¿Quién ha oído hablar de David Robert Jones? Mejor reformulo la pregunta: ¿quién ha oído hablar de David Bowie? Seguro que ahora alguno más ha levantado la mano. Es uno de esos músicos que puede gustarte o no, pero al que seguro que eres capaz de imaginarte en más de una de sus múltiples versiones. El adjetivo más utilizado para referirse a él debe de ser “camaleónico” (no por nada una de sus canciones más célebres se titula “Changes”).
Su fama trasciende lo meramente musical desde que a principios de los 70 creara el personaje de Ziggy Stardust, un alter ego cuya imagen es, seguramente, una de las primeras que nos vienen a la cabeza al pensar en el cantante.
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Wednesday, June 19, 2013
¿Quién eres, David Bowie?
Saturday, June 8, 2013
Rad fads & turbulent times
We might all be able to agree that most of the world is a mess. The Americas and Europe have taken a ginormous step back in terms of production, innovation, and general flourishing. Many of our nations and states are in obscene debt which appears to be stagnant or rising and there is no end in sight.
So then, what should be next? Vampires and Zombies aren’t getting us anywhere
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Tuesday, January 15, 2013
Musings... and Matisse
How does one gain immortality these days? No, this is actually a serious question! For the Ancient Egyptians, they took the important person’s corpse, removed the intestines and the other major decomposable parts (excepting the heart of course... every rookie embalmer knows that!), dried the body out with natron*, stuffed it with sawdust, wrapped it in linen, placed it in a couple of coffins, and then put it inside a large sarcophagus**. Easy. Then, they left the now-mummified body, erected a gigantic marking stone (obviously why the pyramids were built), and voila: today practically everybody and their grandmother knows the name of Tutankhamen. Not bad for a 5,000 year-old mummy!
However, in today’s society many people like to achieve fame, notoriety, and assurance of impending immortality (or at least of an immortalised image) whilst they’re still alive. I know, weird, right?! Thus, we are faced with the likes of Paris Hilton and Kim Kardashian (congratulations on the baby news by the way).
Johannes Vermeer
Girl with a Pearl Earring, c. 1665.
Oil on canvas, 44.5 x 39 cm.
Mauritshuis, The Hague.
Then again, some people achieve fame, notoriety, and assurance of immortality quite involuntarily. How? You might legitimately be wondering. Well, by serving as a muse. For instance, where would Leonardo da Vinci be without the woman who sat for the Mona Lisa? The mysterious girl who was the inspiration for Vermeer’s Girl with a Pearl Earring –brought to further recognition with the 2003 film of the same name, portrayed as she was by Scarlett Johansson. The actress has also been a muse in her own right: to Woody Allen. What started out as collaboration for Match Point (2005), evolved into further collaborations for Scoop (2006), and the lauded Vicky Christina Barcelona (2008). Speaking of Woody Allen, he is the modern master of the muse. Who could forget Dianne Keaton in Annie Hall (1977), or Mia Farrow in Alice (1990)?
In recent art history, Andy Warhol’s great and troubled muse Edie Sedgwick appeared in many of his short films, whilst Kate Moss has become one of art and fashion’s greatest muses. Of greatest note perhaps are the works she inspired from Lucian Freud, Chuck Close, and Banksy.
Henri Matisse
The Italian Woman (L'Italienne)
1916.
Oil on canvas, 116.7 x 89.5 cm.
Solomon R. Guggenheim Museum, New York
Be that as it may, perhaps one of the most under-appreciated muses of art history is Matisse’s muse: Lorette. Before Lorette, Matisse was often to be found painting still life and landscapes. Lorette provided the inspiration for Matisse to develop a rich and flowing colour palette and sense of line. An increased intimacy with the subject can also be seen; over the period of 7-8 months of Lorette’s modelling for Matisse, we see her expressions change from wary to inviting. With this professional Italian model, Matisse was ready to abandon abstractionism. After painting Lorette around fifty times during the months that she modelled for him, he took his habit of obsessive painting with him to his future collaborations with models.
