We are excited to announce that we are in the process of converting our PDF ebooks to ePub format!
You will soon have the option to buy our ebooks either as PDFs or ePubs. One of the many advantages of ePubs is that they take up very little space when compared to PDFs while still containing just as many high quality images. Now you will be able to use less space on your ebook reader device without missing out on quality! A win-win, indeed.
Differing from the fixed layout format of PDFs, ePubs can be displayed in varying font sizes regardless of screen size. In other words, it’s much easier to read an ePub on a small screen because you can increase the font size and layout! Unlike PDFs, which can be viewed on e-readers or on your computer, ePubs can only be viewed on e-readers, tablets, and mobile devices. The ePub format is becoming the new industry standard and Parkstone International won’t fall behind in the technological times; you shouldn’t either!
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Thursday, January 31, 2013
Les Livres sous format ePub arrivent chez Parkstone International
Nous sommes heureux de vous annoncer que nous convertissons maintenant nos ebooks sous format PDF en format ePub !
Vous aurez donc bientôt la possibilité d’acheter des ebooks en PDF ou en ePub. L’avantage principal des ePubs est qu’ils sont moins lourds sur petit écran que les fichiers PDF, tout en gardant le même nombre d’images de haute-qualité. Vous aurez ainsi plus d’espace sur la mémoire de votre liseuse électronique, sans pour autant faire de concessions quant à la qualité du fichier ! Le client ressort gagnant avec les ePubs.
Contrairement au format figé du PDF, il est possible de jouer sur la taille de la police avec un fichier ePub. Lire sur l’écran devient donc beaucoup plus simple puisque que vous avez la possibilité d’augmenter la police et les images ! D’autre part, les PDF ne peuvent être lus que sur une liseuse électronique ou un ordinateur, tandis que les ePubs peuvent être utilisés sur des liseuses, des tablettes électroniques, mais aussi sur des téléphones portables. Le format ePub est en train de devenir le nouveau standard de lecture électronique. Parkstone International se positionne à la pointe de la technologie, nous vous invitons à le faire avec nous !
Vous aurez donc bientôt la possibilité d’acheter des ebooks en PDF ou en ePub. L’avantage principal des ePubs est qu’ils sont moins lourds sur petit écran que les fichiers PDF, tout en gardant le même nombre d’images de haute-qualité. Vous aurez ainsi plus d’espace sur la mémoire de votre liseuse électronique, sans pour autant faire de concessions quant à la qualité du fichier ! Le client ressort gagnant avec les ePubs.
Contrairement au format figé du PDF, il est possible de jouer sur la taille de la police avec un fichier ePub. Lire sur l’écran devient donc beaucoup plus simple puisque que vous avez la possibilité d’augmenter la police et les images ! D’autre part, les PDF ne peuvent être lus que sur une liseuse électronique ou un ordinateur, tandis que les ePubs peuvent être utilisés sur des liseuses, des tablettes électroniques, mais aussi sur des téléphones portables. Le format ePub est en train de devenir le nouveau standard de lecture électronique. Parkstone International se positionne à la pointe de la technologie, nous vous invitons à le faire avec nous !
Parkstone International: Bücher bald auch im ePub-Format
Wir stellen um! Mit Freude teilen wir Ihnen mit, dass wir uns zurzeit mit der Umwandlung unserer E-Books vom PDF-Format ins ePub-Format beschäftigen!
Bald haben Sie die Möglichkeit, unsere E-Books nicht nur im PDF-, sondern auch im ePub-Format zu lesen. Einer der vielen Vorteile der ePub-Dateien ist, dass sie im Vergleich zu PDF-Dateien mit ebenso vielen Bildern und Grafiken in hoher Qualität sehr viel weniger Speicherplatz benötigen. Mit ePub sind Sie daher in der Lage, Platz auf Ihrem E-Book Reader zu sparen, ohne dabei auf Qualität verzichten zu müssen – eine wahre Win-win-Situation!
Im Gegensatz zu PDFs, bei welchen der Text wie im gedruckten Buch angezeigt wird, können Sie sich ePubs in unterschiedlichen Schriftgrößen anzeigen lassen. Die dynamische Anpassung des Textes unabhängig von der jeweiligen Bildschirmgröße macht es viel einfacher, ein E-Book auf einem kleineren portablen Gerät zu lesen. Anders als PDFs, die Sie auf E-Book-Readern und auf Ihrem Computer ansehen können, sind ePubs speziell für E-Book-Reader, Tablets und mobile Geräte konzipiert.
Das ePub-Format wird zum neuen Industriestandard und Parkstone International wird es sich nicht nehmen lassen, weiterhin mit dem technologischen Fortschritt zu gehen; verpassen Sie nicht den Anschluss!
Bald haben Sie die Möglichkeit, unsere E-Books nicht nur im PDF-, sondern auch im ePub-Format zu lesen. Einer der vielen Vorteile der ePub-Dateien ist, dass sie im Vergleich zu PDF-Dateien mit ebenso vielen Bildern und Grafiken in hoher Qualität sehr viel weniger Speicherplatz benötigen. Mit ePub sind Sie daher in der Lage, Platz auf Ihrem E-Book Reader zu sparen, ohne dabei auf Qualität verzichten zu müssen – eine wahre Win-win-Situation!
Im Gegensatz zu PDFs, bei welchen der Text wie im gedruckten Buch angezeigt wird, können Sie sich ePubs in unterschiedlichen Schriftgrößen anzeigen lassen. Die dynamische Anpassung des Textes unabhängig von der jeweiligen Bildschirmgröße macht es viel einfacher, ein E-Book auf einem kleineren portablen Gerät zu lesen. Anders als PDFs, die Sie auf E-Book-Readern und auf Ihrem Computer ansehen können, sind ePubs speziell für E-Book-Reader, Tablets und mobile Geräte konzipiert.
Das ePub-Format wird zum neuen Industriestandard und Parkstone International wird es sich nicht nehmen lassen, weiterhin mit dem technologischen Fortschritt zu gehen; verpassen Sie nicht den Anschluss!
Thursday, October 25, 2012
Bernini: The Beauty and The Beast
Gian Lorenzo Bernini, Fontana della Barcaccia. c. 1623. Marble. Piazza di Spagna, Rome, Italy
Rome is the city of light, certainly, but it is also the city of water. Tourists may visit for the city’s celebrated history and architecture, but they leave entranced by the babbling fountains which dot the city like stars. What most don’t realize is that most of those fountains were designed by the same man: the astoundingly talented Gian Lorenzo Bernini.
Immortalized in countless great works of cinema, from Frederico Felini’s La Dolce Vita to Woody Allen’s To Rome With Love, Bernini’s fountains are essential to the character of this most romantic of cities. His Fontana della Barcaccia on the Spanish Steps even provided the backdrop for Gregory Peck and Audry Hepburn to meet cute in Roman Holiday, and has been photographed by countless tourists attempting capture a uniquely Italian image. In many ways, modern Rome is the city Bernini built.
