maybe Ross and Rachel for those of you that never dug into Sex and the City – in which case, shame on you. The on-again, off-again saga of their affairs is almost too much for the common person to handle.

They’re on – they’re politicking together and mutually militaristic; Russia is sharing her energy sources because of her dependence on Germany’s finances. If that’s not a relationship, I don’t know what is! And then Leo von Caprivi had to go and cut Russia out, ruining the three-way alliance with Austria. Certainly, they were on a break!

 


Albrect Dürer, Portrait of a Young Woman, 1505.
Oil on wood, 26 x 35 cm.
Kunsthistorisches Museum, Vienna.

 

They’re off – they’re warring against each other in WWI, ending with Germany helping to send in the dogs – rather Vladimir Lenin.

Shortly thereafter, they are back on due to social stigmatisation from the rest of the world, which is quickly ruined with Germany’s anti-Communist, anti-Slav rhetoric and Hitler’s invasion of the Eastern Front – leading to the bloodiest conflict in history. I think we can all agree Germany wasn’t the nicest kid on the block during this time.

 


Max Beckmann, Self-Portrait with a Scarf, 1917.
Oil on canvas, 80 x 60 cm.
Staatsgalerie Stuttgart, Stuttgart.

 

Slowly the two realised they had more in common than not after the fall of the Wall and Socialism. They’ve managed to remain amicable over the past 30 years – not discussing their differences, but revelling in their similarities.

It is in their similarities that we are able to see marks of Russia in Germany’s art, history, and culture, and vice-versa. Positive spurts and splashes of colour and light, sound and beauty, harmony between the two cultures. And isn’t that all the world needs right now? Harmony amongst the masses, a sharing of art and culture?

Go see Russians & Germans. 1000 Years of Art, History and Culture, on at the Neues Museum, now through 13 January 2012, for the nuances of the tumultuous millennium-long love affair between these two fascinating countries. Also, keep an eye out for German Painting by Franz Dülberg for even better insight into their artistic relations.

 

-Le Lorrain Andrews

 

 

Impresionismo y la moda

Ahora que están tan de moda los blogs de estilismo y las egobloggers son las nuevas estrellas de la red, no está de más recordar que ellas no son las primeras ni las últimas en interesarse por la moda ni retratar el estilismo contemporáneo.

Haciendo un trabajo a medio camino entre los paparazzis y los cazadores de tendencias, los impresionistas, en su afán por retratar la vida urbana de la época, se convirtieron en pintores de la moda (que no de moda, la mayoría del público los denostaba). Desde los bailes de Renoir a las noches de ópera de Mary Cassat, podemos encontrar en sus cuadros a la gente «in» del París del Moulin Rouge y sus distintos modelitos de día y noche. ¿Os recuerda a algo?


Mary Cassatt, Lidia en el teatro, , c. 1879.
Pastel, 53,3 x 43,2 cm.
The Nelson-Atkins Museum of Art , Kansas City, Missouri.


Mary Cassatt, Mujer con collar de perlas en un palco, 1879.
Óleo sobre lienzo, 81,3 x 59,7 cm.
Philadelphia Museum of Art, Filadelfia

Y es que el ansia de retratar la vida cotidiana segundo a segundo nació mucho antes de que se inventaran los móviles con cámara (sí, esos que te bajas un programa y ya te crees que eres fotógrafo profesional). Visto el éxito y la estima en que ahora tenemos a estos reformadores de la pintura, ¿sería posible que en un par de siglos que viene se expusieran en los museos esas fotos que tanto nos molestan ahora en las redes sociales? (desde aquí quiero hacer un llamamiento: sí, es posible comer sin hacerle una foto al plato, ¡no todo el mundo quiere ver el aspecto de tu comida por más que el restaurante tenga estrellas Michelín! Fotos gastronómicas en revistas gastronómicas. Gracias.) Por nuestro bien, espero que no y que recuperemos el sentido común en algún momento.


Pierre August Renoir, Baile en el Moulin de la Galette, 1876.
Óleo sobre lienzo, 131 x 175 cm.
Musée d’Orsay, París.

Si te interesan estos «pioneros» del papel couché, o la vida y moda del París del XIX, acércate a «L’impressionisme et la mode», en el Musée d’Orsay del 25 de septiembre de 2012 al 20 de enero de 2013 o, si prefieres disfrutar a tu aire del encanto y la elegancia del siglo XIX, llévate a casa el estudio de Nathalia Brodskaya sobre el Impresionismo en forma de ebook.

La Belle Époque – Eine Hommage auf die Freizeit

Ein gemeinsames Frühstück im Grünen, danach ein Ausritt oder vielleicht eine Kutschfahrt? Zum Mittagessen in eines der schönen Restaurants am Grand Boulevard, dann ein ausgedehnter Schaufensterbummel, ein kurzer Plausch im Café und abends vielleicht ins Theater, in die Oper oder doch lieber zum Ballett?

Eine der großen Neuerungen, die die zweite Welle der Industriellen Revolution in Frankreich mit sich brachte, war die „Freizeit“. Die materielle und politische Absicherung des Bürgertums in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts ließ die Menschen der sogenannten Belle Époque optimistisch in die Zukunft blicken. Mit dem Wirtschaftsaufschwung ging auch ein kultureller Aufschwung einher: Neue Cafés, Ateliers, Galerien, Salons und Konzertsäle mit einem vielfältigen kulturellen Freizeitangebot wurden eröffnet.


Auguste Renoir, Der Spaziergang, 1870.
Öl auf Leinwand, 80 x 64 cm.
J. Paul Getty Museum, Los Angeles.


Édouard Manet, Portrait des Théodore Duret, 1868.
Öl auf Leinwand, 43 x 35 cm.
Paris, Musée du Petit Palais.

Die bildende Kunst wurde zum Spiegel dieser neuen freizeitlichen Vergnügungen.Wie kaum zuvor rückte der Impressionismus (ca. 1860 - 1900) den Menschen und das alltägliche Leben ins Bildzentrum. Auf Auguste Renoirs (1841-1919) Gemälde Der Spaziergang (1870) wird ein wichtiger Grundsatz der Belle Époque deutlich: Unabhängig von der Art der Freizeitbeschäftigung, sei es ein Opernbesuch oder ein Spaziergang im Wald, war es überaus wichtig, stets gut gekleidet zu sein. Die wohlhabende Oberschicht stellte ihren neuen Reichtum durch die Kleidung oft äußerst großspurig zur Schau. Man ging nicht mehr zum Schneider und ließ sich ein Nullachtfünfzehn-Kleid anfertigen, sondern blätterte zunächst in den zahlreichen Modezeitschriften, um dann bei dem 1845 aus Lincolnshire eingewanderten und schnell berühmt gewordenen „Modeschöpfer“ Charles Frederik Worth (1825- 1895) Schlange zu stehen.

Je nach Ort und Anlass galt es, einen bestimmten Dresscode einzuhalten. Die wallenden, bevorzugt in hellen Farben gehaltenen leichten Sommerkleider waren aufwendig mit Rüschen, Spitzen und Volants besetzt. Die Männer trugen schwarze Sakkos und Krawatte. Ein – bei den Damen mit bunten Bändern und Blumen geschmückter –Sonnenhut und Lederhandschuhe waren bei einem Ausflug aufs Land obligatorisch. Wer mochte, trug einen Stock, einen Fächer oder einen Sonnenschirm mit sich.Neben den einfacheren Kleidern für die Landpartie besaß die gut situierte Oberschicht je nach Anlass mehrere elegantere Stadtkleider. Für den Cafébesuch wurde natürlich nicht dieselbe Kleidung wie für das abendliche Dinner, den Besuch des Opernballs oder der Theaterpremiere getragen. Stock und Zylinder waren nach wie vor für den Mann und der das Gesäß auspolsternde „Cul de Paris“ sowie eine große beutelartige Handtasche für die Frau ein Muss.