Henri Matisse
Lorette in a green dress on black background
I believe that it truly can be said that without the influence of Lorette, Matisse might well not have evolved into the same famed and revered artist that we know today. And Lorette? We do not know what became of her, but she is certainly recognised today – and all because of the fact that she was Matisse’s muse.
*Fun fact: did you know natron is 17% baking soda? Kids: Do not try this at home!
** Disclaimer: This is not a step-by-step guide on how to mummify someone in case you were wondering.
To view more of Matisse’s muses, and to see how they influenced his painting, check out the Metropolitan Museum, New York. The exhibition Matisse: In Search of True Paintings is being held until March 17th 2013. If New York is a little out of the budget, don’t fear! The books Flowers and Still Life by Victoria Charles chart several masters’ work on the subjects, including that of Matisse. Familiarise yourself with the abstract and the use of line, to fully understand and appreciate the brilliant early work of Matisse.
However, in today’s society many people like to achieve fame, notoriety, and assurance of impending immortality (or at least of an immortalised image) whilst they’re still alive. I know, weird, right?! Thus, we are faced with the likes of Paris Hilton and Kim Kardashian (congratulations on the baby news by the way).
Johannes Vermeer
Girl with a Pearl Earring, c. 1665.
Oil on canvas, 44.5 x 39 cm.
Mauritshuis, The Hague.
Then again, some people achieve fame, notoriety, and assurance of immortality quite involuntarily. How? You might legitimately be wondering. Well, by serving as a muse. For instance, where would Leonardo da Vinci be without the woman who sat for the Mona Lisa? The mysterious girl who was the inspiration for Vermeer’s Girl with a Pearl Earring –brought to further recognition with the 2003 film of the same name, portrayed as she was by Scarlett Johansson. The actress has also been a muse in her own right: to Woody Allen. What started out as collaboration for Match Point (2005), evolved into further collaborations for Scoop (2006), and the lauded Vicky Christina Barcelona (2008). Speaking of Woody Allen, he is the modern master of the muse. Who could forget Dianne Keaton in Annie Hall (1977), or Mia Farrow in Alice (1990)?
In recent art history, Andy Warhol’s great and troubled muse Edie Sedgwick appeared in many of his short films, whilst Kate Moss has become one of art and fashion’s greatest muses. Of greatest note perhaps are the works she inspired from Lucian Freud, Chuck Close, and Banksy.
Henri Matisse
The Italian Woman (L'Italienne)
1916.
Oil on canvas, 116.7 x 89.5 cm.
Solomon R. Guggenheim Museum, New York
Be that as it may, perhaps one of the most under-appreciated muses of art history is Matisse’s muse: Lorette. Before Lorette, Matisse was often to be found painting still life and landscapes. Lorette provided the inspiration for Matisse to develop a rich and flowing colour palette and sense of line. An increased intimacy with the subject can also be seen; over the period of 7-8 months of Lorette’s modelling for Matisse, we see her expressions change from wary to inviting. With this professional Italian model, Matisse was ready to abandon abstractionism. After painting Lorette around fifty times during the months that she modelled for him, he took his habit of obsessive painting with him to his future collaborations with models.
Henri Matisse
Lorette in a green dress on black background
I believe that it truly can be said that without the influence of Lorette, Matisse might well not have evolved into the same famed and revered artist that we know today. And Lorette? We do not know what became of her, but she is certainly recognised today – and all because of the fact that she was Matisse’s muse.
*Fun fact: did you know natron is 17% baking soda? Kids: Do not try this at home!
** Disclaimer: This is not a step-by-step guide on how to mummify someone in case you were wondering.
To view more of Matisse’s muses, and to see how they influenced his painting, check out the Metropolitan Museum, New York. The exhibition Matisse: In Search of True Paintings is being held until March 17th 2013. If New York is a little out of the budget, don’t fear! The books Flowers and Still Life by Victoria Charles chart several masters’ work on the subjects, including that of Matisse. Familiarise yourself with the abstract and the use of line, to fully understand and appreciate the brilliant early work of Matisse.
Tuesday, November 13, 2012
Warhol, peintre démocrate ?