Still, as influential as he is today, Bernini’s path to artistic immortality was not smooth. In the seventeenth century when he was a young man he was quite a controversial figure, his artistic genius at times overshadowed by the scandals that surrounded him.
Gian Lorenzo Bernini, Self-Portrait as a Young Man. c. 1623. Oil on canvas, 62x46 cm. Galleria Borghese, Rome, Italy
Bernini was the darling of the art world from the age of eight, when Pope Paul V boasted that the child would be “The Michelangelo of his century.” And as he grew up, and his skills increased, so did his social success. Beloved by the wealthiest families in Italy, and a favourite of the church, Bernini led a charmed life. At least, until he met Constanza Buanerelli.
Constanza was the wife of Bernini’s assistant Matteo, a young and lovely woman whose freshness and charm immediately won over the artist. He was inspired by her sensuality, and she quickly became his muse, her post-coital rumple immortalized in stone in one of his most celebrated busts.
Gian Lorenzo Bernini, Bust of Constanza Buonarelli. c. 1635. Marble, 72 cm. Museo Nazionale del Bargello, Florence, Italy
Alas, their happiness was brief. Bernini was an extremely jealous lover, infuriated that he was forced to share Constanza with her husband. He repeatedly insulted the hapless Matteo to such a great extent that his affair with Constanza became a matter of common knowledge, and she was jailed for adultery. Protected by his powerful friends, Bernini himself got off scot free.
Constanza, tired of her lover’s covetousness, took her revenge by beginning an affair with his brother. Enraged, Bernini followed the pair to the steps of St. Peter’s basilica, the Pope’s seat of power, whose interior he had so masterfully designed years before. He beat his brother half to death with an iron rod, and bribed a servant to slash Constanza’s face with a razor, destroying the beauty that had once captivated him.
Pope Urban VIII used his power to get Bernini out of trouble, even excusing the 3000 scudi fee the court leveled against him. But the pope was tired of helping the bad boy artist out of romantic scrapes, and this time his help came with a price. He forced Bernini to marry a virtuous woman of the church’s choosing, a union that was by all accounts a happy one, lasting decades and producing eleven children.
Still, Bernini never sculpted his wife. Maybe he had learned his lesson with Constanza, his great love and his muse, whose faithless beauty he so fatally immortalized.
Those of you lucky enough to be in New York should make sure to check out Bernini: Sculpting in Clay at the world famous Metropolitan Museum of Art from October 3, 2012 to January 6, 2013. Or to follow along at home, and get critical insight into Bernini’s controversial life and work, check out our ebooks on Sculpture and Baroque Art, both written by celebrated art historian Victoria Charles.
-George Kostrowitzky
Tuesday, October 16, 2012
Andy Warhol - Masse oder Klasse?
Gestapelte Pizzakartons und zu Pyramiden aufgetürmte leere Bierdosen sich das typische, an Studenten-WGs haftende Klischee – anstelle eines halbwegs akzeptablen Abendessens wird da schnell mal eine Dose geöffnet. Die gestapelten Dosen des Pop-Art-Künstlers Andy Warhols (1928-1987) erinnern jedoch nur auf den ersten Blick an unaufgeräumte Junggesellenbuden, zu akkurat sind die Dosen aufeinandergestapelt, jedes Cover genau dem Betrachter zugedreht.
Andy Warhol, 100 Campbell’s Soup Cans, 1962.
Kasein, Acryl und Bleistift auf Leinwand, 183,5 × 132,3 cm.
Museum für Moderne Kunst, Frankfurt am Main.
Warhol, der als Begründer und wichtigster Vertreter der in den 1960er Jahren entstandenen Bewegung der Pop-Art gilt, versetzt uns mit seinem Werk 100 Campbell’s Soup Cans in die Welt eines penibel sortierten Supermarktes, vollgepackt mit in Massenproduktion hergestellten Dosensuppen. Der Supermarkt als wichtiger, da häufig aufgesuchter Ort des Großstadtlebens und seine Waren werden nicht nur durch Warhol künstlerisch in Szene gesetzt. Die Pop-Art-Künstler isolieren triviale Alltagsgegenstände und machen sie zu ihren Bildmotiven, entbinden sie so von ihrer Alltäglichkeit und werten sie auf zu Kunst. Durch die Isolation der Alltagsobjekte und die flächige Inszenierung vor einem einfarbigen Hintergrund wirken die Werke steril. Was fehlt sind die Gebrauchsspuren, das natürliche Durcheinander, die Fingerabdrücke, die wir zeit unseres Lebens auf allem hinterlassen.
In dieser Hinsicht erinnern sie an die fotorealistischen Pappwelten des 1964 in München geborenen Bildhauers und Fotografen Thomas Demand, der ähnlich wie Warhol Bilder des kollektiven Gedächtnisses verwendet, die er dann aus Pappe maßstabsgetreu, lebens- oder überlebensgroß nachbaut. Durch eine ausgefeilte Lichttechnik erscheinen die so entstandenen Trugwelten auf seinen Fotografien derart realistisch, dass der Betrachter zwischen „echt“ und Reproduktion kaum noch unterscheiden kann. Nur die fehlenden Gebrauchsspuren und die Menschenleere seiner Interieure lässt den Betrachter misstrauisch werden.
Bei Warhol sind zwar Alltagsgegenstände abgebildet, aber derart verfremdet, dass die Frage nach „echt“ und Reproduktion eindeutig ausfällt: So realistisch insbesondere die Suppendosen aussehen mögen, die starken schwarzen Konturen, die knalligen Farben und die Flächigkeit der Werke erinnern an Comic-Stripes oder Werbeplakate. Seine vielen Porträts gefeierter Persönlichkeiten, wie Marilyn Monroe, Jackie Kennedy und Elvis Presley, wirken geradezu entmenschlicht. Nicht anders als bei Supermarktwaren geht es auch bei den „Celebrities“ um Image und Vermarktung. In einer Welt der Massenware wird neben der Kunst so der Mensch selbst zu einer Ware, die es zu verkaufen gilt. Und als gelernter Werbegrafiker verstand es Warhol, seine Kunst und auch sich selbst gekonnt zu vermarkten. In seinem Atelier, das er „Die Fabrik“ nannte, stellte er unter Mitarbeit mehrerer Gehilfen oft ganze Serien desselben Motives her.
Die Frage, ob sein Werk nun mehr Masse oder Klasse ist, muss jeder für sich selbst beantworten, feststeht aber, dass Warhol die Kunst revolutionierte, indem er immer wieder bewusst auf die Grenze zwischen Kunst und Kommerz anspielte und diese schließlich mit Erfolg untergrub. Denn wer weiß, ob wir ohne Warhols Pionierarbeit heute einen Begriff wie „Werbekunst“ akzeptieren würden.
