Parkstone International presenta sus libros en formato ePub

Nos complace enormemente anunciar que hemos iniciado el proceso de conversión de nuestros ebooks en PDF al formato ePub.

Pronto será posible comprar nuestros ebooks en el formato deseado, ya sea PDF o ePub. Entre sus muchas ventajas, los archivos en formato ePub ocupan mucho menos espacio que los PDF, sin que esto suponga una merma en el número ni en la excelencia de las imágenes. Ahora podrás ahorrar espacio en tu lector de libros electrónicos sin sacrificar ni un ápice de calidad. ¡Una apuesta segura!

A diferencia del formato anquilosado de los PDF, los ePub se pueden visualizar con distintos tamaños de fuente, independientemente de las dimensiones de la pantalla. En otras palabras, resulta mucho más sencillo leer un ePub en una pantalla pequeña, ya que se puede incrementar la fuente y el diseño. Contrariamente a lo que sucede con los PDF, que se pueden leer tanto en lectores de libros electrónicos como en el ordenador, los ePub sólo son compatibles con lectores, tabletas y dispositivos móviles. El formato ePub va camino de convertirse en el nuevo estándar de la industria y Parkstone International no podía quedarse a la cola en la era tecnológica. ¡Sabemos que tú tampoco podrías!

El doloroso arte del retrato

Escoge una postura. Practícala hasta que te salga natural. Ahora quédate así durante horas. Este era el proceso del retrato hasta que se inventó la fotografía (gracias, Niépce y Daguerre) y, sinceramente, no sé cómo la gente se prestaba a ello. Más sorprendente aún, ¡repetían! Cierto es que solían ser personajes «importantes» henchidos de ego que pensaban que la humanidad entera quedaría agradecida por tener su retrato (en fin) o bien familiares y amigos del artista (muy buenos amigos, supongo). Espero que al terminar el artista les invitara a un masaje (pasa unas horas como la pintura de abajo y tienes sesión de fisio asegurada).


Pompas de jabón, 1867.
Óleo sobre lienzo, 100,5 x 81,4.
Fundación Calouste Gulbekian, Lisboa.

Si bien es cierto que todo retrato es testimonio de una época (dime cómo te pintaron y te diré cuándo viviste), es especialmente a partir del siglo XIX cuando se combinan el retrato personal con el de sociedad. Y el precursor, Édouard Manet, hizo un buen trabajo. Gracias a él y a sus amigos impresionistas, empeñados en retratar la vida urbana moderna, podemos hacernos una idea bastante exacta y conocer a los personajes «in» del París del Moulin Rouge. A esto por supuesto ayudó el hecho de que la mayoría de ese grupo procediera de familias acomodadas y no tuvieran demasiados problemas para dedicarse a una actividad no precisamente lucrativa (hasta que la familia les retiraba el apoyo económico, claro).


Música en las Tullerías, 1862.
Óleo sobre lienzo, 76,2 x 118,1 cm.
The National Gallery, Londres.

Si te interesa conocer la moda y la sociedad del siglo XIX, el origen de la pintura moderna, o simplemente eres un enamorado de los retratos, pásate por «Manet: Portraying life» en la Royal Academy of Arts, en Londres (26 de enero - 14 de abril). Si quieres estudiar las posturas con más detenimiento, mejor hazte con este libro de Nathalia Brodskaya, ¡quizá saques algunas ideas para tu próximo retrato!

Parkstone International announces books in ePub format

We are excited to announce that we are in the process of converting our PDF ebooks to ePub format!

You will soon have the option to buy our ebooks either as PDFs or ePubs. One of the many advantages of ePubs is that they take up very little space when compared to PDFs while still containing just as many high quality images. Now you will be able to use less space on your ebook reader device without missing out on quality! A win-win, indeed.

Differing from the fixed layout format of PDFs, ePubs can be displayed in varying font sizes regardless of screen size. In other words, it’s much easier to read an ePub on a small screen because you can increase the font size and layout! Unlike PDFs, which can be viewed on e-readers or on your computer, ePubs can only be viewed on e-readers, tablets, and mobile devices. The ePub format is becoming the new industry standard and Parkstone International won’t fall behind in the technological times; you shouldn’t either!

Les Livres sous format ePub arrivent chez Parkstone International

Nous sommes heureux de vous annoncer que nous convertissons maintenant nos ebooks sous format PDF en format ePub !

Vous aurez donc bientôt la possibilité d’acheter des ebooks en PDF ou en ePub. L’avantage principal des ePubs est qu’ils sont moins lourds sur petit écran que les fichiers PDF, tout en gardant le même nombre d’images de haute-qualité. Vous aurez ainsi plus d’espace sur la mémoire de votre liseuse électronique, sans pour autant faire de concessions quant à la qualité du fichier ! Le client ressort gagnant avec les ePubs.

Contrairement au format figé du PDF, il est possible de jouer sur la taille de la police avec un fichier ePub. Lire sur l’écran devient donc beaucoup plus simple puisque que vous avez la possibilité d’augmenter la police et les images ! D’autre part, les PDF ne peuvent être lus que sur une liseuse électronique ou un ordinateur, tandis que les ePubs peuvent être utilisés sur des liseuses, des tablettes électroniques, mais aussi sur des téléphones portables. Le format ePub est en train de devenir le nouveau standard de lecture électronique. Parkstone International se positionne à la pointe de la technologie,  nous vous invitons à le faire avec nous !

Parkstone International: Bücher bald auch im ePub-Format

Wir stellen um! Mit Freude teilen wir Ihnen mit, dass wir uns zurzeit mit der Umwandlung unserer E-Books vom PDF-Format ins ePub-Format beschäftigen!

Bald haben Sie die Möglichkeit, unsere E-Books nicht nur im PDF-, sondern auch im ePub-Format zu lesen. Einer der vielen Vorteile der ePub-Dateien ist, dass sie im Vergleich zu PDF-Dateien mit ebenso vielen Bildern und Grafiken in hoher Qualität sehr viel weniger Speicherplatz benötigen. Mit ePub sind Sie daher in der Lage, Platz auf Ihrem E-Book Reader zu sparen, ohne dabei auf Qualität verzichten zu müssen – eine wahre Win-win-Situation!

Im Gegensatz zu PDFs, bei welchen der Text wie im gedruckten Buch angezeigt wird, können Sie sich ePubs in unterschiedlichen Schriftgrößen anzeigen lassen. Die dynamische Anpassung des Textes unabhängig von der jeweiligen Bildschirmgröße macht es viel einfacher, ein E-Book auf einem kleineren portablen Gerät zu lesen. Anders als PDFs, die Sie auf E-Book-Readern und auf Ihrem Computer ansehen können, sind ePubs speziell für E-Book-Reader, Tablets und mobile Geräte konzipiert.

Das ePub-Format wird zum neuen Industriestandard und Parkstone International wird es sich nicht nehmen lassen, weiterhin mit dem technologischen Fortschritt zu gehen; verpassen Sie nicht den Anschluss!

 

Die jungen „Wilden“ erobern das Stillleben

Bei dem Gedanken an die Gattung „Stillleben“ kommen mir Früchte, totes Wildbret auf einem Silbertablett, verstaubte alten Vasen auf dem Dachboden oder farblich in Altrosé getauchte Blumensträuße in den Sinn. Alles künstlerisch wertvoll auf einem Tisch angeordnet und vom Künstler in einer technischen Meisterleistung klassisch und der Natur getreu auf die Leinwand gebracht. Hier und da gibt es interessante Details zu entdecken, und über die Symbolischen Bedeutung wird es sogar spannend. Doch die inhaltliche Wiederholung der abgebildeten Objekte wirkt mitunter emüdent auf den Betrachter und irgendwann ist das nächste Stillleben „nur“ noch schön anzuschauen.

 

Jan Davidz de Heem, Stillleben mit Dessert, 1604.
Öl auf Leinwand, 149 x 203 cm.
Musée du Louvre, Paris.