Claude Monet (1840-1926), Auguste Renoir (1841-1919) und Edgar Degas (1834-1917) – um nur die drei bekanntesten französischen Vertreter dieser Epoche zu nennen – fingen mit ihren Werken nicht nur zahlreiche flüchtige Augenblicke des modernen gesellschaftlichen Lebens ein, sondern fungierten gleichzeitig als Spiegel der damaligen Modewelt. Unter diesem Blickwinkel sind in der aktuellen Ausstellung L'impressionnisme et la mode im Musée d’Orsay in Paris noch bis zum 20. Januar 2013 neben den impressionistischen Gemälden originale Hüte und historische Kleidungsstücke ausgestellt. Ein Höhepunkt der Ausstellung ist das von Albert Bartholomé (1848-1928) gemalte Porträt seiner Frau Prospérie (1849-1887) in einem weiß-blau gepunkteten Sommerkleid, das neben dem Gemälde durch eine Glasvitrine geschützt im Original bewundert werden kann. Nähere Informationen über den Impressionismus, seine Geschichte und seine Vertreter finden Sie auch in dem von Parkstone-International herausgegebenen reich bebilderten E-Book Impressionismus.

 

-C.Schmidt

Impressionably Fashionable

Where do you go when you are looking for the latest fashion designs? Or want to see what is à la mode on the High Street? Or perhaps, just want to see what’s going on in the city? Well, the internet.  Right?  Or a fashion magazine. 

 


At the Theatre, c. 1879. Pastel, 53.3 x 43.2 cm. The Nelson-Atkins Museum of Art , Kansas City, Missouri.

 

I think that if we were to be suddenly transported to the 19^th Century we would be in for a big culture shock! No internet, no modern conveniences...and yet, society of the 19^th Century, in some respects, is considered to be more cultured and sophisticated than our own.  More genteel, certainly!  Impressionists such as Renoir, Cassatt, and Monet: these were the people who were responsible for providing society with images of the latest fashion trends.  Cassatt, for example, painted theatre-goers.  The who’s who of Paris fashion attended these soirees, so it is not far out of the realms of possibility that these paintings would be consulted by the fashionably elite to check out what was being worn, where and by whom...remind you of any of our celeb magazines now? 

 


The Ball at the Moulin de la Galette, 1876, Oil on canvas, 131 x 175 cm, Paris, Musée d’Orsay

 

Pierre Auguste Renoir was busy capturing life in the moment – the lively scene in the ‘ball at the moulin de la gallete’ is so busy, you can practically see the movement and hear the buzz of conversation.  The impressionists were offering an alternative to the black and white photography of the day.  It was not a direct competition, but what they could do that the photographers couldn’t was to offer a subjective, colourful view of day to day life.

 


Woman with a Pearl Necklace in a Loge, 1879. Oil on canvas, 81.3 x 59.7 cm. Philadelphia Museum of Art, Philadelphia

 

Final thought before I finish:  In their day, the Impressionists were viewed contemptuously by the members of the jury of the Salon.  Their work was rejected and ridiculed due to the colours that they employed and the thick brushstrokes that they used.  Mary Cassatt was even criticised for painting her subjects too realistically to be flattering.  This makes me wonder – we now rely on the Impressionists’ work for a sense of the culture, fashion and way of life in the 19^th century.  In another couple of centuries, are today’s paparazzi going to be admired as much as we admire the Impressionists?  Because, let’s face it, they too offer a glimpse into culture, celebrity fashion and day-to-day activities.  They are also not highly regarded by many people in today’s society... so you see, there are links to be made between the two!

 

For a broader look into 19^th Century life and fashion, check out the ‘L’impressionisme et la mode’ exhibition at the Musée d'Orsay, being held between the 25^th September 2012 and 20^th January 2013.  Or, if you just want to be enchanted by a simpler time and appreciate the elegance and gentility of the 19^th Century from the comfort of your technologically advanced home, take a look at Nathalia Brodskaya’s Impressionism.

 

 

Andy Warhol - Masse oder Klasse?

Gestapelte Pizzakartons und zu Pyramiden aufgetürmte leere Bierdosen sich das typische, an Studenten-WGs haftende Klischee – anstelle eines halbwegs akzeptablen Abendessens wird da schnell mal eine Dose geöffnet. Die gestapelten Dosen des Pop-Art-Künstlers Andy Warhols (1928-1987) erinnern jedoch nur auf den ersten Blick an unaufgeräumte Junggesellenbuden, zu akkurat sind die Dosen aufeinandergestapelt, jedes Cover genau dem Betrachter zugedreht.


Andy Warhol, 100 Campbell’s Soup Cans, 1962.
Kasein, Acryl und Bleistift auf Leinwand, 183,5 × 132,3 cm.
Museum für Moderne Kunst, Frankfurt am Main.

Warhol, der als Begründer und wichtigster Vertreter der in den 1960er Jahren entstandenen Bewegung der Pop-Art gilt, versetzt uns mit seinem Werk 100 Campbell’s Soup Cans in die Welt eines penibel sortierten Supermarktes, vollgepackt mit in Massenproduktion hergestellten Dosensuppen. Der Supermarkt als wichtiger, da häufig aufgesuchter Ort des Großstadtlebens und seine Waren werden nicht nur durch Warhol künstlerisch in Szene gesetzt. Die Pop-Art-Künstler isolieren triviale Alltagsgegenstände und machen sie zu ihren Bildmotiven, entbinden sie so von ihrer Alltäglichkeit und werten sie auf zu Kunst. Durch die Isolation der Alltagsobjekte und die flächige Inszenierung vor einem einfarbigen Hintergrund wirken die Werke steril. Was fehlt sind die Gebrauchsspuren, das natürliche Durcheinander, die Fingerabdrücke, die wir zeit unseres Lebens auf allem hinterlassen.
In dieser Hinsicht erinnern sie an die fotorealistischen Pappwelten des 1964 in München geborenen Bildhauers und Fotografen Thomas Demand, der ähnlich wie Warhol Bilder des kollektiven Gedächtnisses verwendet, die er dann aus Pappe maßstabsgetreu, lebens- oder überlebensgroß nachbaut. Durch eine ausgefeilte Lichttechnik erscheinen die so entstandenen Trugwelten auf seinen Fotografien derart realistisch, dass der Betrachter zwischen „echt“ und Reproduktion kaum noch unterscheiden kann. Nur die fehlenden Gebrauchsspuren und die Menschenleere seiner Interieure lässt den Betrachter misstrauisch werden.

Bei Warhol sind zwar Alltagsgegenstände abgebildet, aber derart verfremdet, dass die Frage nach „echt“ und Reproduktion eindeutig ausfällt: So realistisch insbesondere die Suppendosen aussehen mögen, die starken schwarzen Konturen, die knalligen Farben und die Flächigkeit der Werke erinnern an Comic-Stripes oder Werbeplakate. Seine vielen Porträts gefeierter Persönlichkeiten, wie Marilyn Monroe, Jackie Kennedy und Elvis Presley, wirken geradezu entmenschlicht. Nicht anders als bei Supermarktwaren geht es auch bei den „Celebrities“ um Image und Vermarktung. In einer Welt der Massenware wird neben der Kunst so der Mensch selbst zu einer Ware, die es zu verkaufen gilt. Und als gelernter Werbegrafiker verstand es Warhol, seine Kunst und auch sich selbst gekonnt zu vermarkten. In seinem Atelier, das er „Die Fabrik“ nannte, stellte er unter Mitarbeit mehrerer Gehilfen oft ganze Serien desselben Motives her.

Die Frage, ob sein Werk nun mehr Masse oder Klasse ist, muss jeder für sich selbst beantworten, feststeht aber, dass Warhol die Kunst revolutionierte, indem er immer wieder bewusst auf die Grenze zwischen Kunst und Kommerz anspielte und diese schließlich mit Erfolg untergrub. Denn wer weiß, ob wir ohne Warhols Pionierarbeit heute einen Begriff wie „Werbekunst“ akzeptieren würden.