Obwohl Kunstkritiker bereits seit Jahrzehnten feststellen, dass Warhol einen enormen Einfluss auf die zeitgenössische Kunst ausübt, gab es bisher noch keine Ausstellung, die diesen Einfluss im vollen Umfang aufzeigen konnte. Noch bis zum Ende dieses Jahres ist dies daher das erklärte Ziel der Ausstellung Regarding Warhol: 60 artists, 50 years im The Metropolitan Museum of Art in New York. Rund 45 Werke Warhols sind hier etwa hundert Werken von 60 Künstlern verschiedener Generationen gegenübergestellt und laden zur Spurensuche ein.
Bevor Sie sich aber auf Warhols Spuren begeben, sollten Sie als Vorbereitung einen Blick in den als gedrucktes und digitales Werk erhältlichen Titel Warhol des Verlags Parkstone-International werfen, mit seiner Vielzahl qualitativ hochwertiger Farbabbildungen liefert dieser einen umfangreichen Einblick in das Leben und Werk des Künstlers und hilft Ihnen mit Sicherheit bei der nur individuell zu beantwortenden Frage „Masse oder Klasse?“
http://www.metmuseum.org/exhibitions/listings/2012/regarding-warhol
-C.Schmidt
Andy Warhol, 100 Campbell’s Soup Cans, 1962.
Kasein, Acryl und Bleistift auf Leinwand, 183,5 × 132,3 cm.
Museum für Moderne Kunst, Frankfurt am Main.
Warhol, der als Begründer und wichtigster Vertreter der in den 1960er Jahren entstandenen Bewegung der Pop-Art gilt, versetzt uns mit seinem Werk 100 Campbell’s Soup Cans in die Welt eines penibel sortierten Supermarktes, vollgepackt mit in Massenproduktion hergestellten Dosensuppen. Der Supermarkt als wichtiger, da häufig aufgesuchter Ort des Großstadtlebens und seine Waren werden nicht nur durch Warhol künstlerisch in Szene gesetzt. Die Pop-Art-Künstler isolieren triviale Alltagsgegenstände und machen sie zu ihren Bildmotiven, entbinden sie so von ihrer Alltäglichkeit und werten sie auf zu Kunst. Durch die Isolation der Alltagsobjekte und die flächige Inszenierung vor einem einfarbigen Hintergrund wirken die Werke steril. Was fehlt sind die Gebrauchsspuren, das natürliche Durcheinander, die Fingerabdrücke, die wir zeit unseres Lebens auf allem hinterlassen.
In dieser Hinsicht erinnern sie an die fotorealistischen Pappwelten des 1964 in München geborenen Bildhauers und Fotografen Thomas Demand, der ähnlich wie Warhol Bilder des kollektiven Gedächtnisses verwendet, die er dann aus Pappe maßstabsgetreu, lebens- oder überlebensgroß nachbaut. Durch eine ausgefeilte Lichttechnik erscheinen die so entstandenen Trugwelten auf seinen Fotografien derart realistisch, dass der Betrachter zwischen „echt“ und Reproduktion kaum noch unterscheiden kann. Nur die fehlenden Gebrauchsspuren und die Menschenleere seiner Interieure lässt den Betrachter misstrauisch werden.
Bei Warhol sind zwar Alltagsgegenstände abgebildet, aber derart verfremdet, dass die Frage nach „echt“ und Reproduktion eindeutig ausfällt: So realistisch insbesondere die Suppendosen aussehen mögen, die starken schwarzen Konturen, die knalligen Farben und die Flächigkeit der Werke erinnern an Comic-Stripes oder Werbeplakate. Seine vielen Porträts gefeierter Persönlichkeiten, wie Marilyn Monroe, Jackie Kennedy und Elvis Presley, wirken geradezu entmenschlicht. Nicht anders als bei Supermarktwaren geht es auch bei den „Celebrities“ um Image und Vermarktung. In einer Welt der Massenware wird neben der Kunst so der Mensch selbst zu einer Ware, die es zu verkaufen gilt. Und als gelernter Werbegrafiker verstand es Warhol, seine Kunst und auch sich selbst gekonnt zu vermarkten. In seinem Atelier, das er „Die Fabrik“ nannte, stellte er unter Mitarbeit mehrerer Gehilfen oft ganze Serien desselben Motives her.
Die Frage, ob sein Werk nun mehr Masse oder Klasse ist, muss jeder für sich selbst beantworten, feststeht aber, dass Warhol die Kunst revolutionierte, indem er immer wieder bewusst auf die Grenze zwischen Kunst und Kommerz anspielte und diese schließlich mit Erfolg untergrub. Denn wer weiß, ob wir ohne Warhols Pionierarbeit heute einen Begriff wie „Werbekunst“ akzeptieren würden.
Obwohl Kunstkritiker bereits seit Jahrzehnten feststellen, dass Warhol einen enormen Einfluss auf die zeitgenössische Kunst ausübt, gab es bisher noch keine Ausstellung, die diesen Einfluss im vollen Umfang aufzeigen konnte. Noch bis zum Ende dieses Jahres ist dies daher das erklärte Ziel der Ausstellung Regarding Warhol: 60 artists, 50 years im The Metropolitan Museum of Art in New York. Rund 45 Werke Warhols sind hier etwa hundert Werken von 60 Künstlern verschiedener Generationen gegenübergestellt und laden zur Spurensuche ein.
Bevor Sie sich aber auf Warhols Spuren begeben, sollten Sie als Vorbereitung einen Blick in den als gedrucktes und digitales Werk erhältlichen Titel Warhol des Verlags Parkstone-International werfen, mit seiner Vielzahl qualitativ hochwertiger Farbabbildungen liefert dieser einen umfangreichen Einblick in das Leben und Werk des Künstlers und hilft Ihnen mit Sicherheit bei der nur individuell zu beantwortenden Frage „Masse oder Klasse?“
http://www.metmuseum.org/exhibitions/listings/2012/regarding-warhol
-C.Schmidt
Warhol, un estratega de la imagen
¿Qué tienen en común Miguel Ángel, Rafael, Marcel Duchamp, Hopper, Alberto Durero, Leonardo da Vinci, Alphonse Mucha, Caravaggio, Rembrandt, Velázquez, Renoir y J. M. W. Turner, entre otros? Todos ellos han sido clasificados como «el artista más influyente» de un período histórico, de un movimiento, de un grupo artístico, de un país... No obstante, parece que ya se han cubierto todas las categorías posibles y los genios revolucionarios pululan de tal forma que cada vez se deben acotar más los radios de influencia. Así, la nueva exposición del MET, «Regarding Warhol: Sixty Artists, Fifty Years», nos plantea la pregunta de si Andy Warhol fue el artista más influyente del último medio siglo, esto es, de los últimos cincuenta años... ¿Cincuenta años? ¿Qué será lo próximo? ¿El primer cuarto del siglo XXI? ¿Los tres años que siguieron al 2001? ¿La primera mitad del mes de enero del 2009? ¿Los días previos al 21 de diciembre de este año? (Desde luego, puestos a seleccionar, en los dos últimos meses, pocos artistas han tenido la resonancia de la señora Cecilia de Borja).