Andy Warhol est sans doute le peintre qui symbolise le plus l’art américain aux yeux des Européens. Aujourd’hui Barack Obama est devenu le symbole de l’Amérique contemporaine. Comment s’empêcher de leur trouver des points communs ?
Obama, président démocrate tout juste réélu, proche du peuple et issu des minorités sociales. Warhol, fils d’émigrés d’Europe de l’est, maladif et isolé par la société étant enfant. Leurs origines sociales ne leur promettaient pas forcément un bel avenir, mais tous deux sont parvenus à incarner le rêve américain.
Warhol possède deux facettes qui auraient sans doute fait de lui le « peintre officiel » de la victoire d’Obama. Avec ses boîtes de soupe pas chère, ses bouteilles de Coca-cola et ses reproductions de caddys remplis d’aliments typiquement américains, il s’est indéniablement intéressé aux classes populaires et à leurs conditions de vie, à la représentation de l’American Way of Life. À l’opposé une grande partie de son œuvre représente les stars, hommes et femmes de pouvoir dans le cinéma ou la politique des années 60 et 70. Pour commémorer la victoire d’Obama cette semaine, nous aurions certainement dans quelques semaines un de ses fameux portraits Pop en couleurs !
Andy Warhol, Campbell’s Soup Can (Turkey Noodle), 1962.
Sérigraphie sur toile, 51 x 40,6 cm.
Collection Sonnabend.
Andy Warhol, Bouteilles de Coca-Cola vertes, 1962.
Polymère synthétique, sérigraphie et crayon sur toile, 209,2 × 144,8 cm.
Whitney Museum of American Art, New York.
Si vous voulez vous rapprocher du rêve américain, allez au Metropolitan Museum of Art de New York qui présente une exposition sur Warhol et des artistes contemporains, Sixty Artists, Fifty Years. Vous pouvez aussi simplement parcourir les livres sur Warhol par Éric Shanes et Gerry Souter.
Obama, président démocrate tout juste réélu, proche du peuple et issu des minorités sociales. Warhol, fils d’émigrés d’Europe de l’est, maladif et isolé par la société étant enfant. Leurs origines sociales ne leur promettaient pas forcément un bel avenir, mais tous deux sont parvenus à incarner le rêve américain.
Warhol possède deux facettes qui auraient sans doute fait de lui le « peintre officiel » de la victoire d’Obama. Avec ses boîtes de soupe pas chère, ses bouteilles de Coca-cola et ses reproductions de caddys remplis d’aliments typiquement américains, il s’est indéniablement intéressé aux classes populaires et à leurs conditions de vie, à la représentation de l’American Way of Life. À l’opposé une grande partie de son œuvre représente les stars, hommes et femmes de pouvoir dans le cinéma ou la politique des années 60 et 70. Pour commémorer la victoire d’Obama cette semaine, nous aurions certainement dans quelques semaines un de ses fameux portraits Pop en couleurs !
Andy Warhol, Campbell’s Soup Can (Turkey Noodle), 1962.
Sérigraphie sur toile, 51 x 40,6 cm.
Collection Sonnabend.
Andy Warhol, Bouteilles de Coca-Cola vertes, 1962.
Polymère synthétique, sérigraphie et crayon sur toile, 209,2 × 144,8 cm.
Whitney Museum of American Art, New York.
Si vous voulez vous rapprocher du rêve américain, allez au Metropolitan Museum of Art de New York qui présente une exposition sur Warhol et des artistes contemporains, Sixty Artists, Fifty Years. Vous pouvez aussi simplement parcourir les livres sur Warhol par Éric Shanes et Gerry Souter.
Tuesday, October 16, 2012
Andy Warhol - Masse oder Klasse?
Gestapelte Pizzakartons und zu Pyramiden aufgetürmte leere Bierdosen sich das typische, an Studenten-WGs haftende Klischee – anstelle eines halbwegs akzeptablen Abendessens wird da schnell mal eine Dose geöffnet. Die gestapelten Dosen des Pop-Art-Künstlers Andy Warhols (1928-1987) erinnern jedoch nur auf den ersten Blick an unaufgeräumte Junggesellenbuden, zu akkurat sind die Dosen aufeinandergestapelt, jedes Cover genau dem Betrachter zugedreht.