Obwohl Kunstkritiker bereits seit Jahrzehnten feststellen, dass Warhol einen enormen Einfluss auf die zeitgenössische Kunst ausübt, gab es bisher noch keine Ausstellung, die diesen Einfluss im vollen Umfang aufzeigen konnte. Noch bis zum Ende dieses Jahres ist dies daher das erklärte Ziel der Ausstellung Regarding Warhol: 60 artists, 50 years im The Metropolitan Museum of Art in New York. Rund 45 Werke Warhols sind hier etwa hundert Werken von 60 Künstlern verschiedener Generationen gegenübergestellt und laden zur Spurensuche ein.

Bevor Sie sich aber auf Warhols Spuren begeben, sollten Sie als Vorbereitung einen Blick in den als gedrucktes und digitales Werk erhältlichen Titel Warhol des Verlags Parkstone-International werfen, mit seiner Vielzahl qualitativ hochwertiger Farbabbildungen liefert dieser einen umfangreichen Einblick in das Leben und Werk des Künstlers und hilft Ihnen mit Sicherheit bei der nur individuell zu beantwortenden Frage „Masse oder Klasse?“

http://www.metmuseum.org/exhibitions/listings/2012/regarding-warhol

 

-C.Schmidt

Warhol, un estratega de la imagen

¿Qué tienen en común Miguel Ángel, Rafael, Marcel Duchamp, Hopper, Alberto Durero, Leonardo da Vinci, Alphonse Mucha, Caravaggio, Rembrandt, Velázquez, Renoir y J. M. W. Turner, entre otros? Todos ellos han sido clasificados como «el artista más influyente» de un período histórico, de un movimiento, de un grupo artístico, de un país... No obstante, parece que ya se han cubierto todas las categorías posibles y los genios revolucionarios pululan de tal forma que cada vez se deben acotar más los radios de influencia. Así, la nueva exposición del MET, «Regarding Warhol: Sixty Artists, Fifty Years», nos plantea la pregunta de si Andy Warhol fue el artista más influyente del último medio siglo, esto es, de los últimos cincuenta años... ¿Cincuenta años? ¿Qué será lo próximo? ¿El primer cuarto del siglo XXI? ¿Los tres años que siguieron al 2001? ¿La primera mitad del mes de enero del 2009? ¿Los días previos al 21 de diciembre de este año? (Desde luego, puestos a seleccionar, en los dos últimos meses, pocos artistas han tenido la resonancia de la señora Cecilia de Borja).

Andy Warhol vaticinó que, en el futuro, todo el mundo tendría sus 15 minutos de fama, e iba bien encaminado con respecto a la televisión, pero se quedó algo corto. En la era de Internet, todos se esfuerzan por tener su «minuto de gloria» y pronto será preciso disputarse cada segundo de atención pública... No sé qué opinaría Warhol de la situación actual, pero no cabe duda de que se sentiría muy satisfecho de la presencia e impronta de su legado en este siglo XXI que estrenamos hace no tanto. Al fin y al cabo, se sentía fascinado por el arte como lucro.

Uno de los motivos por los que el MET limita su influencia a medio siglo es que la soberanía del panorama artístico del siglo XX se ha atribuido a Picasso de forma casi unánime (y que conste que he dicho «casi»). Se dice que cuando Warhol supo que Picasso dejó a su muerte un patrimonio de 4.000 obras, decidió que su vocación sería convertirse en «artista por número de páginas» para igualar de esa forma la labor creadora de imágenes de Picasso. Si bien no tenía la hiperactividad (y muchos dirán que tampoco lo acompañaba el genio) del malagueño, lo cierto es que sólo hay que prestar un poco de atención para ver que la huella de Warhol está en todas partes. Una de las cosas que más le maravillaba de Estados Unidos, según afirmaba en su libro Mi filosofía de A a B y de B a A, era que «los consumidores más ricos compran esencialmente las mismas cosas que los más pobres» y le fascinaba la Coca-Cola porque la que bebe el mendigo de la esquina es tan buena como la que se puedan tomar Amancio Ortega o Paris Hilton. Por ello, se apropió de la Coca-Cola y, al hacerlo, consiguió acercar el arte a todo el mundo.


Green Coca-Cola Bottles (Botellas verdes de Coca-Cola), 1962.
Seda, acrílico y grafito sobre lienzo, 209,2 x 144,8 cm.
Whitney Museum of American Art, Nueva York.
© 2012 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / Artists Rights Society (ARS), Nueva York

El MET explora cinco facetas temáticas de Warhol: su fascinación por las imágenes cotidianas, el consumismo banal, el auge de los sensacionalismos; las celebridades y los protagonistas de las crónicas de papel cuché; la crudeza y la importancia de la sexualidad; la reubicación de objetos cotidianos en series infinitas; y la colaboración artística con otros creadores y la fascinación por crear entornos que envolvieran al espectador. Para ello, toma las obras de sus epígonos y permite que los visitantes asistan al diálogo que se establece entre todas ellas; un diálogo «pop» que ha cumplido ya los cincuenta y que, previsiblemente, tendrá una vida longeva y (esperemos) controvertida, genial, lunática y arrebatadora.

Warhol fue un observador incansable, mordaz, crítico, que se propuso cambiar el arte. La decisión de si lo logró o no, te la dejo a ti (no me gustaría robarte tu segundo de estrellato). Las puertas de la exposición de Nueva York estarán abiertas hasta el 31 de diciembre y, si no te puedes pasar por allí, este ebook de Gerry Souter está a tu disposición allí donde estés.

Fifteen Minutes of Fame

Andy Warhol is easily one of the most interesting people to have ever lived. I say this having known next to nothing about him other than his over-exposed, colourful reproductions of 1960s-1980s popular culture, all of which I found excessive, superficial, and ridiculous, up until two hours ago.

 


Screened in accordance with Warhol’s long-time lunchtime devotion to the brand.
Andy Warhol, Campbell’s Soup Can (Turkey Noodle), 1962.
Silkscreen ink on canvas, 51 x 40.6 cm.
Sonnabend collection.

 

 

But wasn’t that essentially his intention, to explore popular culture? Spending most of his time at home as a young child and teenager, Warhol listened to the radio (and the adverts) and collected photos of film stars; he was greatly influenced by the growing popular culture of the 1950s. Starting his career as a commercial illustrator should come as no surprise to anyone, nor should the fact that, unlike other artists, he basked in the spotlight of fame that came from the success of his commercial art.

 


Screened for his appreciation of the wide-spread appeal of Coca-Cola – for the rich as well as the poor!
Andy Warhol, Green Coca-Cola Bottles, 1962.
Synthetic polymer, silkscreen ink, and graphite on canvas, 209.2 × 144.8 cm.
Whitney Museum of American Art, New York.

 

Endlessly and un-sarcastically praising the plasticity of Hollywood, I’m convinced all Warhol wanted was his “fifteen minutes of fame” (did you know he coined that?). Little could he have ever imagined we’d still be fawning over his bright colours, cow motifs, and his Pope of Pop-(Art)dom over twenty years after his death. Though I think he’d be less impressed with the reality of what “fifteen minutes of fame” has afforded us by way of reality television (Jersey Shore and Honey Boo Boo, anyone?).

What are you waiting for? Get over to the Met now through year’s end to see Sixty Artists, Fifty Years and relish in the expansion of Pop Art over the years. Then, get these ebooks for a little at-home inspiration: Warhol by Eric Shanes and Warhol by Gerry Souter.

 

-Le Lorrain Andrews

 

Le XIXe siècle, éternelle chronique de l’art français

Le xix^e siècle français : siècle de l’art de vivre à la française. Qui ne pense pas tout de suite à Toulouse-Lautrec et au monde des bordels de Montmartre, à la forte consommation d’absinthe qui, en un sens, développait l’esprit créatif, à la grande époque du Moulin Rouge, aux cafés-concerts et à Pigalle.