Andy Warhol vaticinó que, en el futuro, todo el mundo tendría sus 15 minutos de fama, e iba bien encaminado con respecto a la televisión, pero se quedó algo corto. En la era de Internet, todos se esfuerzan por tener su «minuto de gloria» y pronto será preciso disputarse cada segundo de atención pública... No sé qué opinaría Warhol de la situación actual, pero no cabe duda de que se sentiría muy satisfecho de la presencia e impronta de su legado en este siglo XXI que estrenamos hace no tanto. Al fin y al cabo, se sentía fascinado por el arte como lucro.
Uno de los motivos por los que el MET limita su influencia a medio siglo es que la soberanía del panorama artístico del siglo XX se ha atribuido a Picasso de forma casi unánime (y que conste que he dicho «casi»). Se dice que cuando Warhol supo que Picasso dejó a su muerte un patrimonio de 4.000 obras, decidió que su vocación sería convertirse en «artista por número de páginas» para igualar de esa forma la labor creadora de imágenes de Picasso. Si bien no tenía la hiperactividad (y muchos dirán que tampoco lo acompañaba el genio) del malagueño, lo cierto es que sólo hay que prestar un poco de atención para ver que la huella de Warhol está en todas partes. Una de las cosas que más le maravillaba de Estados Unidos, según afirmaba en su libro Mi filosofía de A a B y de B a A, era que «los consumidores más ricos compran esencialmente las mismas cosas que los más pobres» y le fascinaba la Coca-Cola porque la que bebe el mendigo de la esquina es tan buena como la que se puedan tomar Amancio Ortega o Paris Hilton. Por ello, se apropió de la Coca-Cola y, al hacerlo, consiguió acercar el arte a todo el mundo.
Green Coca-Cola Bottles (Botellas verdes de Coca-Cola), 1962.
Seda, acrílico y grafito sobre lienzo, 209,2 x 144,8 cm.
Whitney Museum of American Art, Nueva York.
© 2012 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / Artists Rights Society (ARS), Nueva York
El MET explora cinco facetas temáticas de Warhol: su fascinación por las imágenes cotidianas, el consumismo banal, el auge de los sensacionalismos; las celebridades y los protagonistas de las crónicas de papel cuché; la crudeza y la importancia de la sexualidad; la reubicación de objetos cotidianos en series infinitas; y la colaboración artística con otros creadores y la fascinación por crear entornos que envolvieran al espectador. Para ello, toma las obras de sus epígonos y permite que los visitantes asistan al diálogo que se establece entre todas ellas; un diálogo «pop» que ha cumplido ya los cincuenta y que, previsiblemente, tendrá una vida longeva y (esperemos) controvertida, genial, lunática y arrebatadora.
Warhol fue un observador incansable, mordaz, crítico, que se propuso cambiar el arte. La decisión de si lo logró o no, te la dejo a ti (no me gustaría robarte tu segundo de estrellato). Las puertas de la exposición de Nueva York estarán abiertas hasta el 31 de diciembre y, si no te puedes pasar por allí, este ebook de Gerry Souter está a tu disposición allí donde estés.
Andy Warhol vaticinó que, en el futuro, todo el mundo tendría sus 15 minutos de fama, e iba bien encaminado con respecto a la televisión, pero se quedó algo corto. En la era de Internet, todos se esfuerzan por tener su «minuto de gloria» y pronto será preciso disputarse cada segundo de atención pública... No sé qué opinaría Warhol de la situación actual, pero no cabe duda de que se sentiría muy satisfecho de la presencia e impronta de su legado en este siglo XXI que estrenamos hace no tanto. Al fin y al cabo, se sentía fascinado por el arte como lucro.
Uno de los motivos por los que el MET limita su influencia a medio siglo es que la soberanía del panorama artístico del siglo XX se ha atribuido a Picasso de forma casi unánime (y que conste que he dicho «casi»). Se dice que cuando Warhol supo que Picasso dejó a su muerte un patrimonio de 4.000 obras, decidió que su vocación sería convertirse en «artista por número de páginas» para igualar de esa forma la labor creadora de imágenes de Picasso. Si bien no tenía la hiperactividad (y muchos dirán que tampoco lo acompañaba el genio) del malagueño, lo cierto es que sólo hay que prestar un poco de atención para ver que la huella de Warhol está en todas partes. Una de las cosas que más le maravillaba de Estados Unidos, según afirmaba en su libro Mi filosofía de A a B y de B a A, era que «los consumidores más ricos compran esencialmente las mismas cosas que los más pobres» y le fascinaba la Coca-Cola porque la que bebe el mendigo de la esquina es tan buena como la que se puedan tomar Amancio Ortega o Paris Hilton. Por ello, se apropió de la Coca-Cola y, al hacerlo, consiguió acercar el arte a todo el mundo.
Green Coca-Cola Bottles (Botellas verdes de Coca-Cola), 1962.
Seda, acrílico y grafito sobre lienzo, 209,2 x 144,8 cm.
Whitney Museum of American Art, Nueva York.
© 2012 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / Artists Rights Society (ARS), Nueva York
El MET explora cinco facetas temáticas de Warhol: su fascinación por las imágenes cotidianas, el consumismo banal, el auge de los sensacionalismos; las celebridades y los protagonistas de las crónicas de papel cuché; la crudeza y la importancia de la sexualidad; la reubicación de objetos cotidianos en series infinitas; y la colaboración artística con otros creadores y la fascinación por crear entornos que envolvieran al espectador. Para ello, toma las obras de sus epígonos y permite que los visitantes asistan al diálogo que se establece entre todas ellas; un diálogo «pop» que ha cumplido ya los cincuenta y que, previsiblemente, tendrá una vida longeva y (esperemos) controvertida, genial, lunática y arrebatadora.
Warhol fue un observador incansable, mordaz, crítico, que se propuso cambiar el arte. La decisión de si lo logró o no, te la dejo a ti (no me gustaría robarte tu segundo de estrellato). Las puertas de la exposición de Nueva York estarán abiertas hasta el 31 de diciembre y, si no te puedes pasar por allí, este ebook de Gerry Souter está a tu disposición allí donde estés.
Wednesday, August 15, 2012
¿Son los ángeles víctimas de la moda?
Cuando tenía 4 años, murió mi abuela. Mis padres, imagino que en su afán de no traumatizarnos a mis hermanos y a mí, nos dijeron que habían venido unos ángeles a llevársela. Eso habría dejado tranquilo a cualquier niño, ya que estos seres celestiales tienen fama de bondadosos y protectores del ser humano. Y de hecho funcionó con el resto de mi familia, pero yo no soy cualquier niño y me pasé los meses siguientes aterrorizada ante la idea de que un ángel pudiera venir y llevárseme a mí también, o peor aún, a mis padres y hermanos (esta idea me resultaba especialmente horrible en los días de tormenta). Si a esto añadimos que por aquel entonces iba a un colegio de monjas y mi clase estaba muy cerca de la capilla, podéis haceros la idea de que ese año no fue el mejor de mi vida.