 

Als Ausgangspunkt jeder akademisch-künstlerischen Ausbildung zur Erlangung technischer Perfektion steht das Stillleben – es werden Proportionen, Perspektiven, Lichtverhältnisse und Oberflächenstrukturen studiert und auf der Leinwand wiedergegeben. Für gewöhnlich erlaubt gerade das so klassische Stillleben keinen Raum für „Kreativität“, und dennoch erfuhr diese Gattung spätestens seit Paul Cézanne (1839-1906) ihre Emanzipation und wird zur Quelle der Inspiration und Variation. Dem Künstler gelang es, in der freien Konzeption des Stilllebens die eigene künstlerische Wahrheit zu finden. In der bewussten Vernachlässigung von Perspektive, Proportion und Oberflächenstruktur zeigt sich nicht nur eine Umformulierung der Ausdrucksformen, es gelang den jungen „Wilden“, allen voran Matisse, auch, einen Skandal in der Kunstgeschichte auszulösen. Die Auflösung der Objekte in Flächen und die autonome Verwendung der Farbe stellte ihre Neuinterpretation der klassischen Gattungen dar. Die Künstler um die vorige Jahrhundertwende waren auf der Suche nach einer ihnen eigenen Wahrheit der Malerei, die sie mitunter auch in der Darstellung einer Obstschale auf dem Tisch fanden.

 

Henri Matisse, Früchte und Bronze, 1910.
Öl auf Leinwand, 91 x 118,3 cm.
Staatliches Museum für Bildende Künst A. S. Puschkin, Moskau.

 

Finden Sie die Werke des jungen, „wilden“ Matisse noch bis zum 17. März 2013 im Metropolitan Museum of Art in New York in der Ausstellung Matisse – In Search of True Painting und begleiten Sie ihn auf der Suche nach der wahren Malerei. Alternativ und zum Nachschlagen bietet der Verlag Parkstone International mit dem Titel Stillleben oder Meisterwerke der Blumenmalerei, beide von Victoria Charles, einen Überblick über die Geschichte des Stilllebens.

Hitting the Big Four-Zero

For those of you out there currently under the age of 40 – what do you imagine your life to look like upon hitting the big 4-0? For those of you who have so far passed that age (congratulations!), are you where you expected to be at?

If someone were to ask me what my expectations or desires were about how my life would look at forty, I think I can honestly say that I have absolutely no idea. I’m not trying to use an easy cop-out, but I simply know that life has many surprises up its sleeve! For instance, my dreams of marrying Viggo Mortensen have not yet come into reality (hey – have you SEEN Lord of the Rings?! No judging!). However, I have been fortunate enough to travel extensively, and even live and work in a fair few different countries – which is definitely not what my eleven-year-old self would have envisioned for my  twenty-something self.

So, life is unpredictable. It is often strange. It is frequently absurd. It is equally delightful and sorrowful. But I like it. The mystery of what tomorrow will bring, or even what the next twenty years will bring, is something that I am looking forward to discovering. Hey, if life went exactly as planned, that wouldn’t be any fun, right?


Four Seasons

For the forty under-forties artists whose works are currently being displayed at the Smithsonian American Art Museum, I would bet that the majority could not foresee that they would one day have such a prestigious exhibit in their honour. The inspirational, impressive, and innovative work which is being displayed has been created since September 11^th, 2001, showing how both the artists and the world around them have evolved since that infamous day.

This made me ponder what my life will be like at 40. My challenge to you: Do something inspirational. Become the next artist under forty to be celebrated at a national gallery. Write the next big hit. Invent the next big invention. Train for the next Olympic Games. Win the next Olympic Games. Or, simply, make somebody smile. Help an old lady cross the road. Teach a child how to ride a bicycle. Big or small, do something that you can look back on when you are forty (or the next big -0 birthday) and be amazed. Go on, I dare you.

 


Classically simple, beautifully elegant

To celebrate the 40^th anniversary of the Renwick art gallery, these forty artists are being highlighted – with their works focusing on the theme of modern innovation, why not join in the celebration? You’ll need to hurry to catch the finale, as the exhibition “40 under 40” is being held at the Renwick Gallery  only until the 3^rd of February (2013). Textiles, fashion, industrial design, futuristic jewellery, and interactive displays await you! If, however, you don’t have quite enough time, why not check out Oscar Lovell Triggs’ work on The Arts and Crafts Movement?

Van Gogh - délit de copie japonaise

Non Van Gogh n’est jamais allée au Japon, même si les plaisirs asiatiques (opium et autres geishas), auraient certainement convenu à sa nature artistique. On connaît bien sûr les épisodes scandaleux de sa vie : sa mélancolie/folie, son oreille coupée, son alcoolisme, son errance à la recherche d’un havre de paix. On sait moins spontanément qu’il a trouvé une source d’inspiration formidable dans les estampes japonaises qui arrivent en Europe avec les expositions internationales. Après les impressionnistes, le japonisme a engendré une seconde mini-révolution artistique en France.

Quelle ironie : l’Asie est aujourd’hui accusée de plagiats, de copies et de produire de nombreux faux. À l’époque au contraire ce sont les Européens qui s’inspirèrent un peu trop librement de l’art japonais, n’hésitant pas parfois à recopier sans vergogne des tableaux entiers. Van Gogh ne s’en est pas privé, comme le prouve l’exemple ci-dessous. Simplicité et pureté asiatique face à la complexité et au bouillonement de Van Gogh.


Hiroshige, Le Jardin de pruniers à Kameido, extrait de Cent-une vues célèbres d‘Edo, 1857.
33,7 x 21,9 cm.
The Brooklyn Museum, Brooklyn.

Vincent van Gogh, Japonaiserie : pruniers en fleurs (d’après Hiroshige), 1887.
Huile sur toile, 55 x 46 cm.
Musée Van Gogh, Amsterdam.

Le côté asymétrique, la couleur en aplats, les vues construites selon des angles complètement tordus, cela ne pouvait que plaire à l’artiste torturé et en quête de renouveau. Cependant il faut admettre que les copies européennes comportaient un petit plus : de la vigueur, de la chaleur, des paysages qui paraissent en feu, beaucoup plus mouvant. Quelque chose de moins figé et de plus torturé, allant au-delà des conventions japonaises et de leurs douces couleurs pastels.


Vincent van Gogh, Vignes rouges en Arles, 1888.
Huile sur toile, 75 x 93 cm.
Musée Pouchkine, Moscou.

Pour choisir et décider vers qui se porte votre préférence entre le champion japonais et le maître impressionniste, vous pouvez vous déplacer à l’exposition de la Pinacothèque de Paris, ou simplement consulter ces livres sur Hiroshige et Van Gogh.

Kunst ist relativ

Kunst zu definieren, ist seit dem beginnenden 20. Jahrhundert schwierig und wird vor allem in der zeitgenössischen Kunst, bei der es nicht nur um verschiedene Ausdrucksformen, sondern vielmehr um Gratwanderungen geht, nahezu unmöglich. Die Frage nach Kunst oder Abfall führte schon das eine oder andere Mal dazu, dass eine übereifrige Putzfrau ein Kunstwerk beseitigte. Die Frage nach Kunst oder Selbstverstümmelung in der Performance löst immer wieder nicht ganz unverständliche Schockierung im Publikum aus, die Frage nach Kunst oder Pornografie erhitzt die Gemüter – erfreut und entsetzt.

Wenn erotische Novellen wie Fanny Hill oder Thérèse Philosophe nicht zensiert und ihre Illustrationen nicht verboten wurden, betrachtete man sie doch immer mit Argwohn – auch, wenn sie den künstlerischen Anspruch erfüllen. Doch wo hört Kunst auf und fängt Pornografie an? Der nackte Körper und die sexuelle Interaktion sind seit dem Mittelalter fester Bestandteil des thematischen Repertoires vieler Künstler. Dennoch werden viele von ihnen, darunter auch Paul Avril, Jeff Koons oder Egon Schiele, immer wieder als Pornografen (zu beachten ist die allgemein anerkannte negative Konnotation dieses Wortes) und nicht als Künstler bezeichnet.


Egon Schiele, Sitzende Frau mit hochgezogenem Knie, 1917.
Kohle, Aquarell, Gouache, 46 x 30,5 cm.
Národní galerie, Prag.