Révolution, industrialisation, bourgeoisie, tels sont les mots qui nous viennent à l’esprit. Mais il faut surtout penser à la Modernité, aux changements des mœurs. Comme le prouve le tableau d’Édouard Manet ci-dessous, ce siècle a été avant tout celui du renouveau et des chocs visuels pour le grand public : une femme nue au milieu d’hommes habillés, pure provocation pour l’époque.

 


Édouard Manet, Le Déjeuner sur l’herbe, 1863.
Huile sur toile, 208 x 264,5 cm.
Musée d’Orsay, Paris.

 

Son impact a dû être à peu près le même que si aujourd’hui un artiste représentait la scène avec des personnages défigurés et monstrueux, anorexiques ou obèses. Les représentations de ce type et la vision de corps humains hors-normes sont encore difficiles à regarder de nos jours. Je suis même certaine que si la scène était simplement reproduite à l’identique avec des personnages vivants, en pleine rue, de nombreux passants seraient choqués. Qui ne seraient pas dérangé de voir Sophie Marceau nue dans l’espace public ? Les féministes ne manqueraient pas de crier au scandale. L’esprit du xix^e siècle était-il plus aventureux ? Face à cette peinture, nous pouvons le supposer.

L’exposition La Bohème qui a ouvert ses portes au Grand Palais à Paris est bien la confirmation que l’esthétique de ce siècle demeure une image prégnante dans notre société, qui nous intrigue toujours.

Pour dépasser les idées reçues à propos de l’art du xix^e siècle, vous pouvez vous rendre à l’exposition « Modern Life – France in the 19^th century » à Stockholm, où toutes les expressions artistiques sont présentées : peinture, sculpture, arts décoratifs, dessins, photographie. L’exposition suédoise couvre un large xix^e siècle, de la Révolution à la première guerre mondiale. Vous pouvez aussi consulter ce livre sur l’Impressionnisme.

 

Prerrafaelitas ¿ñoñería o rebeldía?

El movimiento prerrafaelita es a la pintura lo que la narrativa gótica a la literatura. No coinciden plenamente en el tiempo pero sí en el espíritu, no en vano estos artistas del siglo XIX comparten los ideales del Romanticismo respecto a la sinceridad del arte y la utilización de la naturaleza para expresar ideas. Cualquiera que, siendo adolescente, haya observado Ofelia de Millais, se habrá visto transportado al ambiente romántico que el cuadro desprende y que recuerda a los bosques de Frankenstein de Mary Shelley.


John Everett Millais, Ofelia, 1851-1852.
Óleo sobre lienzo, 76,2 x 111,8 cm.
Tate Gallery, Londres.

La doncella que flota ahogada en el río es un ejemplo perfecto del ideal prerrafaelita: joven, pálida, pura y bella, nos recuerda a la Kirsten Dunst de Las vírgenes suicidas y, al igual que pasa con la película de la pequeña de los Coppola, no alcanzamos a entender su tragedia, por más que somos conscientes de que se esconde en cada esquina del cuadro.

Esta estética, cercana a la romática y, como ella, rebosante de emoción, puede parecernos ñoña si la judgamos con ojos de ahora (sólo llamaría la atención a los adolescentes más melancólicos) pero en los tiempos en los que la reina Victoria de Inglaterra impuso la más absoluta sobriedad en lo que a sentimientos se refiere (al parecer sólo de puertas para afuera, los mentideros londinenses podrían relatar un millón de anécdotas sobre ella) supuso una auténtica revolución y desafío a la moral imperante. Pero no todo puede ser emoción y sensaciones desapacibles, y algunos de ellos realmente inspiran calma (como muestra, compara lo que te sugieren los dos cuadros de abajo).


John Brett, El glaciar de Rosenlaui, 1856.
Óleo sobre lienzo, 44,5 x 41,9 cm.
Tate Britain, Londres.


John William Inchbold, Primavera temprana, anterior a 1855.
Óloe sobre lienzo, 53 x 35 cm.
Ashmolean, Oxford.

Déjate llevar por tus emociones y acércate a la exposición «Pre-Raphaelites. Victorian Avant-Garde» que estrenó en septiembre la Tate Britain (Londres) y que se podrá visitar hasta enero del 2013. O si prefieres un ambiente más intimista, llévate a casa sus obras en forma de libro.

Vom Werden und Vergehen – Ophelia und die Präraffaeliten

Die Szenerie ist malerisch: Ein kleiner, klarer Bach schlängelt sich durch den Wald, eine Weide neigt sich über ihn, am Ufer wachsen Nesseln, Hahnenfuß, Maßliebchen und Kuckucksblumen. Eine junge Frau flechtet Blumenkränze, die sie zum Trocknen an den niedrigen Weidenzweigen aufhängt – doch plötzlich bringt ein falscher Schritt sie aus dem Gleichgewicht, sie strauchelt, findet keinen Halt und fällt ins Wasser. Der Bach, der sich urplötzlich zu einem regelrechten Wildwasserstrom entwickelt, reißt sie in die Tiefe, ihre Kleider saugen sich voll Wasser, die junge Frau schnappt verzweifelt nach Luft, doch ihre Lungen haben sich schon mit Wasser gefüllt, sie ertrinkt elendiglich.


John Everett Millais, Ophelia, 1852.
Öl auf Leinwand, 76,2 x 111,8 cm.
Tate Britain, London.

Das Gemälde Ophelia des britischen Malers John Everett Millais (1829-1896) zeigt Ophelia kurz vor dem Ertrinken, die junge Frau liegt im Wasser, ihre Arme offen angewinkelt, ihre Hände ragen aus dem Wasser hervor, in der Rechten hält sie den Blumenkranz, ihr Blick ist schockstarr nach oben gerichtet, ihr Mund leicht geöffnet, noch halten ihre aufgeblähten Kleider sie oben. Doch wo bleibt hier die Dramatik? Das Ufer scheint so nah, der Bach nicht wirklich tief, die Frau wirkt jung und sportlich. Warum kämpft sie nicht um ihr Leben?

Millais bleibt bei seiner Darstellung sehr nah an Shakespeares (1564-1616) Tragödie Hamlet. William Shakespeare war für die Mitte des 19. Jahrhunderts in England von den Malern Dante Gabriel Rossetti (1828-1882), William Holman Hunt (1827-1910) und John Everett Millais gegründete Präraffaelitische Bruderschaft (PRB) eine beliebte Quelle. Der von Hamlets Mutter geschilderte Tod Ophelias ereignet sich in Shakespeares Stück nicht auf der Bühne, sondern im „Off“, und damit ohne jegliche Dramatik. Im Stück werden die letzten Minuten Ophelias von Hamlets Mutter Gertrude verblüffend emotionslos geschildert:

Dort, als sie aufklomm, um ihr Laubgewinde
An den gesenkten Ästen aufzuhängen,
Zerbrach ein falscher Zweig, und nieder fielen
Die rankenden Trophäen und sie selbst
Ins weinende Gewässer. Ihre Kleider
Verbreiteten sich weit und trugen sie
Sirenen gleich ein Weilchen noch empor,
Indes sie Stellen alter Weisen sang,
Als ob sie nicht die eigne Not begriffe,
Wie ein Geschöpf, geboren und begabt
Für dieses Element. Doch lange währt’ es nicht,
Bis ihre Kleider, die sich schwer getrunken,
Das arme Kind von ihren Melodien
Hinunterzogen in den schlamm’gen Tod.
(Auszug aus Shakespeares Tragödie Hamlet, 4. Aufzug, 7. Szene)

Ob diese Erzählung der wahren Begebenheit entspricht oder ob es ein vielleicht aus Wahn begangener Suizid oder sogar Mord war, lässt Shakespeare offen. Die Szene umgibt daher etwas Mystisches, Geheimnisvolles. Die detaillierte Wiedergabe der Natur und Ophelias jugendliche Schönheit als Symbole des natürlichen Kreislaufs des Werdens und Vergehens allen Lebens machen das Sujet bei den Präraffaeliten, die das Naturstudium als einzig notwendiges Studium ansahen und sich von den tradierten akademischen Regeln abwandten, so beliebt.