Pero dejando fantasías infantiles a un lado, los ángeles han estado representados en el arte desde que el hombre es hombre (o, quizá mejor dicho, desde que dios es dios) y están presentes en las tres religiones del libro. Seguidores de las modas, heredaron sus alas la mitología griega y cambiaron sus vestimentas conforme a los gustos de cada época, desde el uniforme militar del principio (no olvidemos que son el ejército de dios) hasta las túnicas con que todos nosotros solemos imaginarlos.
Edward Burne-Jones, Un ángel tocando el fagot (detalle), c. 1878.
Témpera y pintura dorada sobre papel, 74,9 x 61,2 cm.
The National Museums and Galleries on Merseyside, Liverpool.
Carlo Saraceni, Santa Cecilia y el ángel, c.1610.
Óleo sobre lienzo, 172 x 139 cm.
Palazzo Barberini, Galleria Nazionale d’Arte Antica, Roma.
Estas criaturas divinas han traspasado a todas luces el campo de la religión y ahora las tenemos por todos lados: postales de San Valentín, imanes para la nevera, series anime, canciones, e incluso anuncios de desodorante o de queso crema, por no hablar de la adaptación que la subcultura gótica ha hecho de su imagen, mezclándola con la de sus compañeros caídos para crear un infierno realmente atractivo (si El Bosco levantara la cabeza).
The Israel Museum, Jerusalem hospeda actualmente una exposición sobre estos seres celestiales en la que podrás apreciar las diferentes estéticas según la época y la religión a la que se adscriben; se podrá visitar hasta el 3 de noviembre de este año. Pero si no tienes tiempo, también puedes llevarte a estos bondadosos —o terroríficos—seres a casa en forma de ebook.
Pero dejando fantasías infantiles a un lado, los ángeles han estado representados en el arte desde que el hombre es hombre (o, quizá mejor dicho, desde que dios es dios) y están presentes en las tres religiones del libro. Seguidores de las modas, heredaron sus alas la mitología griega y cambiaron sus vestimentas conforme a los gustos de cada época, desde el uniforme militar del principio (no olvidemos que son el ejército de dios) hasta las túnicas con que todos nosotros solemos imaginarlos.
Edward Burne-Jones, Un ángel tocando el fagot (detalle), c. 1878.
Témpera y pintura dorada sobre papel, 74,9 x 61,2 cm.
The National Museums and Galleries on Merseyside, Liverpool.
Carlo Saraceni, Santa Cecilia y el ángel, c.1610.
Óleo sobre lienzo, 172 x 139 cm.
Palazzo Barberini, Galleria Nazionale d’Arte Antica, Roma.
Estas criaturas divinas han traspasado a todas luces el campo de la religión y ahora las tenemos por todos lados: postales de San Valentín, imanes para la nevera, series anime, canciones, e incluso anuncios de desodorante o de queso crema, por no hablar de la adaptación que la subcultura gótica ha hecho de su imagen, mezclándola con la de sus compañeros caídos para crear un infierno realmente atractivo (si El Bosco levantara la cabeza).
The Israel Museum, Jerusalem hospeda actualmente una exposición sobre estos seres celestiales en la que podrás apreciar las diferentes estéticas según la época y la religión a la que se adscriben; se podrá visitar hasta el 3 de noviembre de este año. Pero si no tienes tiempo, también puedes llevarte a estos bondadosos —o terroríficos—seres a casa en forma de ebook.
Monday, July 23, 2012
Vollard y el desbordamiento de Picasso
Ambroise Vollard, considerado el principal marchante de arte contemporáneo de su generación, fue uno de esos hombres que se hacen a sí mismos. Llegó a París en 1887 sin apenas contactos ni referencias, pero su habilidad para los negocios y su visión artística le permitieron convertirse en el audaz impulsor de grandes artistas como Cézanne, Gauguin, Degas, van Gogh, Renoir, Bonnard, Vuillard y Picasso, que fueron subestimados en sus inicios.
Entre las arriesgadas operaciones que lo llevaron a ser quien fue, Vollard obsequió algunos cuadros a Pablo Picasso a cambio de una extensa colección de grabados que se conocen como la «Suite Vollard». Pocos son los museos que se pueden enorgullecer de poseer una serie completa de estos grabados. Por ello, el British Museum ha organizado la exposición «Picasso Prints. The Vollard Suite» para presentar al público los 100 grabados que ha conseguido reunir gracias a la generosa donación de la Hamish Parker Charitable Trust.*
Este «diario visual», de líneas sencillas y limpias y con un marcado estilo neoclásico, expresa los pensamientos, las ideas y las preocupaciones del que bien podría ser el artista más importante del siglo XX en la época en la que fueron realizados, entre 1930 y 1937. Con la guerra civil española como trasfondo, Picasso vivía en el castillo Boisgeloup, a las afueras de París, donde se dedicaba a realizar esculturas y a «hacer grandes cosas» junto a su musa y amante, la joven Marie-Thérèse Walter. Los grabados para Vollard reflejan la mitología personal del artista, que utiliza al minotauro, al toro-ganadero, como reflejo de sí mismo, de las emociones descontroladas y de la violencia y brutalidad que mueven el mundo.
La serie concluye con tres grabados del editor, sobre quien Picasso afirmó que «era un hombre tan vanidoso como una mujer», ya que «ni siquiera la mujer más bella del mundo había sido retratada con tanta asiduidad». En cualquier caso, este negocio no fue especialmente provechoso para Vollard, ya que falleció en un accidente de coche antes de que se realizaran todas las impresiones que había previsto.
Retrato de hombre con barba, Ambroise Vollard, 1937.
Grabado, placa 100 de la «Suite Vollard».
The British Museum, Londres.
Entre las arriesgadas operaciones que lo llevaron a ser quien fue, Vollard obsequió algunos cuadros a Pablo Picasso a cambio de una extensa colección de grabados que se conocen como la «Suite Vollard». Pocos son los museos que se pueden enorgullecer de poseer una serie completa de estos grabados. Por ello, el British Museum ha organizado la exposición «Picasso Prints. The Vollard Suite» para presentar al público los 100 grabados que ha conseguido reunir gracias a la generosa donación de la Hamish Parker Charitable Trust.*
Este «diario visual», de líneas sencillas y limpias y con un marcado estilo neoclásico, expresa los pensamientos, las ideas y las preocupaciones del que bien podría ser el artista más importante del siglo XX en la época en la que fueron realizados, entre 1930 y 1937. Con la guerra civil española como trasfondo, Picasso vivía en el castillo Boisgeloup, a las afueras de París, donde se dedicaba a realizar esculturas y a «hacer grandes cosas» junto a su musa y amante, la joven Marie-Thérèse Walter. Los grabados para Vollard reflejan la mitología personal del artista, que utiliza al minotauro, al toro-ganadero, como reflejo de sí mismo, de las emociones descontroladas y de la violencia y brutalidad que mueven el mundo.