Doch worin besteht eigentlich der Unterschied zwischen künstlerisch wertvollen erotischen Werken und der Pornografie? Ist es die Linienführung, die romantische Utopie oder groteske Verzerrung erzeugt und damit dem Bild einen „Interpretationsansatz“ liefert? Ist es der Name des Malers, der sich schon als Künstler profiliert hat und ist deshalb alles, was unter seiner Hand entsteht, Kunst? Kunst ist relativ! Die schmalen Gratwanderungen zwischen Kunst und Abfall, Selbstzerstörung oder Pornografie sind für das gemeine Publikum heute kaum noch zu unterscheiden, wenn nicht jemand das Objekt, das Werk, die Installation oder die Performance zum Kunstwerk deklariert und es somit als solches kenntlich macht.


Egon Schiele, Selbstporträt mit gestreiftem Hemd, 1910.
Bleistift, Aquarell, Gouache , 44,3 x 30,6 cm.
Leopold Museum, Wien.

Entdecken Sie im Leopoldmuseum Wien in der Ausstellung Die Metamorphosen des Egon Schiele einen Künstler, der sich als Expressionist auf verschiedene Gradwanderungen begeben hat und entscheiden Sie selbst, ob Sie Kunst oder Pornografie vor sich haben, wenn Sie die Titel zu Egon Schiele des Verlages Parkstone International durchblättern.

Don’t just do something – sit there.

In theory yoga is this beautiful, wonderful, spiritual experience that is meant to cleanse mind, body, and soul. In practice yoga causes a slew of frowned upon words to come flying out of my mouth at record speeds. It is a deep, dark torture which we, as masochists, inflict upon ourselves day after day of shaking cores, trembling arms, and ready-to-collapse legs. We stretch ourselves in ways we never thought possible, only to discover they are possible, but will we be stuck this way forever?


“Son, if you don’t finish this portrait soon…”
Édouard Manet, Mr and Mrs Auguste Manet, 1860.
Oil on canvas, 110 x 90 cm.
Musée d'Orsay, Paris.

The idea of sitting still long enough to have my portrait painted makes my muscles ache in a way that I’ve only known through Downward-Facing Dog (the most bastardly position of all yoga forms). Though I have flirted with the idea of recreating the nude sofa scene in Titanic, I’m just not sure I could take the prolonged torture of not only remaining still, but also keeping my face from contorting or appearing as bored as I imagine I would feel. (Fun fact: Leonardo DiCaprio did NOT sketch Kate Winslet; those are James Cameron’s hands!)



Édouard Manet, Street Singer, c. 1862.
Oil on canvas, 171.1 x 105.8 cm.
Museum of Fine Arts, Boston.

Without portrait painters and patient subjects, prior to the 1840s, we would have no idea what people of the past looked like. While, for some people, we are likely better being unaware of their looks (or odours) – considering the slow advancement in personal hygiene and photoshop – it would be more difficult to learn from the fashion faux pas of history.


Now, that’s a portrait I could easily pose for.
Édouard Manet, The Dead Toreador, probably 1864.
Oil on canvas, 75.9 x 153.3 cm.
Widener Collection, National Gallery of Art, Washington, D.C.

I certainly would not recommend being painted in Downward-Facing Dog; all of your blood would pool in your brain and you would assuredly die. See Manet: Portraying Life at the Royal Academy of Arts London from 26 Jan through 14 April for some postural suggestions concerning your next portrait painting. Also admire the intense richness of Édouard Manet’s many portraits in Manet by Nathalia Brodskaya.

-Le Lorrain Andrews

“Give a Girl the Right Shoes, and She Can Conquer the World.”

-          Marilyn Monroe*

Shoes! Glorious Shoes! (If I may be as bold as to twist Oliver’s words a little...) As nearly every teenage girl and woman will tell you, shoes are fantastically important. Mainly, because they’re just fantastic. But think about it, the love of a good or pretty shoe (the best combine beauty and comfort) is reflected throughout history. For the purposes of this blog, history includes fairytales...


See the joy on those women’s faces? Look guys, the man on the left: he’s happy as Larry! Maybe he is Larry...The point is, there is more joy in giving than receiving. Take note, and apply to shoe-giving.

Where would Cinderella be without her glass slipper? Where would Puss be without his boots? Hermes would have been a great deal less effective as a messenger god without his winged sandals. And the Old woman who lived in a shoe? Well, she would be out on the streets for certain!

But as well as providing fodder for fairytales and mythology, shoes also help us to track sociological changes with the help of evolving fashions through the centuries.

For example, did you know that the first recorded images of shoes are 15,000 years old? These are in the form of Spanish cave paintings, and it can easily be imagined that fashions have changed somewhat along the way. The materials from which shoes were made indicated the wealth and perhaps lifestyle of the owner; rawhide was the cheapest and most common a few thousand years ago, providing a sturdy and protective shoe. Leather was later used, creating a more malleable shoe, but one which was still plain. The use of silk for shoes indicated wealth and penchant for style – this was for shoes which were made to be admired, not practical.

Shoe styles through the centuries and millennia have changed, it is true. However, we clutch on to the past through our current shoe fashions. You must remember the Roman gladiator-sandal that was (is?) so in vogue only a couple of summers ago. Then, we revisited the love of the platform as so openly loved by ABBA in the seventies. As for the Ugg boot, who knew that Australian farmer shoes would become the big thing? But seriously, enough is enough, let’s move on please.

Italian Renaissance Chopine
Venice
16th century

But what types of shoes would we LIKE to see making a comeback? There are conflicting opinions on moonboots it is true. Personally, I am in the NO camp. Perhaps Galoshes? If Lady Gaga were to wear them, I am sure they would catch on in a heartbeat. Or, perhaps if Victoria Beckham were to design a contemporary ‘Mary Jane’? I bet that’d catch on pretty fast too. But what I’d really like to see making its way back onto the High Street are Italian Renaissance (Chopine) shoes. Or, as I like to call them, Horse-hoof shoes. After all, who hasn’t wanted to legitimately clomp down the street, whilst looking fabulous? Move over Mr Tumnus!

* Marilyn wasn’t a fan of left shoes.

For an iron-clad excuse to drool over shoes (c’mon guys, not literally!) head over to The Metropolitan Museum of Art, New York. Decide for yourselves which shoe style YOU want to see become popular again. The permanent exhibition Shoes in The Costume Institute will entice you again and again (if you’re anything like me).However, if that isn’t enough to tempt you outdoors on a chilly winter’s day, cosy up to a copy of Klaus Carl’s Shoes.

Beaux-Arts, fromage, guillotines, and other French concepts

I started learning French about ten months ago. It was an idea that I toyed with for the ridiculously large span of one to thirteen years prior (when it was offered in middle school and my dearest mother thought Spanish would prove more useful in my future and made me study it instead – I will neither agree or disagree with that point all of these years later). Initially this venture, ten months ago, started out of spite – I was surrounded by French speakers and could never get a word in edgewise because I never knew what the hell they were talking about. I planned to learn it the best I could, without telling them of course, and then shock everyone when I was well-versed enough to call them out on their merde.


I relate to this look all too well.
Balthus (Balthazar Klossowski), Thérèse, 1938.
Oil on cardboard mounted on wood, 100.3 x 81.3 cm.
The Metropolitan Museum of Art, New York.

Needless to say that never happened as one cannot learn a language in ten months without actually eating, sleeping, and breathing it (I have a life, after all). I do listen harder and repeat phrases in my head. I bother French speakers with inane grammatical and pronunciation questions. Sometimes immature young men will teach me a phrase or two and send me off to repeat it to another immature guy and they’ll all have a giggle at my expense, leaving me supremely embarrassed, but equally proud of my ability to mimic.


My namesake was French!
Claude Gellee (Le Lorrain), Coast View with Apollo and the Cumaean Sibyl, 1645-1649.
Oil on canvas, 99.5 x 127 сm.
Collection of Sir Robert Walpole, The State Heritage Museum, St Petersburg.

For the longest time I never had a single nice thing to say about anything French – except maybe Amélie, but that doesn’t really count considering its international notoriety. I don’t care for frog’s legs, snail, or duck confit; I don’t really enjoy Impressionism, mostly because endlessly repeated titles make fact-checking a nightmare; call me Guy de Maupassant when it comes to the Eiffel Tower (fun fact: Maupassant ate at the Tower’s base daily because he hated it so and that was the only place in the city that he was unable to see it); do not get me started on roquefort, maroilles, or epoisses (ugh, ick, bleh).