Die aktuelle Ausstellung Pre-Raphaelites: Victorian Avant-Gardeder Tate Britain versammelt über 150 Arbeiten der Präraffaeliten: Gemälde, Skulpturen, Fotografien und auch Werke der angewandten Kunst sind seit dem12. September 2012 und bis zum 13. Januar 2013 zu sehen. Ausführliche Informationen über die Präraffaeliten finden Sie aber auch in dem vom Verlag Parkstone-International herausgegebenen Buch Die Präraffaeliten.

http://www.tate.org.uk/whats-on/tate-britain/exhibition/pre-raphaelites-victorian-avant-garde

http://www.amazon.de/Die-Pr%C3%A4raffaeliten-Robert-Sizeranne/dp/1844845370/ref=sr_1_1?ie=UTF8&qid=1347439982&sr=8-1

-C.Schmidt

Women of the Pre-Raphaelite Movement: Models, Muses, Lovers, Artists

When you think of “Pre-Raphaelite”, what comes to mind? For me, it is male painters, female subjects, a lot of nature, and vivid colours. And for 95% percent of paintings produced by this movement, this is the reality.

The key members of the group (Hunt, Millais, the two Rossettis, Collinson, Stephens, and Woolner) were all men. Together, they created a secret group called the Pre-Raphaelite Brotherhood. Like just about every other artistic movement, the Brotherhood wanted reform. They rejected the academic styles of Raphael and artists after him, finding them idealised and corrupted. The Brotherhood sought a return to the Pre-Raphael Italian style with its vivid colours and imitation of nature.


Sir John Everett Millais, Ophelia, 1851-1852.
Oil on canvas, 76.2 cm × 111.8 cm.
Tate Britain, London.

The Pre-Raphaelites insisted on painting nature from direct observation to ensure it was depicted with accuracy and detail. Millais even stood outside for four months painting the background of one of the most well-known paintings of the movement, Ophelia (above). After he painted the landscape, he had the model for Ophelia lie in a full bathtub in his studio. But who was this model whose face is now so well-known? Her name was Elizabeth Siddal, and she eventually became a Pre-Raphaelite artist as well, which brings us to the exceptions to the 95% rule I mentioned earlier: the female artists who successfully joined the “brotherhood.”

Elizabeth Siddal was one of several model-turned-artists of the Pre-Raphaelite movement. She was a model for almost all of the members of the Brotherhood, and was the primary subject of Rossetti (who was said to have painted Siddal thousands of times). It’s no surprise that Rossetti and Siddal became lovers and eventually married. Rossetti taught Siddal to paint; she caught on quickly and developed her own unique style. Her self-portraits (see below) are interesting because one can compare how she perceived herself as opposed to how she was perceived by the artists she modelled for. Her other paintings (such as The Ladies’ Lament, below) are characteristic of the Pre-Raphaelite movement, with their focus on nature, vivid colours, and realistic subjects.


Elizabeth Siddal, Self Portrait, 1853-54
Oil on canvas, 22.9 cm circle.
Private collection.


Elizabeth Siddal, The Ladies' Lament, 1856.
Watercolour on paper, 241 x 229 mm.
Tate Britain, London.

Siddal was not the only female Pre-Raphaelite artist. Another notable woman from the movement was Rosa Brett, who was taught to paint by her brother, John Brett, and focused on painting landscapes.  In fact, there are at least twenty others. Several of them, including the celebrated Jane Burden Morris, were also models-turned-lovers-turned-artists like Siddal.

Although these 19^th century women did not have access to their own formal art education, they found other ways to learn. Luckily for them, the Brotherhood was actually quite forward-thinking in their attitude towards female painters, who they welcomed into their circle. Despite the implied gender in the name, the Pre-Raphaelite Brotherhood was a movement that enabled women to pursue their passions and do more than just pose for paintings. Women were finally beginning to establish themselves in the artistic world.

If you are in London before January 13, 2013, make sure to check out the exhibition on the Pre-Raphaelites at the Tate Britain. You may be distracted by the amazing paintings by the Brotherhood, but keep your eye out for the 5%—the ones done by the women. If you can’t make it to the exhibition or just want to learn more about this movement, check out our ebook.

Zwischen Realismus und Impressionismus, zwischen privatem undöffentlichem Raum

Der französische Impressionismus hat viele große Namen hervorgebracht: Bazille, Cézanne, Degas, Gauguin, Manet, Monet, Sisley, Morisot, Pizarro und Renoir, um nur einige zu nennen. Sie alle waren Impressionisten, strebten nach einer Erneuerung der Kunst, waren der Freilichtmalerei verpflichtet und trotz gleicher Ziele war doch jeder für sich einzigartig. Ergänzen Sie der (Un-)Vollständigkeit halber diese Aufzählung noch um einen weiteren Künstler, der in der deutschen Kunstgeschichte erst in den letzten Jahren wirklich Beachtung fand: Gustave Caillebotte (1848-1894).

Der Künstler, der bisher noch mehr Bedeutung als Mäzen und Sammler erlangte und in enger Freundschaft zu Monet, Renoir und Sisley stand, wurde zum ersten Mal 1994 in einer größeren Ausstellung in Paris gewürdigt. Sein Werk ist ohne Zweifel impressionistisch. Doch ist es nicht nur seine Themenwahl, es sind nicht nur die alltäglichen Szenen, die unwillkürlich die Assoziation zum Realismus implizieren. Es ist auch seine fotografische Perspektive, mit der er das Leben in den Cafés, in den Straßen und auf den Pariser Boulevards auf die Leinwand bannt.

Den Stadtansichten stehen Porträts, Interieurs und Landschaften gegenüber, die ebenso zwischen fotografischem Realismus und malerischem Impressionismus balancieren. Der private Raum findet gleichermaßen zur Darstellung wie der öffentliche Raum – und immer wahrt Caillebotte eine gewisse hinreißende Intimität, in der wir uns gern verlieren.

 


Rue de Paris, temps de pluie
(Paris, an einem Regentag), 1877.
Öl auf Leinwand, 212,2 x 276,2 cm.
Art Institute, Chicago.

 

Caillebotte: Ein Künstler zwischen Realismus und Impressionismus oder eher zwischen Fotografie und Malerei? Die SCHIRN Kunsthalle Frankfurt am Main stellt ab dem 18. Oktober unter dem Titel Gustave Caillebotte. Ein Impressionist und die Fotografieden lange von der Kunstgeschichte vernachlässigten Künstler aus.

Sollten Sie keine Gelegenheit zum Besuch der Ausstellung haben, können Sie aber alternativ Caillebottes künstlerischen Werdegang auch von zu Haus aus nachverfolgen. Grundlage dafür kann etwa der vom Verlag Parkstone-International aufgelegte Titel Caillebotte mit seinen vielen Detailansichten im handlichen Druckformat sein.

Entre naturalismo e impresionismo: Caillebotte

Debo admitir que cuando, hace no mucho, mi jefe me nombró a Caillebotte, no sabía de quién me estaba hablando, mucho menos su nacionalidad o el movimiento estético al que pertenecía (y no digamos cómo escribirlo). Pero Google existe por una razón, así que hice una búsqueda y me quedé sorprendida al ver que, aunque no conocía el nombre del artista, las imágenes me eran muy familiares. Y es que con Caillebotte pasa como con las canciones clásicas, que todo el mundo las conoce pero poca gente es capaz de decir el intérprete/autor.

Este acaudalado impresionista tuvo parte de culpa del éxito de sus compañeros y luego cayó en el olvido (¿quizá por su toque naturalista?). Y digo que tuvo culpa porque se convirtió en su mecenas, además de amigo y colaborador, y no contento con eso, a su muerte donó su colección al Estado.


Calle de París, día lluvioso, 1877.
Óleo sobre lienzo, 212,2 x 276,2 cm.
Art Institute, Chicago.