La serie concluye con tres grabados del editor, sobre quien Picasso afirmó que «era un hombre tan vanidoso como una mujer», ya que «ni siquiera la mujer más bella del mundo había sido retratada con tanta asiduidad». En cualquier caso, este negocio no fue especialmente provechoso para Vollard, ya que falleció en un accidente de coche antes de que se realizaran todas las impresiones que había previsto.
Retrato de hombre con barba, Ambroise Vollard, 1937.
Grabado, placa 100 de la «Suite Vollard».
The British Museum, Londres.
Friday, June 29, 2012
Turner, Monet, Twombly: An Unlikely Trio
1700s, 1800s, 1900s. British, French, American. Romanticism, Impressionism, Symbolism. Looking at these stats, one might wonder what J.M.W. Turner, Claude Monet, and Cy Twombly have in common. Frankly, I’m still trying to work it out for myself.
Through the bulk of each of these artists’ careers, it is quite clear that their works have very little to absolutely nothing in common, causing one to wonder how on earth they’ve been grouped together in the first place. However, if you focus on the last twenty or so odd years of each other their lives, I suppose it is possible to see that Turner’s work slowly morphed into Impressionism, whether he intended it that way or not. While Twombly’s works, especially Blooming, delve into Impressionism with a focus on nature, clearly Monet’s forte.
Take these two paintings for example. I suppose one could, with their eyes crossed and squinting, relate Turner’s Rio San Luca to Monet’s San Giorgio (below).
J.M.W. Turner, The Rio San Luca alongside the Palazzo Grimani, with the Church of San Luca, c. 1840.
Gouache, pencil and watercolour on paper, 19.1 x 28.1 cm.
The Tate Gallery, London.
Claude Monet, San Giorgio Maggiore, 1908.
Oil on canvas, 59.2 x 81.2 cm.
National Museum Wales, Cardiff.
And maybe, one could close their left eye while squinting with the right and see the similarities Twombly has to offer, as in his Seasons collection:
Cy Twombly, Quattro Stagioni: Inverno, 1993-1994.
Acrylic, oil, and pencil on canvas, 322.9 x 230 cm.
The Tate Gallery, London.
If you ask me, Twombly should consider himself quite lucky to be grouped with such influential artists, while Turner and Monet should be questioning how this came to be and perhaps looking to sue on the grounds of libel, slander, and defamation. What do you think? Am I the crazy one?
Compare and contrast the works of these prolific artists at Tate Liverpool’s exhibition: Turner Monet Twombly: Later Paintings, on until 28 October 2012. Also, admire the works of Monet and Turner at home with these beautifully illustrated books on their lives and works Turner and Monet, both available in print and ebook format.
-Le Lorrain Andrews
Through the bulk of each of these artists’ careers, it is quite clear that their works have very little to absolutely nothing in common, causing one to wonder how on earth they’ve been grouped together in the first place. However, if you focus on the last twenty or so odd years of each other their lives, I suppose it is possible to see that Turner’s work slowly morphed into Impressionism, whether he intended it that way or not. While Twombly’s works, especially Blooming, delve into Impressionism with a focus on nature, clearly Monet’s forte.
Take these two paintings for example. I suppose one could, with their eyes crossed and squinting, relate Turner’s Rio San Luca to Monet’s San Giorgio (below).
J.M.W. Turner, The Rio San Luca alongside the Palazzo Grimani, with the Church of San Luca, c. 1840.
Gouache, pencil and watercolour on paper, 19.1 x 28.1 cm.
The Tate Gallery, London.
Claude Monet, San Giorgio Maggiore, 1908.
Oil on canvas, 59.2 x 81.2 cm.
National Museum Wales, Cardiff.
And maybe, one could close their left eye while squinting with the right and see the similarities Twombly has to offer, as in his Seasons collection:
Cy Twombly, Quattro Stagioni: Inverno, 1993-1994.
Acrylic, oil, and pencil on canvas, 322.9 x 230 cm.
The Tate Gallery, London.
If you ask me, Twombly should consider himself quite lucky to be grouped with such influential artists, while Turner and Monet should be questioning how this came to be and perhaps looking to sue on the grounds of libel, slander, and defamation. What do you think? Am I the crazy one?
Compare and contrast the works of these prolific artists at Tate Liverpool’s exhibition: Turner Monet Twombly: Later Paintings, on until 28 October 2012. Also, admire the works of Monet and Turner at home with these beautifully illustrated books on their lives and works Turner and Monet, both available in print and ebook format.
-Le Lorrain Andrews
Tuesday, June 26, 2012
Sistine Madonna, one of the oldest, but still among the most beautiful, women in the world
Raphael, everybody’s favourite Teenage Mutant Ninja Turtle.* His namesake, Italian Renaissance painter, Raphael is also a favourite of his period; he continues to be admired and sought after the world over.
Among his (the painter, of course) most famous works, The Parnassus (1511) and The Miraculous Draught of Fishes (1515), is the Sistine Madonna (below). This work, both simple and beautiful, still raises a lot of questions. Why is Mary’s face already one of concern, much like her general disposition when standing next to Christ on the Crucifix? What’s the deal with the ghostly images in the background – are they souls or cherubs? To whom is Saint Sixtus referring with his pointed finger? Is it the same person by whom Baby Jesus and Mary are entranced? And, most importantly, is Rafael turning over in his Pantheon grave at the idea of the two wistful cherubs, probably the least considered at the time of painting, becoming such a stylised and kitsch image of the 19th century and thereafter?
Raphael, Sistine Madonna, 1512–1513.
Oil on canvas, 269.5 x 201 cm.
Gemäldegalerie Alte Meister, Staatliche Kunstsammlungen, Dresden.
I certainly cannot answer any of these questions. However, I can imagine the splendour and awe that come with standing before Mary’s everlasting beauty and eternal posse. Who will meet me in Dresden?
See the Sistine Madonna and her iconic cherubs for yourself at the Gemäldegalerie Alte Meister exhibition of The Sistine Madonna: Raphael’s iconic painting turns 500, on until 26 August 2012. Also, cherish these images in print or on your e-reader with this Raphael ebook.
*Based on a poll of five people.
Among his (the painter, of course) most famous works, The Parnassus (1511) and The Miraculous Draught of Fishes (1515), is the Sistine Madonna (below). This work, both simple and beautiful, still raises a lot of questions. Why is Mary’s face already one of concern, much like her general disposition when standing next to Christ on the Crucifix? What’s the deal with the ghostly images in the background – are they souls or cherubs? To whom is Saint Sixtus referring with his pointed finger? Is it the same person by whom Baby Jesus and Mary are entranced? And, most importantly, is Rafael turning over in his Pantheon grave at the idea of the two wistful cherubs, probably the least considered at the time of painting, becoming such a stylised and kitsch image of the 19th century and thereafter?