 


Hippolyte Flandrin, Young Man Sitting by the Sea, figure study, 1836.
Oil on canvas, 98 x 124 cm.
Musée du Louvre, Paris.

Thankfully now, I could probably rustle up a few nice things to say – the politeness of gentlemen, Realist and Romantic paintings, the frankness of women, the invention of the guillotine, etc. I am most especially in awe of the vast collection of art housed in France and could probably spend one week in the Musée du Louvre and neither see enough or tire of it.

Since most of us don’t have the time, money, language skills, or (if you’re like me) patience to endure France, visit the National Gallery of Art, Washington to see Color, Line, Light: French Drawings, Watercolors, and Pastels from Delacroix to Signac from 27 January to 26 May. It promises a beautiful array of French art. Don’t want to travel too far from home? Check out French Painting by Victoria Charles for all of the artistic glamour without the offensive cheeses.

-Le Lorrain Andrews

Musings... and Matisse

How does one gain immortality these days? No, this is actually a serious question! For the Ancient Egyptians, they took the important person’s corpse, removed the intestines and the other major decomposable parts (excepting the heart of course... every rookie embalmer knows that!), dried the body out with natron*, stuffed it with sawdust, wrapped it in linen, placed it in a couple of coffins, and then put it inside a large sarcophagus**. Easy. Then, they left the now-mummified body, erected a gigantic marking stone (obviously why the pyramids were built), and voila: today practically everybody and their grandmother knows the name of Tutankhamen.  Not bad for a 5,000 year-old mummy!

However, in today’s society many people like to achieve fame, notoriety, and assurance of impending immortality (or at least of an immortalised image) whilst they’re still alive. I know, weird, right?! Thus, we are faced with the likes of Paris Hilton and Kim Kardashian (congratulations on the baby news by the way).


Johannes Vermeer
Girl with a Pearl Earring, c. 1665.
Oil on canvas, 44.5 x 39 cm.
Mauritshuis, The Hague.

Then again, some people achieve fame, notoriety, and assurance of immortality quite involuntarily. How? You might legitimately be wondering. Well, by serving as a muse. For instance, where would Leonardo da Vinci be without the woman who sat for the Mona Lisa? The mysterious girl who was the inspiration for Vermeer’s Girl with a Pearl Earring –brought to further recognition with the 2003 film of the same name, portrayed as she was by Scarlett Johansson. The actress has also been a muse in her own right: to Woody Allen. What started out as collaboration for Match Point (2005), evolved into further collaborations for Scoop (2006), and the lauded Vicky Christina Barcelona (2008). Speaking of Woody Allen, he is the modern master of the muse. Who could forget Dianne Keaton in Annie Hall (1977), or Mia Farrow in Alice (1990)?

In recent art history, Andy Warhol’s great and troubled muse Edie Sedgwick appeared in many of his short films, whilst Kate Moss has become one of art and fashion’s greatest muses. Of greatest note perhaps are the works she inspired from Lucian Freud, Chuck Close, and Banksy.


Henri Matisse
The Italian Woman (L'Italienne)
1916.
Oil on canvas, 116.7 x 89.5 cm.
Solomon R. Guggenheim Museum, New York

Be that as it may, perhaps one of the most under-appreciated muses of art history is Matisse’s muse: Lorette. Before Lorette, Matisse was often to be found painting still life and landscapes. Lorette provided the inspiration for Matisse to develop a rich and flowing colour palette and sense of line. An increased intimacy with the subject can also be seen; over the period of 7-8 months of Lorette’s modelling for Matisse, we see her expressions change from wary to inviting.  With this professional Italian model, Matisse was ready to abandon abstractionism. After painting Lorette around fifty times during the months that she modelled for him, he took his habit of obsessive painting with him to his future collaborations with models.


Henri Matisse
Lorette in a green dress on black background

I believe that it truly can be said that without the influence of Lorette, Matisse might well not have evolved into the same famed and revered artist that we know today. And Lorette? We do not know what became of her, but she is certainly recognised today – and all because of the fact that she was Matisse’s muse.

*Fun fact: did you know natron is 17% baking soda? Kids: Do not try this at home!

** Disclaimer: This is not a step-by-step guide on how to mummify someone in case you were wondering.

To view more of Matisse’s muses, and to see how they influenced his painting, check out the Metropolitan Museum, New York. The exhibition Matisse: In Search of True Paintings is being held until March 17^th 2013. If New York is a little out of the budget, don’t fear! The books Flowers and Still Life by Victoria Charles chart several masters’ work on the subjects, including that of Matisse. Familiarise yourself with the abstract and the use of line, to fully understand and appreciate the brilliant early work of Matisse.

Une vita tra arte, passione e sofferenza

Frida Kahlo è un’artista che mi tocca profondamente per due raggioni : la prima, perché le sue opere sono ispirate da lei stessa e dei fatti personali della sua vita che non poteva esternare altremente che dipingendo. Sono umane e ne rissorte qualcosa di estremamente forte che porte a chiedersi, ma perchè ? Perché dipinge opere cosi nere, surrealiste, perché lo sguardo dei suoi autoritratti trasmette sempre tristezza ? (Ecco il mio sentimento la prima volta che ho scoperto il suo arte).

Secondo, la ammiro perché era una donna atipica con carattere. E del carattere ne aveva bisogno per affrontare quello che è stato la sua vita. Penso fortemente che Frida fosse destinata ad avere un percorso fuori dall’ordinario, anche se è stata sfortunata dalla natura molto presto. Ad appena 8 anni, sviluppa una poliomelite che impedisce la sua gamba di svulupparsi correttamente, qualche anno dopo, fu vittima di un’incidente d’autobus, ne rissorte con importanti lesioni che la costringeranno a rimanere al letto per mesi. È da questo difficile periodo che commincierà a dipingere autoritratti, guardandosi in uno specchio.

Lei a 18 anni.


Frida Kahlo, Diego ed io, 1949
Olio su tela, 29,5 x 22,4 cm
Collezione privata, New York.

Come non parlare di Frida Kahlo senza evocare il suo incontro con il famoso Diego Rivera. Ne segue una passione distruttiva dalla quale Frida Kahlo dirà qualche anno dopo che ha sofferto due volte, la prima a causa dell’incidente d’autobus, la seconda, a causa di Rivera.. Posso capire l’ammirazione che lei dedicava a Rivera, pero ammetto che per il resto, rimango un po’indietro... La loro storia è tipica di due anime gemelle che si amano talmente forte che alla fine, quest’amore ne diviene distruttivo, e le due persone si fanno soffrire. Sofferenza fisica, sofferenza interiore ed un sogno (quello di avere bambini) rovinato, dovuto alle sequele dell’suo accidente. Eppure, Frida Kahlo ha combattuto perché il suo arte sia riconosciuto ed ha provato di ricostruirsi pero, la sfortuna la seguirà fino alla fine, e lei sarà portata via dalla pneumonia all’età di 47 anni, rimanando una Grande Donna che, malgrado tutto scrivèra sul suo ultimo dipinto : “ Viva la vida “.


Frida Kahlo, Frida e Diego Rivera, 1931
Olio su tela, 100 x 79 cm
San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco

Se avete la fortuna di poter rendervi nella Art Gallery of Ontario per ammirare la mostra : Frida & Diego: Passion, Politics and Painting (dal 20 Ottobre al 20 Gennaio 2013), accorrete presto !! Rimangono solo qualche giorno prima la chiusura !!! Potete anche leggere i libri da Gerry Souter Frida Kahlo & Diego Rivera pubblicati da Parsktone.

Mein Haus, mein Auto, mein Boot – Der erste Eindruck zählt!

Brauchen wir heutzutage eigentlich noch die Porträtkunst, wo doch eigentlich jeder eine oder sogar mehrere Digitalkameras besitzt? Und wo doch jeder, der seine Kamera mal zu Hause vergessen hat, unterwegs Schnappschüsse mit seiner Handykamera machen kann? Was unterscheidet die Fotografie und die Porträtmalerei? Und wer nutzt diese heute noch?