Es precisamente esta mezcla de impresionismo y naturalismo lo que, a mi parecer, lo hace interesante y le da ese aspecto de fotografía a sus obras. Eso, además de los temas elegidos, claro, ya que como buen impresionista se dedicó a retratar el París urbano, pero lo hizo con un aire más del siglo XX que del XIX (hay quien afirma que le recuerda a Hopper, y no me parece una comparación desacertada).

La exposición «Gustave Caillebotte. An Impressionist and Photography» del Schirn Kunsthalle de Fráncfort del Meno hace especial hincapié en este aspecto fotográfico; tanto que expone, junto a las obras de Caillebotte, fotografías de finales del siglo XIX y principios del XX. Si tienes un rato, puedes acercarte y maravillarte con la obra de este no tan conocido pintor. O si lo prefieres, puedes hacerte con este libro de Nathalia Brodskaya.

Caillebotte

Man muss auch in dickleibigen oder vielbändigen Lexika lange nach Informationen über Gustave Caillebotte (1848-1894) suchen, bevor man meistens recht dürftige Auskünfte erhält. Am ehesten findet man sie in den zeitgenössischen Exemplaren der Zeitschrift Le Yacht, die über den begeisterten Segler und erfahrenen Bootsbauer, der auf die über zwanzig von ihm entworfenen und gebauten Yachten zu Recht stolz war, berichten. Anfangs segelte er auf der Seine, später aber von seinem normannischen Domizil aus sowie von Le Havre oder Trouville, dem Nachbarort des damals recht mondänen Badeortes Deauville, als erfolgreicher Regattateilnehmer vor der Küste der Normandie.

Sein Selbstporträt (etwa 1892; Musée d’Orsay, Paris) zeigt einen selbstbewussten, wettergewohnten Mittvierziger, weist aber nicht darauf hin, dass er ursprünglich – so wie manch anderer Maler auch – Jura studiert und dieses Studium auch erfolgreich abgeschlossen hat. Neben der Schule, dem späteren Studium und der anschließenden Teilnahme am Preußisch-Französischen Krieg von 1870/1871 hatte sich Caillebotte schon recht frühzeitig dem Zeichnen zugewandt und begann auch bald, seine künstlerischen Ideen auf Ölgemälde zu übertragen. Eines seiner frühesten bekannten Bilder, in dem das zeichnerische Element noch recht deutlich hervortritt, stammt von seiner Italienreise und zeigt eine Pferdekutsche auf sandiger Landstraße mit dem Vesuv im Hintergrund (Straße bei Neapel; um 1872; Privatsammlung).

Mit seiner sportlichen Leidenschaft war das Sammeln von Kunstwerken sehr eng verbunden, und durch diese Begeisterung war der gutsituierte Caillebotte mit den seinerzeit heftig umstrittenen, von ihm stark geförderten Impressionisten in Berührung gekommen und zu ihrem Mäzen und Organisator ihrer Ausstellungen geworden. Er schloss nicht nur lebenslange Freundschaften mit Claude Monet (1840-1926), Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) und Camille Pissarro (1830-1903), sondern näherte sich im Lauf der Zeit auch deren Malweise an. So weisen seine Werke einen realistisch-impressionistischen, gelegentlich nahezu fotografischen Stil auf. In seinen Themen findet sich neben Porträts, Genre-und Landschaftsbildern häufig und wie selbstverständlich das ihm vertraute Element Wasser – Flüsse, Seen, das Meer. So etwa in Segelboote bei Argenteuil (um 1888, Paris, Musée du Louvre) oder in seinem farbenprächtigen Ruderer auf der Yerres (1877; Privatbesitz).

Seine Leidenschaft für die Malerei spiegelt sein Werk. Es umfasst trotz seines kurzen Lebens etwa 500 Arbeiten, die er eigentlich alle dem Staat hinterlassen wollte, der aber einen Großteil davon ablehnte und nur einige wenige übernahm, deren Großteil sich mittlerweile und üblicherweise im Musée d’Orsay befindet. Ab dem 18. Oktober 2012 unter dem Titel Gustave Caillebotte. Ein Impressionist und die Fotografie sind seine Werke aber in der SCHIRN Kunsthalle in Frankfurt am Main zu sehen.

Sollten Sie keine Gelegenheit zum Besuch dieser Ausstellung haben, können Sie alternativ Caillebottes künstlerischen Werdegang auch von zu Hause aus nachverfolgen. Grundlage dafür kann etwa der vom Verlag Parkstone-International aufgelegte Titel Caillebotte mit seinen vielen Detailansichten im handlichen Druckformat sein.

Ecce Homo

Lorsque je lis ce titre, la première chose qui me vient à l’esprit est d’imaginer cet homme.

"Voici l’Homme" signifie pour moi la venue, la présentation d’une personne monumentale, forte, venant s’imposer en conquérant devant une foule de fanatiques qui l’ovationnerait, l’idolâtrerait, tel un Mick Jagger ou un Iggy Pop pendant un concert.

En histoire de l’art, cette expression, aussi connue sous le terme "Ecce homo", est bien différente de ce que nous pouvons nous imaginer.

Cet Ecce Homo, est en réalité le Christ, flagellé, couronné d’épines et présenté à la foule par Ponce Pilate avant sa crucifixion. Très loin de l’assurance dont je parlais au début de cet écrit, le Christ de Heemskerck est représenté comme abattu, soumis, découragé et acceptant sa sentence.

Heemskerck s’inscrit dans la tendance de l’époque innovant toutefois par son style bien personnel, s’inspirant de l’art italien et de Michel-Ange par l’utilisation d’une couleur brillante et de l’art flamand par l’expressivité des personnages. Une autre particularité des œuvres de Heemskerck résulte dans l’importance des détails, notamment au niveau des drapés des personnages, ainsi que la musculature du Christ qui, accentuée par les jeux de lumière m’a interpellée dès le premier coup d’œil. Se pourrait-il donc au final que je retrouve une esquisse de la personne que je m’étais imaginée ? Peut-être.

Comme l’écrit, Ernest Renan dans Le Christ dans l’art: "les représentations nombreuses du Christ illustrent la fascination que ce dernier exerce sur les artistes". Bien qu’il soit représenté parfois sous des aspects différents,  il est vrai que nous retrouvons généralement toujours les mêmes scènes de la vie du Christ ; la crucifixion, la flagellation, la résurrection. Quelques questions me viennent alors en tête : ces trois épisodes résument-ils toute sa vie ? Au final, que connaît-on du Christ ? Pourquoi suscite-t-il tant de débats et pourquoi se pose-t-on autant de questions sur sa vie et sur une éventuelle relation avec Marie-Madeleine ?

Probablement, comme le dit Ernest Renan, parce que le Christ fascine.

 


Maerten van Heemskerck, Ecce Homo, 1544,
Huile sur toile, 74 1/4 x 102 3/8 x 5 3/16 cm.
Muzeum Narodowe w Warszawie

 

Ce retable de Heemskerck est exposé pour la première fois en dehors de l'Europe au Getty Museum de Los Angeles du 5 juin 2012 au 13 janvier 2013 grâce au prêt du Musée National de Varsovie et s’inscrit dans le cadre des recherches sur les techniques de peinture de la Renaissance.

 

http://www.amazon.fr/Le-Christ-dans-lart-ebook/dp/B0084FADJ6

Let's Be Alone Together

You know what one of my favourite movies of all time is? Closer. It’s dark, it’s dirty, it’s intimate, it’s lonely, it’s sad, it’s beautiful, it’s true. “Anna’s” photography exhibit is one I would have visited again and again – you know, if it had been real – especially the image of “Alice”. What other artist makes me feel all of the same emotions? The Impressionist/Realist, Gustave Caillebotte.

Caillebotte’s On the Pont de l’Europe (below), to me anyway, represents a man that has lost something near to him, whether he threw it away or it crumbled into a pile of rubble, the point is that he stands alone on this bridge viewing the Saint-Lazare train station in the cold while others pass him by. When else does one notice the rivets and girders of a bridge than when they’ve got nothing left to see but the smallest things in front of them? I guess that’s what “missing the forest for the trees” hints towards, but sometimes you need to start with the smallest details and work your way out – out of your head, out of the forest, just out.