Raphael, Sistine Madonna, 1512–1513.
Oil on canvas, 269.5 x 201 cm.
Gemäldegalerie Alte Meister, Staatliche Kunstsammlungen, Dresden.
I certainly cannot answer any of these questions. However, I can imagine the splendour and awe that come with standing before Mary’s everlasting beauty and eternal posse. Who will meet me in Dresden?
See the Sistine Madonna and her iconic cherubs for yourself at the Gemäldegalerie Alte Meister exhibition of The Sistine Madonna: Raphael’s iconic painting turns 500, on until 26 August 2012. Also, cherish these images in print or on your e-reader with this Raphael ebook.
*Based on a poll of five people.
Monday, June 18, 2012
...With one, we cannot have the other
Art of the Middle East is facing the same fate as the museums, works of art, and buildings that stood before World War II and, more recently, the Arab Spring. The Pearl Monument, formerly of Bahrain, was torn down by the Bahraini government last year because it was a point of interest for protestors. The Taliban has destroyed Buddhist art in Afghanistan, most specifically the Buddhas of Bamiyan in 2001. Already, works from Pakistan have been delayed in joining their counterparts in exhibitions, while important Egyptian pieces were left behind altogether amidst its revolution.
When will it end? When will the selfish pursuits of some stop affecting cultural preservation and future enlightenment? Is it only a matter of time until majesty of The Registan (from left to right below: Ulugh Beg Madrasah, Tilya-Kori Madrasah, and Sher-Dor Madrasah) of Samarkand is destroyed?
Visit remnants of historical Islamic art which still remain at The Metropolitan Museum of Art exhibition, Byzantium and Islam: Age of Transition, through 18 July 2012. Also, bring these images home in Central Asian Art and Art of Islam, which are available as both ebooks and print books.
-Le Lorrain Andrews
When will it end? When will the selfish pursuits of some stop affecting cultural preservation and future enlightenment? Is it only a matter of time until majesty of The Registan (from left to right below: Ulugh Beg Madrasah, Tilya-Kori Madrasah, and Sher-Dor Madrasah) of Samarkand is destroyed?
Visit remnants of historical Islamic art which still remain at The Metropolitan Museum of Art exhibition, Byzantium and Islam: Age of Transition, through 18 July 2012. Also, bring these images home in Central Asian Art and Art of Islam, which are available as both ebooks and print books.
-Le Lorrain Andrews
War and art...
War, what is it good for? An age old question to which I can say: certainly not preserving art or cultural artefacts, nor fostering an atmosphere which might encourage visitors despite the destruction and neglect of surrounding areas caused by war.
After developing an affinity for the images of mosques, madrasahs, and minarets of Central Asia, I find myself torn at the idea of crossing war paths to follow cultural trails.
Consider, for example, the seventh-century crisis in which Constantinople (now Istanbul) already faced with natural disasters and civil wars, as it struggled with religious and political strife. The Ottoman’s further decimated the already under-populated and decimated city in the 1300s, from which only a few items survived and are still available for view. The rest of the Byzantine works were destroyed, stolen, damaged, or simply “lost”.
A vast majority of Byzantine art was almost entirely concerned with religious expression which went on to have a significant impact on the art of the Italian Renaissance. What little art was left found itself in Russia, Serbia, and Greece. Featured below is a piece which remained in Constantinople/Istanbul which serves as a lasting example of the surviving art of Byzantium.
Christ Pantocrator (detail), 1280.
Deisis mosaic.
Hagia Sophia, Istanbul.
I’m pretty sure photos, paintings, and carvings will never do the wonder and beauty of what Byzantium once was, but can see some of what’s left for yourself at The Metropolitan Museum of Art’s Byzantium and Islam: Age of Transition exhibition through 18 July 2012. Furthermore, bring these images home in the form of this finely illustrated Byzantine Art ebook (also available in printed format).
-Le Lorrain Andrews
After developing an affinity for the images of mosques, madrasahs, and minarets of Central Asia, I find myself torn at the idea of crossing war paths to follow cultural trails.
Consider, for example, the seventh-century crisis in which Constantinople (now Istanbul) already faced with natural disasters and civil wars, as it struggled with religious and political strife. The Ottoman’s further decimated the already under-populated and decimated city in the 1300s, from which only a few items survived and are still available for view. The rest of the Byzantine works were destroyed, stolen, damaged, or simply “lost”.
A vast majority of Byzantine art was almost entirely concerned with religious expression which went on to have a significant impact on the art of the Italian Renaissance. What little art was left found itself in Russia, Serbia, and Greece. Featured below is a piece which remained in Constantinople/Istanbul which serves as a lasting example of the surviving art of Byzantium.
Christ Pantocrator (detail), 1280.
Deisis mosaic.
Hagia Sophia, Istanbul.
I’m pretty sure photos, paintings, and carvings will never do the wonder and beauty of what Byzantium once was, but can see some of what’s left for yourself at The Metropolitan Museum of Art’s Byzantium and Islam: Age of Transition exhibition through 18 July 2012. Furthermore, bring these images home in the form of this finely illustrated Byzantine Art ebook (also available in printed format).
-Le Lorrain Andrews
Thursday, June 7, 2012
Vendez votre âme au diable…
Qui n’a pas été effrayé, enfant, par « le monstre caché dans le placard » ou par la séquence de La Nuit sur le Mont-Chauve, dans Fantasia de Disney ? Qui n’a pas été impressionné, adulte, par les griffures sur le corps de Mia Farrow dans Rosemary’s Baby ou par la scène dans la cabine d’essayage dans L’Associé du diable ? Qui, enfin, peut oublier le visage de la jeune Linda Blair et la voix de Pazuzu après avoir vu L’Exorciste ?
Au xxe siècle, la religion chrétienne imprègne moins les croyances des individus que par le passé, et pourtant le diable semble nous obséder plus que jamais… En effet, le personnage du diable nourrit toujours l’imaginaire des romanciers, des auteurs de BD ou des réalisateurs.
Si le Moyen Âge et la Renaissance décrivaient souvent un diable effrayant et repoussant, le xixe siècle, avec les courants romantique et symboliste, en a fait un personnage dont toute la séduction réside dans ce subtil mélange entre répulsion et attirance…
Légende de gauche: Eugène Delacroix, Mephistopheles Flying Over Wittenberg, (Méphistophélès dans les Airs), 1828.
Bibliothèque nationale de France, Paris.
Légende de droite: Michael Pacher, "Saint Wolfgang and the Devil", panel of Pacher's "Fathers of the Church" altarpiece, (detail), c. 1483.
Alte Pinakothek, Munich.