Das Fotografieren gehört heute zum Alltag. Fotografiert wird alles und jeder: die Geburtstagsfeier mit Freunden, die Geburtstagspost, die Geschenke, der Hund der Gastgeberin, die einzelnen Schritte vom Teig zum fertigen Schokoladenkuchen – alles, einfach alles wird klitzeklein dokumentiert und stolz bei Facebook oder anderen sozialen Netzwerken der Welt präsentiert.

Die persönlichen Informationen, die Anzahl der Freunde und die von Freunden geposteten Nachrichten und Fotos machen es denkbar einfach, sich ein grobes Bild von jemandem zu machen. Ob der erste Eindruck dem Menschen hinter dem Profil wirklich gerecht wird, ist jedoch unwahrscheinlich und immer schwer zu beurteilen. Neben dem oft modeltauglichen Profilbild finden sich neben Urlaubsfotos auch Fotos des Partners, des Hauses, des Autos oder weiterer Prestigeobjekte – nicht anders als bei der Porträtmalerei geht es um die positive Selbstdarstellung.


Orest Kiprenski, Porträt des Oberst Jevgraf Dawydow, 1809.
Öl auf Leinwand, 162 x 116 cm.
Russisches Museum, St. Petersburg.

Im Laufe der kunsthistorischen Epochen war in der Porträtmalerei die Grenze zwischen Individualisierung und Idealisierung mal mehr und mal weniger fest umrissen. Spätestens seit der italienischen Renaissance (Blütezeit 15. – 16. Jahrhundert) ist ein Porträt jedoch mehr als die reine Wiedergabe des (idealisierten) äußeren Erscheinungsbildes. Anhand der Kleidung und des Schmucks der Porträtierten ließ sich der gesellschaftliche Stand ablesen, und gleichzeitig sollte das Porträt einen Einblick in das Seelenleben und die Persönlichkeit der Porträtierten geben.

Im Gegensatz zur Fotografie ermöglicht das Porträt eine genauere Studie des Motivs, durch Farbgebung und Kontraste können besondere Effekte erzeugt werden, wobei der Übergang zwischen Fotografie und Malerei fließend ist und die gegenseitige Beeinflussung beider Medien einen spannenden Dialog erzeugt. Und in einem Zeitalter der Fotografie wird die Porträtmalerei geradezu zu einem Luxusobjekt, ein gutes Porträt vom Fotografen ist schon für unter 100 Euro zu haben, aber ein gemaltes Porträt? Der spektakulärste Auftrag stammt vermutlich von der britischen Sängerin Rhianna (*1983), die sich anfang letzten Jahres von der britischen Künstlerin Claire Milner ein riesiges Porträt von Marilyn Monroe (1926-1962) aus 65 000 Swarovski-Kristallen anfertigen ließ – Wert dieses Porträts? Knapp 120 000 Euro!

Im Rahmen der Preisverleihung des bereits seit 33 Jahren jährlich vergebenen BP Portrait Award werden in der aktuellen Ausstellung der Scottish National Portrait Gallery noch bis zum 27. Januar 2013 die [nach Angaben der Galerie] besten zeitgenössischen Porträtmaler der Welt präsentiert. Aus den über 2 000 internationalen Einsendungen wurden 55 Werke ausgewählt, unter denen sich neben persönlichen Studien von Familienmitgliedern und Freunden auch berühmte Gesichter befinden. Die Werke repräsentieren jedes Lebensalter, von dem bunt-abstrakten Mädchenporträt About Time von Toby Mulligan bis hin zu der ganz unidealisierten, die Zeichen des Alters zeigenden Aktdarstellung Auntie von Aleah Chapin, die sich mit diesem Werk den mit ₤ 25 000 dotierten Hauptpreis sicherte.


Aleah Chapin, Auntie, 2012 (Detail).
Oil on canvas.
Bis zum 27.01.2013 in der Scottish National Portrait Gallery ausgestellt.

Der im Verlag Parkstone-International herausgegebene Buchtitel 1000 Porträts, vermittelt anhand der bedeutendsten Werke der Porträtkunst aller Epochen einen guten Einstieg ins Genre, ob realistisch oder abstrakt, romantisch, impressionistisch oder symbolisch, alle Epochen haben ihre ganz eigenen ergreifenden Highlights. Unabhängig davon, welche Möglichkeiten die Fotografie heute bietet, die Porträtmalerei wird wohl nie etwas von ihrer enormen Anziehungskraft verlieren.

C. Schmidt

Die Kunst zu verführen …

... oder von der Kunst verführt! In der zwischenmenschlichen Interaktion finden sich immer wieder Gelegenheiten, zu werben, umworben zu werden oder sich gegenseitig zu verführen. Und da es in der heutigen Zeit vermeintlich immer schwieriger wird, im Alltag, im Beruf oder online einen passenden Partner kennenzulernen, gibt es mittlerweile zusätzlich zum Knigge, von dem jeder mal gehört haben sollte, auch noch diverse Bücher und Kurse, die einem das „richtige Flirten“ beibringen wollen. Angeblich sollen sich damit zumindest die Chancen erhöhen, die Gelegenheit zur Verführung zu bekommen.


Jean-Auguste-Dominique Ingres, Die Badende, auch: Die Valpicon Badende, 1808.
Öl auf Leinwand, 146 x 97 cm.
Musée du Louvre, Paris.

Die Sache mit dem Verführen ist wirklich nicht ganz einfach und hat auch so gar nichts mit dem jugendsprachlichen „Abschleppen“ zu tun, auch wenn das so manch einer immer wieder miteinander verwechselt. Verführung ist Kunst, und zwar eine Kunst, deren Techniken man in verschiedenen Seminaren abhängig vom eigenen Talent erlernen oder deren man sich, allein auf die eigene Intuition vertrauend, hingeben kann. Doch sollte man immer bedenken, dass die Technik der eigenen Persönlichkeit bedarf, denn sonst ist jeder Versuch der Werbung und der Verführung zum Scheitern verurteilt. Betrachten wir nur einmal die großen Künstler, die ihre Technik gelernt haben – sie wären ohne ihre Inspiration, Intuition und Kreativität niemals zu den großen Meistern geworden, die sie heute für uns sind.

Und dennoch lobe ich mir in diesem Zusammenhang die Autodidakten unter den Künstlern, die den Betrachter mit ihrer Kunst verführen, ohne eine technische Ausbildung genossen zu haben. Wozu also Seminare besuchen, wenn das Vertrauen in die eigene Persönlichkeit gekoppelt mit ein wenig Kreativität uns selbst zum Künstler macht und wir die Kunst der Verführung nur noch in einem uns entsprechenden Medium zum Ausdruck bringen müssen?


Tizian (Tiziano Vecellio), Der Raub der Europa, 1559-1562.
Öl auf Leinwand, 185 x 205 cm.
Isabella Stewart Gardner Museum, Boston.

Im Fachjargon spricht man von Rezeption, in der National Gallery London bis zum 20. Januar von Verführung. Nutzen Sie die Gelegenheit und lernen Sie die Kunst des Verführens kennen, indem Sie sich von der Kunst und ihren Rezipienten in der Ausstellung Seduced by Art verführen lassen. Verfolgen Sie die Geschichte der Fotografie und entdecken Sie neu interpretierte alte Meisterwerke in zeitgenössischen Fotoinstallationen. Alternativ bietet der Verlag Parkstone International mit Die erotische Fotografie oder Man Ray nicht nur verschiedene Titel zur Lichtbildkunst, sondern auch eine große Auswahl Alter Meister und ihrer Meisterwerke auf http://ebook-gallery.com/de.

In Love … With Myself

Online profiles are essentially shameless self-promotion – things you like, things you do, endless photos of yourself, etc. However, I find when my skinny friends post too many photos of themselves in swimsuits, or newly-engaged friends post endless photos of rings and partners, and my married friends post hundreds of photos of their new babies, I start to feel badly about myself. That’s not to say that I’m not doing cool things or that I want children (Any. Time. Soon.), but sites like Facebook have opened many doors to jealousy, self-loathing, and endless comparison of ourselves to others. Stop it!

 

Egon Schiele, Self-Portrait, 1910.
Gouache, watercolour, and black pencil, 44.3 x 30.6 cm.
Leopold Museum, Vienna.