 


Gustave Caillebotte, On the Pont de l’Europe, 1876–1877.
Oil on canvas, 105.7 x 130.8 cm.
Kimbell Art Museum, Fort Worth.

 

And this woman? She’s had a long day at a dead-end job she despises; she comes home and just wants to enjoy being nude in her own space, all the while wondering if her partner is having an affair with their secretary.

 


Gustave caillebotte, Nude on a Couch, c. 1880.
Oil on canvas, 129.54 x 195.58 cm.
The Minneapolis Institute of Arts, Minneapolis.

 

Haven’t we all been here? Maybe not staring at the Saint-Lazare or wondering about our significant others having affairs, but alone in the sense of lonely not just by one’s self. Haven’t we all watched raindrops trickle down a window sill or stared idly at a wall or telephone waiting for one of them to do something? Perhaps we’ve channelled Bridget Jones, drank a half a bottle of wine, and sang loudly to ourselves? I’m not saying I’ve done one or all of these things, but you can’t deny you’ve been there.

Visit the Schirn Kunsthalle Frankfurt to see Caillebotte’s realistic, beautiful, and sometimes sad images from 18 October through 20 January 2013 and realise everyone has days like these. If you’d rather focus on the happier and brighter side of life though, check out this airy and colourful ebook on Impressionism.

 

-Le Lorrain Andrews

 

Rubens también se habría dejado seducir por el Photoshop

Aquí y ahora, me propongo romper una lanza a favor de la belleza alterada, esa que busca la perfección que resulta agradable a la vista. ¿Y a qué se debe mi repentino interés por esta falsedad y por qué la reivindico? En primer lugar, se me ha dado la oportunidad de hablar de Pedro Pablo Rubens, archiconocido por sus representaciones de mujeres rotundas y lozanas. En segundo lugar, porque a diario la prensa internacional recoge notas polémicas relacionadas con el Photoshop, esa herramienta que convierte a los diseñadores gráficos en dioses modeladores de la imagen.

Veamos algunas de las más recientes. En respuesta a la petición impulsada por una joven de Maine que obtuvo más de 84.000 firmas, la editora de la revista para adolescentes estadounidenses Seventeen se comprometió a no retocar las fotografías que publique, así como a mostrar a modelos reales y saludables. Por lo general, estos programas de edición de imágenes se utilizan profusamente para alterar el color y el tono de piel, borrar arrugas y adelgazar las formas. No obstante, esta semana la aplicación también ha salido a la palestra por «engordar» a la que muchos consideran la heredera de Elle McPherson, la modelo Karlie Kloss. Tras la controversia que se generó en torno a esta joven y delgadísima modelo en diciembre del año pasado, cuando Vogue Italia se vio obligada a retirar una de sus fotografías que estaba siendo utilizada por numerosos sitios pro anorexia, la edición japonesa de la revista Numéro optó por disimular las marcadas costillas de la supermodelo. Pues bien, aunque pueda parecer contradictorio, este nuevo uso del software tampoco se ha librado de las críticas (y no sólo por parte del indignado fotógrafo responsable, Greg Kadel).

Y es que estamos ya tan acostumbrados a los retoques en la industria de la moda y las revistas (también en otros medios con objetivos distintos, pero eso es harina de otro costal), que hemos dejado de esperar que las fotos sean un fiel reflejo de la realidad. Muchos lectores asumimos que la mayoría de las imágenes se manipula de alguna forma, y no sólo en lo que respecta a las imperfecciones humanas, sino que los cielos se hacen más brillantes, se eliminan los objetos que resultan inadecuados para la composición y se realzan los colores para que parezcan más «auténticos». En el fondo, lo que se intenta es adaptar el mundo a esos ideales que no existen sino en nuestros pensamientos y que dependen de épocas y subjetividades.

 


Pedro Pablo Rubens, Júpiter y Calisto, 1613.
Óleo sobre tabla, 126,5 x 187 cm.
Gemäldegalerie Alte Meister, Kassel.

 

No voy a decir que estoy de acuerdo con la exaltación de las costillas salientes, los vientres y las mejillas hundidos y los glúteos inexistentes, porque evidentemente no es así. Sin embargo, quien afirme que la belleza se debe representar exacta y crudamente como es en realidad y tome a grandes maestros como Rubens como ejemplo, evidentemente no se ha detenido a mirar lo artificialmente perlada que es la piel de sus figuras ni cómo estas se recortan sobre fondos oscuros y reciben calculados haces de luz que las hacen resplandecer.

Si he conseguido sacudir tu interés por las graciosas mujeres de Rubens, tienes aún unos días para planear tu visita a la exposición que acogerá el Von Der Heydt-Museum de Wuppertal desde el 16 de octubre hasta el 28 de febrero del próximo año. Y si no puedes esperar tanto y quieres empezar a debatir sobre si el flamenco pintaba a las mujeres de su entorno tal como eran o según le resultaban más complacientes, llévate a casa este ebook de Victoria Charles.

 

Photoshopping and Photobombing...Peter Paul Rubens-Style!

When I open any magazine these days, I look at the photos of waif-like women with perfect skin, hair and teeth, without a jot of cellulite to be seen, and it’s what I expect to see.  I admit it!  The world of mass media has done its work very well indeed.  There is perhaps a handful of women who may be naturally blessed with the genetic make-up to look as flawless as those pictured on billboards without the help of Photoshop.   And that’s just it; technology such as Photoshop gives me expectations.  If I were to see an ad with the models remaining unaltered, I would be surprised.  It’s human nature.  To want to look better than we actually do, to make something or someone seem perfect and – with the right product or right clothing – to attract others to the same level of perfection.   And then it struck me, this is not a new concept.  When I look back at artists from the Renaissance and Baroque period, they do exactly the same thing.  (With paintbrush and easel instead of computer and mouse.)


Peter Paul Rubens, Portrait of Susanna Lunden (?) (‘Le Chapeau de Paille’), probably 1622-1625. Oil on wood, 79 x 54.6 cm. The National Gallery, London.

Take a look at some of Peter Paul Rubens’ work.  Although the curvier female form was highly admired and painted as it was – childbearing hips and all – Rubens still goes on to use the power invested in him as an artist to present the world with an interpretation of the model and the setting, rather than the real thing (or so I presume, having not been present at the actual time of painting.)  In the painting of Susanna Lunden, thought to be a marriage portrait, Rubens’ use of clear and stormy skies to create light and shadow is a way to illuminate the face and much of the upper torso.  In other words, she is glowing!  Now, if that isn’t a tactic to make someone look more presentable, I don’t know what is!


Perseus and Andromeda. Early 1620s, oil on canvas, 99.5 x 139 cm, The Hermitage, St. Petersburg.

During this thought process, my brain suddenly went into overdrive, and I began seeing links with modern culture everywhere in Rubens’ paintings.  One notable comparison that my oh-so-logical self came up with is the popular past-time of photobombing.  You know, you take a picture and when you look back at it, you notice that there’s an unusual face or activity happening in the background?  Well, I don’t know about you, but I see a big photobomb in Rubens’ Perseus and Andromeda.  My suspicions that Rubens had a sense of humour in his painting were confirmed by this painting.  At first glance it looks like a romantic, serious painting.  Okay, now look at the shield Perseus is carrying.  Look at the expression on Medusa’s face!  You heard it here first, Rubens was a photobomb master!  (Or should that be paintingbomb?)

If you happen to be in Germany before the end of February and would like to check out more of Rubens’ works, or simply make up your own mind whether he was a paintingbomb genius, head over to the Von der Heydt-Museum Wuppertal.  The Rubens exhibition will be held between the 16^th October 2012 and the 28^th February2013.  Alternatively, if going to Germany just isn’t possible right now, check out our book on Rubens written by Victoria Charles.

-Fiona Torsch

Attr. Rubensfrau, 42/160/90, NR, O.f.I. sucht jung gebliebenen Endvierziger 24/7, ... AG, BmB.