De Gérard Philipe en Méphistophélès à Al Pacino en homme de pouvoir du New York contemporain, les exemples de diables séducteurs – et séduisants ! – ne manquent pas à notre époque… Suivez l’exemple de Marguerite… À votre tour de succomber…
Légende de gauche: Eugène Delacroix, Mephistopheles trying to seduce Marguerite, 1828.
Musée Delacroix, Paris.
Légende de droite: Gérard Philipe as Mephistopheles in René Clair's film La Beauté du diable, 1950.
Exorcisez vos peurs en visitant l’exposition Heaven, Hell, and Dying Well: Images of Death in the Middle Ages, au J. Paul Getty Museum jusqu’au 12 août 2012.
En attendant, signez vous aussi le pacte avec Satan et vendez-lui votre âme : l’e-book L’Art du Diable contient de superbes reproductions de très haute qualité !
Au xxe siècle, la religion chrétienne imprègne moins les croyances des individus que par le passé, et pourtant le diable semble nous obséder plus que jamais… En effet, le personnage du diable nourrit toujours l’imaginaire des romanciers, des auteurs de BD ou des réalisateurs.
Si le Moyen Âge et la Renaissance décrivaient souvent un diable effrayant et repoussant, le xixe siècle, avec les courants romantique et symboliste, en a fait un personnage dont toute la séduction réside dans ce subtil mélange entre répulsion et attirance…
Légende de gauche: Eugène Delacroix, Mephistopheles Flying Over Wittenberg, (Méphistophélès dans les Airs), 1828.
Bibliothèque nationale de France, Paris.
Légende de droite: Michael Pacher, "Saint Wolfgang and the Devil", panel of Pacher's "Fathers of the Church" altarpiece, (detail), c. 1483.
Alte Pinakothek, Munich.
De Gérard Philipe en Méphistophélès à Al Pacino en homme de pouvoir du New York contemporain, les exemples de diables séducteurs – et séduisants ! – ne manquent pas à notre époque… Suivez l’exemple de Marguerite… À votre tour de succomber…
Légende de gauche: Eugène Delacroix, Mephistopheles trying to seduce Marguerite, 1828.
Musée Delacroix, Paris.
Légende de droite: Gérard Philipe as Mephistopheles in René Clair's film La Beauté du diable, 1950.
Exorcisez vos peurs en visitant l’exposition Heaven, Hell, and Dying Well: Images of Death in the Middle Ages, au J. Paul Getty Museum jusqu’au 12 août 2012.
En attendant, signez vous aussi le pacte avec Satan et vendez-lui votre âme : l’e-book L’Art du Diable contient de superbes reproductions de très haute qualité !
Thursday, April 19, 2012
Turner: the Great Pretender?
Many artistic philosophers would claim that art is both born from and leads to inspiration. But when does taking inspiration become the theft of originality?
The National Gallery is currently exhibiting Turner Inspired: In Light of the Claude. Turner, typically associated with the name Claude Lorrain, was a self-confessed Claude admirer. Evidence declares that it was he who inspired Turner’s use of light in his landscape work. Take a look at the uncanny similarities between Turner’s Keelmen Heaving in Coals by Moonlight (top) and Claude’s Seaport with the Embarkation of the Queen of Sheba (bottom):
The following is also indicative of Turner’s penchant for replication. His Dutch Boats in a Gale (top) was painted as a pendant of Willem van de Velde the Younger’s earlier Ships on a Stormy Sea (bottom):
It seems Turner certainly has a flair for ‘drawing inspiration’ from artists that went before him. Scores of other Turner pieces directly correlate to various other artists, such as his Venus Reclining, which is an impression of Titian's Venus of Urbino simplified into light and blended colour, or his Pilate Washing His Hands, in which he shows Rembrandt's chiaroscuro treated in terms of rich colour.
Turner was no doubt an artistic genius and great artists must formulate their ideas based on the work they appreciate, but is there a line between inspiration and a loss of individualism? Did Turner’s focus on the style of other artists prevent him establishing his own originality?
What is your stance? Leave a comment or have your say on Facebook or Twitter.
The National Gallery is currently exhibiting Turner Inspired: In Light of the Claude. Turner, typically associated with the name Claude Lorrain, was a self-confessed Claude admirer. Evidence declares that it was he who inspired Turner’s use of light in his landscape work. Take a look at the uncanny similarities between Turner’s Keelmen Heaving in Coals by Moonlight (top) and Claude’s Seaport with the Embarkation of the Queen of Sheba (bottom):
The following is also indicative of Turner’s penchant for replication. His Dutch Boats in a Gale (top) was painted as a pendant of Willem van de Velde the Younger’s earlier Ships on a Stormy Sea (bottom):
It seems Turner certainly has a flair for ‘drawing inspiration’ from artists that went before him. Scores of other Turner pieces directly correlate to various other artists, such as his Venus Reclining, which is an impression of Titian's Venus of Urbino simplified into light and blended colour, or his Pilate Washing His Hands, in which he shows Rembrandt's chiaroscuro treated in terms of rich colour.
Turner was no doubt an artistic genius and great artists must formulate their ideas based on the work they appreciate, but is there a line between inspiration and a loss of individualism? Did Turner’s focus on the style of other artists prevent him establishing his own originality?
What is your stance? Leave a comment or have your say on Facebook or Twitter.
Thursday, March 29, 2012
Picasso: the Exhibition and the Ebook
As the exquisite Picasso and Modern British Art exhibition rages on in style at the Tate Britain, Parkstone International is delighted to present a lifelong souvenir of the event – Picasso, the ebook.
Similar to the exhibition itself, this convenient and excellent-quality title allows readers to take full advantage of Picasso’s glorious artwork, in a convenient digital format, allowing you to pop into Picasso’s gallery of masterpieces whenever you choose, and as many times as you’d like.
Pablo Picasso is among the most famous figures in 20th-century art, whose works serve as testament to the parallelism of his life and art, underlining the impact of important encounters and events. Tate Britain’s exhibition emphasizes Picasso’s influence of modern art in Britain, also featuring seven of “Picasso’s most brilliant British admirers”. Should you like to learn more about the exhibition, visit Tate Britain’s website for more information.
If you love art as much as you love books, this title will be an indispensable addition to your digital collection.
Similar to the exhibition itself, this convenient and excellent-quality title allows readers to take full advantage of Picasso’s glorious artwork, in a convenient digital format, allowing you to pop into Picasso’s gallery of masterpieces whenever you choose, and as many times as you’d like.
Pablo Picasso is among the most famous figures in 20th-century art, whose works serve as testament to the parallelism of his life and art, underlining the impact of important encounters and events. Tate Britain’s exhibition emphasizes Picasso’s influence of modern art in Britain, also featuring seven of “Picasso’s most brilliant British admirers”. Should you like to learn more about the exhibition, visit Tate Britain’s website for more information.
If you love art as much as you love books, this title will be an indispensable addition to your digital collection.
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