 

You know who would have been shamelessly good at Facebooking and making his peers feel like underachieving sloths? Egon Schiele. He started drawing at a very young and tender age, and while progressing in style and skill throughout the years, he maintained his edgy, in-your-face view of society and the human body. Review the bold words. Anyone come to mind? Honey Boo Boo, right?! Based on the lives of so many other ‘child stars’ – who, mind you, were on written shows, not facing the nearly frightening, redneck reality of Macon, Georgia – how can we ever expect ‘normalcy’ for that poor girl?

 

Egon Schiele, Self-Portrait with Chinese Lantern Plant, 1912.
Oil and gouache on wood, 32.2 x 39.8 cm.
Leopold Museum, Vienna.

 

Fortunately, I suppose, depending on how you feel about overpopulation, the world is much better equipped to deal with plagues, flues, and cholera, and so we’re less likely to lose talented artists in their prime because of illness. I could argue that there are some “artists” that we could bear to mourn, but would likely do better to keep such opinions to myself. (I know you thought of someone!) We’ll just have to stick out this reality television and self-promotional social networking phenomenon until they blow over. Until then, read a book or go to a museum. Give Facebook a rest because, frankly, you’re annoying me.

 

Egon Schiele, Self-Portrait with Arms Pulled Back, 1915.
Charcoal and pastel, 44 x 32 cm.
E.W. Kornfeld Collection.

 

Schiele would have had an impossibly difficult time posting all of his crude and vulgar self-portraits on Facebook, and his friends would have been better off for it, despite their raw beauty and allure. See the way he transformed his work throughout his short life at The Metamorphoses of Egon Schiele, on permanent exhibition at the Leopold Museum, Vienna. Pick up this heart-wrenchingly illustrated book, Schiele by Jeanette Zwingenberger, for a closer look.

 

-Le Lorrain Andrews

The Face that Launched a Thousand Ships

It was Christopher Marlowe who coined the infamous line regarding Helen of Troy; ‘the face that launched a thousand ships’.

I have to say, I do feel sorry for Helen! Put in a position where she was, effectively, responsible for a ten-year war, loss of lives, and the sacking of a city. I ask: was it even her choice to leave Menelaus? Sure, the story goes that she and Paris fell in love and escaped Sparta and her husband by fleeing to Troy. But, really, what if this wasn’t the true story? What if she was actually in love with Menelaus, and was just kidnapped by Paris? Admittedly, if Paris looked like Orlando Bloom in Troy – and let’s face it, with a brother-in-law like Eric Bana... – fair enough, she might well have decided to go.

BUT... this is all Hollywood conjecture. Menelaus could well have been the Channing Tatum of his day, or, admittedly a character who was a little older; Brad Pitt say. Who’s to say he wasn’t? Throw in charming, persistent, influential (hey, he did win Helen’s hand over all her other suitors, right?!), and you’ve got the beginnings of a pretty good match. Additionally, he was friends with Odysseus, who strikes me as a very decent guy (anyone not familiar with The Odyssey and his ten-year journey to get back to his wife and child, you’re missing out!), now, I may be reading too much into it, but I don’t think Odysseus would have been so loyal to an undeserving man. Paris – the young and brash fellow that he was, obviously did not have that much good sense, and on top of that was selfish. Seriously, endangering your whole country for the sake of one woman (who may not actually have wanted to go with him)... that is not an attractive quality in my opinion. You see, Helen had a lot to put up with!


Leonardo da Vinci
Mona Lisa (La Gioconda), c. 1503-1506.
Oil on poplar panel, 77 x 53 cm.
Musée du Louvre, Paris.

 

But it is true, that for many of us, beauty is blinding. A beautiful face (sadly) offers a free pass to many things in life, whether it is a cancelled parking ticket, free entry to a club, or free dinner/groceries/drinks, you name it. It has happened. And will happen again. But this is shallow beauty. Once you have met beauty, invariably, you also meet the beast. A pretty exterior unfortunately often comes with an ugly interior – shallowness, vanity, selfishness. This, of course, is not always the case, and I’m sure that many people would say, very rarely the case. But think about it, a face filled with character, one which is not classically beautiful, may often be much more intriguing than that which we have been told is classically beautiful.

Michelangelo
David, 1504.
Marble, 434 cm.
Galleria dell’Academia, Florence.

Take the Mona Lisa – I’d go as far to say that she is not beautiful, but she is certainly enigmatic! She has been a mystery for centuries... who or what inspired her smile?

In a similar manner, The Laughing Cavalier also causes great speculation. Whilst Michelangelo’s David is supposed to be the bees’ knees in terms of masculine perfection, in my opinion, The Laughing Cavalier is far more interesting  - all because of the facial expression.

Helen of Troy, I fear, in all her beauty, lacked this quality of unusualness. It is for this reason (I admit, this is my own personal speculation) why she was regarded as a possession rather than a person: to be stolen away, and then fought over, like a child’s toy. Is this the future that anybody actually aspires to when they wish for beauty? The expression ‘Be careful what you wish for’ springs to mind!

 

 

To appreciate the beauty of the unusual and the enigmatic, the BP Portrait Awards exhibition at the Scottish National Portrait Gallery is the must-see exhibition of the New Year. On display until January 27^th, 2013, the very best of contemporary portraits showcase the beautiful, the tender, the surprising, and the insightful renderings of the artists’ perceptions of themselves and the people around them. Not to be missed, there is no excuse not to see this inspirational exhibit, especially as it is free of charge! However, if you really cannot make it to Edinburgh, do the next best thing, and check out 1000 Portraits of Genius, written by Victoria Charles and Klaus H. Carl. In this book you will be able to find for yourselves the quirks and the idiosyncrasies which make a face memorable or not: who will become your new Mona Lisa?

Paul Klee: creatividad y abstracción

Ya a finales del siglo XIX el arte estaba intentando cortar con el formalismo academicista, pero a principios del XX la cosa se salió de madre: empezaron a nacer vanguardias sin control, se desató la creatividad individual dando paso a artistas, más que a movimientos artísticos, se cortó con la función representativa de la realidad (sobre todo en la pintura) para dar paso a la expresiva. Surgieron movimientos como el expresionismo, el cubismo, el rayonismo o el dadaísmo. Incluso la música «clásica», esa disciplina que parece permanecer invariable a lo largo de los siglos, experimentó una sacudida con el atonalismo y, más tarde, con la música concreta.

Esta crisis en las artes (entendida esta palabra como ’mutación importante en el desarrollo de otros procesos, ya de orden físico, ya históricos o espirituales’) brota de una realidad mundial inestable, en la que se ha perdido la fe en el ser humano, con grandes avances científicos que se utilizaron para cambiar para siempre el significado de la palabra «guerra» (podrían haber sido buenos, pero así somos). Fue entonces cuando se empezó a entender el arte como acción transformadora, con un fuerte componente lúdico a la vez que autocrítico. Lo que está claro es que estas nuevas tendencias no dejaron a nadie indiferente, y si no que se lo digan a los nazis que lo consideraron tan importante como para hacer quemas públicas de las obras.

 


Villa R, 1919.
Óleo sobre cartulina, 26,5 x 22 cm.
Kunstmuseum, Basilea.

 

Uno de estos artistas, más denostados que admirados, fue Paul Klee. Habiendo bebido del impresionismo, se fue acercando al arte abstracto y colorista creando composiciones de ensueño que quieren imitar «en el juego del arte las fuerzas que han creado y siguen creando el mundo». Sus críticos le acusan de utilizar una pintura pueril y pretenciosa y de mezclar técnicas de manera disparatada, asumiendo que se debe a la indecisión en lugar de a la intención. Pero teniendo en cuenta que una de las ideas principales en su obra es el caos primigenio, ¿no es esta una manera brillante de representarlo?

 


Bodegón con dado, 1923.
Acuarela, lápiz de cera y tinta sobre papel adherido a cartulina. 27 x 38 cm.
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.

 

Como se dice, «para gustos, colores» (y si te gustan las vanguardias tienes unos cuantos a elegir). Este artista puede gustarte o no, pero lo que no se puede negar es que él fue uno de los impulsores del arte moderno; no hace falta que me creas, date una vuelta por el Reina Sofía, el MACBA, el MUSAC o el Guggenheim y lo verás por ti mismo.