So oder so ähnlich lesen sich zahlreiche Kontaktanzeigen in der lokalen Presse oder dem Internet. Und auf der Suche nach einem zeitweiligen Partner oder gar einem fürs Leben sind wir erst einmal herausgefordert, die zahlreichen Informationen zu dechiffrieren, die uns dieser Einzeiler gegeben hat.

Neben all diesen Abkürzungen, Zahlenkombinationen und der Frage „Was zum Kuckuck ist ein jung gebliebener Endvierziger?“ findet sich auch eine recht poetische Selbstbeschreibung – Rubensfrau. Die „Rubensfrau“ als Synonym für eine gut gebaute, füllige Frau mit deutlichen weiblichen Rundungen und einem üppigen Hinterteil – eine Frau halt, die „etwas zum Anfassen“ hat, würde vielleicht der ein oder andere männliche Zeitgenosse sagen.

Dieser Peter Paul Rubens (1577-1640) war übrigens ein flämischer Maler des Barock, in dessen Werken dieses Frauenbild zum Schönheitsideal avancierte. (Halb-)nackte Frauen finden sich in mythologischen oder historischen Szenerien in Frontal- oder Rückenansicht recht häufig und sind dabei immer ein wenig fülliger. Damals ein Schönheitsideal, weicht das Bild der Frau in den heutigen Medien stark davon ab – schlank ist schön – heißt es da. Dennoch finden wir in den Kleinanzeigen unserer medialen Welt immer wieder Frauen, die auf poetische Art und Weise vermitteln, dass sie zwar nicht dem „Ideal“ entsprechen, aber dennoch schön sind. Und da Schönheit irgendwie immer im Auge des Betrachters liegt ...

 


Peter Paul Rubens, Venus vor dem Spiegel, um 1614.
Öl auf Holz, 124 x 98 cm.
Sammlungen des Fürsten von und zu Liechtenstein, Vaduz – Wien.

 

Wenn Sie nun die originalen „Rubensfrauen“ in ihren besten Jahren blank und bloß und sich lasziv auf der Leinwand rekeln sehen wollen und auch gespannt darauf sind, wie sich diese in einen politisch diplomatischen Kontext einfügen, dann bietet Ihnen das renommierte Von der Heydt-Museum in Wuppertal zwischen dem 16. Oktober 2012 und dem 28. Februar 2013 mit der Ausstellung Peter Paul Rubens die Gelegenheit dazu.

Begleitend oder alternativ können Sie Ihre Vorstellungen über die „Rubensfrauen“ Bmb (Bitte mit Bild) im handlichen Format mit dem hervorragend bebilderten Titel Rubens von Maria Varshavskaya und Xenia Egorova von Parkstone-International erweitern.

 

East Meets West

The Musée du Louvre has been in the process of refurbishing their Department of Islamic Art for nearly four years now – expanding to give works of art ranging from India to Spain more, and deserved, space. Reopening the department this month, pieces spanning from the 8^th through 19^th centuries will be back on display for the masses – it’s about time, guys!

Islamic, Central Asian, and Indian Art are all hugely underrepresented in western cultures. Many museums have one room with a few fantastic pieces devoted to entire eras of the eastern cultures. Which begs the question, should these pieces have even travelled outside of their home counties to places like Paris and New York in the first place? Do these pieces, in fact, belong “at home” where they can truly be appreciated by posterity?


Bowl and cover, c. 1220-1230 or late 13th-early 14th century, Khorasan, Iran.
Hammered copper alloy, engraved and dulled decoration, silver and red copper inlays.
Musée du Louvre, Paris.


Mudéjar-style plate, 1450, Valencia.
Ceramic.
Musée du Louvre, Paris.

From another point of view, it’s good these pieces have made their way to the west – people that have learned little about Eastern cultures are able to have their interests peaked; and vice versa, Western pieces should make their way into Eastern museums. However, to support my other argument, isn’t the west already, essentially, everywhere in the east? Aren’t young adults choosing different routes than those their parents would want for them based on what they’re seeing on television and in films?

I’ve argued myself in circles and I don’t know what’s right anymore. But until we sort it out, the Louvre has re-opened the doors to their Islamic Art Department and we should all make time to see it. Until my plane ticket arrives in the mail, I’m going to have a closer look at these colourfully illustrated ebooks Art of Islam and Art of India, as well as this Central Asian Art print.

 

-Le Lorrain Andrews

La verdadera inocencia de los musulmanes

El undécimo aniversario de los ataques del 11 de septiembre ha estado trágicamente marcado por el asesinato del embajador de Estados Unidos en Bengasi, Libia. Este atentado se confundió entre una serie de protestas, violentas y no violentas, suscitadas por el insultante y mediocre largometraje estadounidense Innocence of Muslims (La inocencia de los musulmanes). Aún no se ha confirmado el nombre del responsable de esta película que ridiculiza a Mahoma (o Muhámmad, según se prefiera) y que, supuestamente, trata de demostrar que «el islam es un cáncer», pero las secuencias publicadas por ese desconocido en YouTube han desatado una violencia difícilmente contenible.

Realmente es una desgracia que sucesos como estos empañen la riqueza y la diversidad de la civilización islámica. Este undécimo aniversario también coincide con la apertura del octavo departamento del Louvre dedicado enteramente al legado artístico del islam. En el discurso pronunciado durante la inauguración, el presidente de Francia, François Hollande, no sólo alabó el universo islámico formado por mil y un mundos, épocas, lugares e inspiraciones, sino que declaró abierta la batalla contra la intolerancia y calificó de injusta la atribución de los fundamentalistas islámicos, que se declaran representantes de todo el islam y tiñen de sangre todas sus culturas.

Sí, culturas en plural, porque el islam se extendió por un vastísimo territorio, desde la India hasta España, que abarcaba gentes y culturas muy distintas, no sólo árabes. En definitiva, las creaciones artísticas islámicas fueron fruto de intercambios constantes, intercambios que inevitablemente han conformado eso que llamamos cultura occidental. Y a veces de forma sorprendente. Veamos, por ejemplo, esta obra maestra del arte metalúrgico, una de las joyas del gran museo de Francia, que se conoce como El baptisterio de san Luis.


Vasija conocida como El baptisterio de san Luis, c. 1320-1340.
Latón con incrustaciones de plata y oro, altura: 22cm y diámetro de apertura: 50,2 cm.
Musée du Louvre, París.

Durante siglos, esta pieza de metal sirvió para bautizar a los niños reales de Francia, desde Luis XIII, en 1601, hasta el príncipe imperial, Napoleón Eugenio, hijo de Napoleón III, en 1856. No obstante, su origen se encuentra en Siria o Egipto, en la época del sultanato de los mamelucos, la dinastía de antiguos esclavos que gobernó el mundo árabe desde 1250 hasta 1517, cuando fueron conquistados por los otomanos. Se atribuye a Muhámmad ibn az-Zayn, pero se desconoce quién era su destinatario. Tampoco se sabe cómo llegó a manos reales ni por qué flores de lis decoran su exterior. Lo que sí parece cierto es que la vasija aún no existía en 1270, cuando falleció Luis IX, por lo que el nombre por el que se la conoce tradicionalmente sería incorrecto. Pero... ¡qué gran ejemplo de la inevitable interferencia entre los pueblos! Los monarcas por derecho divino se cristianaban en una obra de origen islámico...

Con respecto a las últimas erupciones de violencia, la cabeza visible de la Iglesia católica, el papa Benedicto XVI, ha implorado durante su visita a Beirut por que, lejos de separarnos, las diferencias culturales, sociales y religiosas nos lleven a establecer «un nuevo tipo de fraternidad». Para empezar, no dejes de visitar el nuevo espacio diseñado por los arquitectos Mario Bellini y Rudy Ricciotti en el país de la «Liberté, égalité, fraternité» ni de embeberte de grandeza oriental con las coloridas ilustraciones de los ebooks Art of Islam y Art of India y del libro Central Asia Art.