Déjate atrapar por su obra y piérdete entre sus símbolos hasta encontrarles significado, o simplemente disfruta de los colores y formas de sus lienzos en «100 x Paul Klee», que puedes visitar en el Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen de Dusseldorf hasta el 10 de enero de 2013. Si Alemania en invierno te resulta muy fría, siempre puedes hacerte con Klee de Donald Wigal o disfrutar de sus representaciones de animales en Beauty of the Beast (ambos en inglés).

 

 

Almas gemelas mal avenidas

Dos artistas viven una intensa historia de amor llena de pasión, traiciones y desengaños durante el periodo de la guerra fría. Él, conocido comunista, utilizaba la pintura como medio de expresión de su ideología. Ella, físicamente frágil y limitada, pintaba para soportar su sufrimiento. Ambos se basaban en sus raíces comunes para llevar sus obras a cabo. Él, animal social, viajó mucho y gustaba de fiestas y recepciones. Ella, marcada por un accidente y enfermedades infantiles, se ensimismaba en su propio mundo. Podría ser el argumento de una comedia romántica, o un culebrón, pero en realidad es la vida de Frida Kahlo y Diego Rivera; su historia de amor fue intensa, llena de infidelidades y, por supuesto, arte.


Frida Kahlo, Frieda y Diego Rivera, 1931.
Óleo sobre lienzo, 100 x 78,7 cm.
San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco.
© Banco de Mexico Diego Rivera & Frida Kahlo Museums Trust, Mexico, D.F. / Artists Rights Society (ARS), New York.

Frida «estaba rota y no enferma», según ella misma, y poseía una inmensa fuerza interior. En mi mente está inevitablemente asociada a Chavela Vargas, no sólo por la supuesta relación que mantuvieron (de la que me enteré muchísimo más tarde de que surgiera mi admiración por ambas), sino por las semejanzas que encuentro entre ellas: mujeres fuertes, rebeldes y autosuficientes en un mundo que les era hostil; ambas encontraron en el arte una manera de expresarse que llevó a muchos de los que las hubieran censurado a admirarlas y a comprender un mensaje que jamás hubieran aceptado de otro modo.

La vida en pareja con Diego debió de resultarle muy dolorosa. Corrijo, debió de resultarles muy dolorosa a ambos, ya que los dos fueron infieles y las peleas eran constantes; sin embargo, no se entiende la obra de ninguno de los dos sin la influencia del otro. Era una simbiosis lacerante, un «ni contigo ni sin ti» llevado al extremo. Compartieron ideología, arte, amigos, amor y desamor admiración y respeto mutuo, y mucho dolor. Pero al final, cuando ella por fin murió y pudo descansar de los padecimientos que la habían postrado en una silla de ruedas, Diego escribió: «Yo me he dado cuenta que lo más maravilloso que me ha pasado en mi vida ha sido mi amor por Frida.»


Diego Rivera, El hombre controlador del universo (o El hombre en el cruce de caminos) (detalle), 1934.
Fresco sobre bastidor metálico transportable, 4.80 x 11.45 m.
Palacio de Bellas Artes, Ciudad de México.

Aún tienes unos días para acercarte a la exposición «Frida & Diego: Passion, Politics and Painting» (20 de octubre de 2012-20 de enero de 2013) que hospeda la Art Gallery of Ontario, en Toronto, y descubrir esta relación tormentosa, sus influencias mutuas e intereses comunes y el arte que se derivó de ella. O si prefieres darte un tiempo para estudiarlos y comprenderlos mejor (la ocasión lo merece), puedes hacerte con los estudios que les dedica Gerry Souter: Kahlo y Rivera (ambos en inglés).

Can (and should) life truly imitate Art?

At first glance I thought this exhibition was about something else entirely – bodies covered in tattoos (to which I am entirely approving). But now that I am well informed, I’ve got some things to say. Are photographs art? Sure, sometimes, certainly not all the time, just have a look at my memory card. But are they Art, capital A, meant to be scrutinised, reviewed, and studied for centuries to come? I’m not so sure.


(I’d rather see the Maja nude than, say, Kim Kardashian)
Francisco de Goya y Lucientes, The Nude Maja, 1797-1800.
Oil on canvas, 98 x 191 cm.
Museo Nacional del Prado, Madrid.

Painting is an expression of one’s mind, heart, and imagination. The colours we interpret, the way things make us feel, whatever happens to be going through our heads at a particular moment in time. Paintings are created by hand and, arguably, soul. Photographs, on the other hand, are, while surely manipulated by a human force, created by machine. And so, does this pave a path for us to compare Delacroix’s images of rape and murder in Death of Sardanapalus to a photograph of a seemingly “broken” woman strewn across a bed (Tom Hunter’s Death of Coltelli)? I would say not.


(Even I would model for Degas!)
Edgar Degas, Woman with a Towel, 1894 or 1898.
Pastel on cream-coloured wove paper with red and blue fibres throughout, 95.9 x 76.2 cm.
H.O. Havemeyer Collection, The Metropolitan Museum of Art, New York.

A painting allows for the deepest expression of whatever feeling the artist wishes to convey. He can make a woman look desperate and torn apart, he can make a man look smug and in control (both references to Sardanapalus); he can make a troublesome child appear angelic and shade the curves of a woman just so to make her appear sensual rather than vulgar. A photographer can only hope to have such a good model to portray the image inside his mind, and even then, we know they’re just pretending – because, in all honesty, what cruel being would take a photo of someone that has been raped, murdered, or committed suicide and call it Art?


(If you are going to photograph a nude, I’d prefer classy, not – uncomfortable.)
Julian Mandel, Early postcard of Kiki de Montparnasse, c. 1925.
14 x 9 cm.

I simply do not believe that a photograph, while worth 1000 words, has the chops to stand next to the great Masterpieces. Visit The National Gallery, London now through 20 Jan to see Seduced by Art. Let us know if you believe the Old Master’s can possibly be compared, side by side, to photographic imitations. Whether you have a penchant for photographs or painted landscapes, you’re covered: Erotic Photography by Klaus H. Carl, Still Life by Victoria Charles, Nudes by Jp. A. Calosse, Landscapes by Émile Michel.

-Le Lorrain Andrews

Goya, pintor de contradicciones, y otros españoles ilustres

Hablar de Francisco de Goya y Lucientes, para mí, es como volver a casa. Siendo de donde soy (Zaragoza) Goya ha estado presente en mi vida desde mi más tierna infancia. Desde el fresco del Pilar al retrato de familia de Carlos IV pasando por los murales de la Cartuja de Aula Dei o los dibujos para la Real Fábrica de Tapices y, mucho más tarde, las estatuas de los majos que pusieron frente a la Lonja de mi ciudad natal. Creo que no me equivoco al decir que todo aragonés siente a Goya como una especie de abuelo gruñón (con permiso de Labordeta).


Vicente López Portaña, El pintor Francisco de Goya, 1826.
Óleo sobre lienzo, 95,5 x 80,5 cm.
Museo Nacional del Prado, Madrid.

Goya fue un afrancesado ilustrado profundamente católico y quizá es esta aparente contradicción la que le ayudó a mostrar las que veía a su alrededor, plasmadas en gran cantidad de obras. O quizá fue sencillamente su condición de reformador, comulgante con el partido liberal sobre todo en materia de educación, la que le llevó a plasmar toda suerte de vicios y malas costumbres que criticaba en sus obras, en las que no perdona ni a la nobleza ni al clero. Este afán acusador se hizo aún más evidente cuando se quedó sordo, ya que su humor empeoró y dio paso a Los Caprichos. Después vino la guerra con sus horrores, que retrató fielmente. Fruto de su sordera, se le fue agriando el carácter, volviéndose huraño y asocial. Se aisló en la Quinta del Sordo y realizó sus pinturas negras. Esto fue antes de partir hacia Burdeos, harto de un rey al que no consideraba digno, y morir en el exilio.


Francisco de Goya y Lucientes, El 3 de mayo en Madrid, 1814.
Óleo sobre lienzo, 268 x 347 cm.
Museo Nacional del Prado, Madrid.

Date prisa y acércate al British Museum (Londres) para contemplar las obras de grandes artistas españoles como Goya, Velázquez, Murillo,... que estarán expuestas hasta el día 6 de enero. Si no te da tiempo, siempre puedes disfrutar en casa de este libro, escrito por Jp. A. Calosse, o este otro de Sarah Carr-Gomm.

A Love-Letter to the Land of the Rising Sun

For those of us who have never been to Japan, we can only picture the beautiful vista of the Land of the Rising Sun with the help of popular films such as Memoirs of a Geisha, Babel, The Fast and the Furious: Tokyo Drift, Lost in Translation, and The Last Samurai.

For me, it was Memoirs of a Geisha which truly began my love affair with Japan.  (Although, Tom Cruise did give it his best effort!)  A hauntingly beautiful story, love, betrayal, hope, the mystery of the Orient: despite the controversy of a Chinese actress portraying a Japanese geisha, I personally feel that Zhang Ziyi was perfectly cast.  To top all of this off, the viewer is treated to a beautiful love letter to the country of Japan, in the form of stunning cinematography.  Truly, this is the film that inspires my desire to travel to Japan.


Scarlet Maple Trees at Mama by the Tekona-no yashiro Shrine and the Tsugihashi Bridge,
Mama-no momiji Tekona-no yachting Tsugihashi (1/1857)

However, as I was researching around the topic of travel in Japan, I discovered that the world’s love affair with this country is not a recent phenomenon.  In an earlier blog, I mentioned that Van Gogh, in the 1880s, discovered the Japanese ukiyo-e wood block prints, which he soon began to collect and reproduce for his own paintings.


The “Opening of the Mountain” at the Fukagawa Hachiman Shrine,
Fukagawa Hachiman yamabiraki (8/1857)

Let us look for a moment at the artist who inspired these paintings: Utagawa Hiroshige.  The original poster-boy (literally) for Japanese tourism, his paintings showcase the travels which he undertook across Japan.  Filled with detail, delicate brushstrokes, and occasionally a dash of humour, these paintings are what advertisements for travel agencies (ahem, Thomas Cook) should aspire to be like.  Hiroshige’s love for his homeland is evident and, what’s more, he has mastered the ability to stir the same passions in non-natives.  This is the characteristic which is shared by Rob Marshall, Zhang Ziyi, Michelle Yeoh, and Ken Watanabe (amongst the rest of the cast and crew of Memoirs) who gave us the live-action version of Hiroshige’s homage to his homeland.

So, watch this space... I may yet be embarking on my own pilgrimage to Japan, all thanks to Memoirs of a Geisha and the stunning artwork of Hiroshige!


The Taikobashi Bridge and Yuhinooka Hill in Meguro,
Meguro Taikobashi Yuhinooka (4/1857)

For those of you, like me, who may find Japan just a trifle too far for a day-trip; why not peruse the works of Hiroshige in the Pinacothèque de Paris?  The exhibition Hiroshige, the Art of Travel is running until the 17^th March 2013, so there is plenty of time to enjoy Paris in the springtime (or before), and take in a bit of Japanese culture at the same time!  Otherwise, curl up with a good book:  Hiroshige, by Mikhail Uspensky to be precise!  Or, if you would simply like to know more about the art of ukiyo-e and would like to broaden your horizons, try out Hokusai by Edmond de Goncourt.

La posmodernidad del Barroco

Siempre se ha dicho que el tiempo es cíclico, y como él, la historia. Eso lo hemos visto en modas, movimientos políticos, religiones y, cómo no, en el arte. En esta época de crisis total, en la que ni los valores, ni la economía, ni por supuesto la política, están al margen de los vaivenes del mercado, no es de extrañar que resurja con fuerza el movimiento artístico de la crisis por excelencia: el Barroco (que ahora se da bajo el nombre de Neobarroco).

Este movimiento, nacido en la Europa del siglo XVII, fue la respuesta a una gran crisis política, religiosa y económica, época de grandes adelantos científicos que dejaron al hombre en una posición inestable, consciente por primera vez en mucho tiempo de su individualidad y fragilidad. Para Maravall, la cultura de esta época era «dirigida» –enfocada en la comunicación–, «masiva» –de carácter popular– y «conservadora» –para mantener el orden establecido–. Así pues, cualquier obra debía estar enfocada a la fácil transmisión de un mensaje al público, y éste debía estar dispuesto de tal manera que la gente comulgara y se entusiasmara con él. Asimismo, este mensaje estaba al servicio del poder, que era el que pagaba los costes de la obra de arte. ¿Nos va sonando?


Diego Velázquez, Las meninas, c. 1656
Óleo sobre lienzo, 318 cm x 276 cm.
Museo Nacional del Prado, Madrid.

No es de extrañar que, ante estos indicios, Severo Sarduy dedicara un estudio al tema y llegara a la conclusión de que lo que tenemos ahora debería llamarse Neobarroco, que diluye la frontera entre el buen gusto y el mal gusto (vamos, que lo kitsch está de moda, véanse Belén Esteban o Delfín Quishpe, más conocido como Delfín Hasta el Fin). Eso por no nombrar a los hipsters, esa tribu urbana de la que nadie forma parte (no es hipster decir que eres hispter) pero que inunda nuestras ciudades de cultura pop, «cuanto más cutre más mola». Y es que lo que se lleva ahora es ser un freak. Por suerte, algunos de nosotros también hemos heredado del Barroco el pensamiento crítico que conlleva y sabemos leer más allá del horror vacui.


Bartolomé Esteban Murillo, Anciana despiojando a su nieto, 1970-1975.
Óleo sobre lienzo, 147 x 113 cm.
Alte Pinakothek, Múnich.

Si quieres aprender un poco más acerca de la revisión posmoderna del Barroco, aún tienes unos días para acercarte a la Art Gallery of Alberta, en Canadá, para visitar «Misled by Nature: Contemporary Art and the Baroque». Si prefieres el original, puedes disfrutar en casa de Baroque Art (en inglés).

¿Y si el que se desnuda es él?

En un mundo que entiende el término ‘erótico’ como sinónimo de ‘desnudo integral’, cuesta imaginar que la imagen de alguien sin ropa pueda provocar críticas encendidas (excepto por los que se quejan de todo, ya sabéis quiénes son). Pero si el cuerpo desnudo es el masculino, es otro tema.

La sociedad patriarcal, que ha desnudado el cuerpo femenino hasta convertirlo en objeto y no contento con ello ha impuesto esa mirada a las propias mujeres de forma que ya ni protestamos al ver los genitales desnudos de una fémina, no soporta ver un hombre desnudo; le parece indecente, inmoral e incluso aberrante. Se siente atacada e indefensa ante la visión de «el padre» aparentemente vulnerable y en una posición de supuesta debilidad (sin mencionar el fantasma de la homosexualidad). Como toda cultura, quiere mantener oculto aquello que venera (en este caso, el falo), libre de riesgos y daños. Hace lo mismo con lo que considera pecaminoso, curiosa coincidencia.


Donatello, David, c. 1440.
Bronce, al.: 158 cm.
Museo Nazionale del Bargello, Florencia.

Y no es que reivindique la cosificación del cuerpo masculino, pero considero que también puede ser bello y objeto de una obra de arte, y no debería causar reacciones como el pudor o el rubor. Es algo natural que ha de ser tomado como tal. El desnudo masculino tiene más de 4.000 años de antiguedad y no porque ahora nos hayamos vuelto unos mojigatos (e hipócritas) de cuidado va a dejar de ser arte. Eso sí, al arte lo que es del arte y al resto otra etiqueta, por favor.


Egon Schiele, El predicador (Autorretrato), 1913.
Lápiz y aguada sobre papel, 47 x 30,8 cm.
Leopold Museum, Viena.

El tema es que el Leopold Museum (en Viena, ciudad cosmopolita y liberal, ya sabéis) tiene una exposición sobre el desnudo masculino que, al parecer, ha levantado ampollas en los sectores conservadores, y otros que no lo son tanto, de la ciudad. Si tienes un rato para acercarte a ver la otra cara del desnudo, puedes hacerlo hasta el 4 de marzo de 2013. Si prefieres disfrutar estas imágenes en la intimidad, no dudes en hacerte con Desnudos o The Story of Men’s Underware (en inglés).