Andy Warhol, 100 Campbell’s Soup Cans, 1962.
Kasein, Acryl und Bleistift auf Leinwand, 183,5 × 132,3 cm.
Museum für Moderne Kunst, Frankfurt am Main.
Warhol, der als Begründer und wichtigster Vertreter der in den 1960er Jahren entstandenen Bewegung der Pop-Art gilt, versetzt uns mit seinem Werk 100 Campbell’s Soup Cans in die Welt eines penibel sortierten Supermarktes, vollgepackt mit in Massenproduktion hergestellten Dosensuppen. Der Supermarkt als wichtiger, da häufig aufgesuchter Ort des Großstadtlebens und seine Waren werden nicht nur durch Warhol künstlerisch in Szene gesetzt. Die Pop-Art-Künstler isolieren triviale Alltagsgegenstände und machen sie zu ihren Bildmotiven, entbinden sie so von ihrer Alltäglichkeit und werten sie auf zu Kunst. Durch die Isolation der Alltagsobjekte und die flächige Inszenierung vor einem einfarbigen Hintergrund wirken die Werke steril. Was fehlt sind die Gebrauchsspuren, das natürliche Durcheinander, die Fingerabdrücke, die wir zeit unseres Lebens auf allem hinterlassen.
In dieser Hinsicht erinnern sie an die fotorealistischen Pappwelten des 1964 in München geborenen Bildhauers und Fotografen Thomas Demand, der ähnlich wie Warhol Bilder des kollektiven Gedächtnisses verwendet, die er dann aus Pappe maßstabsgetreu, lebens- oder überlebensgroß nachbaut. Durch eine ausgefeilte Lichttechnik erscheinen die so entstandenen Trugwelten auf seinen Fotografien derart realistisch, dass der Betrachter zwischen „echt“ und Reproduktion kaum noch unterscheiden kann. Nur die fehlenden Gebrauchsspuren und die Menschenleere seiner Interieure lässt den Betrachter misstrauisch werden.
Bei Warhol sind zwar Alltagsgegenstände abgebildet, aber derart verfremdet, dass die Frage nach „echt“ und Reproduktion eindeutig ausfällt: So realistisch insbesondere die Suppendosen aussehen mögen, die starken schwarzen Konturen, die knalligen Farben und die Flächigkeit der Werke erinnern an Comic-Stripes oder Werbeplakate. Seine vielen Porträts gefeierter Persönlichkeiten, wie Marilyn Monroe, Jackie Kennedy und Elvis Presley, wirken geradezu entmenschlicht. Nicht anders als bei Supermarktwaren geht es auch bei den „Celebrities“ um Image und Vermarktung. In einer Welt der Massenware wird neben der Kunst so der Mensch selbst zu einer Ware, die es zu verkaufen gilt. Und als gelernter Werbegrafiker verstand es Warhol, seine Kunst und auch sich selbst gekonnt zu vermarkten. In seinem Atelier, das er „Die Fabrik“ nannte, stellte er unter Mitarbeit mehrerer Gehilfen oft ganze Serien desselben Motives her.
Die Frage, ob sein Werk nun mehr Masse oder Klasse ist, muss jeder für sich selbst beantworten, feststeht aber, dass Warhol die Kunst revolutionierte, indem er immer wieder bewusst auf die Grenze zwischen Kunst und Kommerz anspielte und diese schließlich mit Erfolg untergrub. Denn wer weiß, ob wir ohne Warhols Pionierarbeit heute einen Begriff wie „Werbekunst“ akzeptieren würden.
Obwohl Kunstkritiker bereits seit Jahrzehnten feststellen, dass Warhol einen enormen Einfluss auf die zeitgenössische Kunst ausübt, gab es bisher noch keine Ausstellung, die diesen Einfluss im vollen Umfang aufzeigen konnte. Noch bis zum Ende dieses Jahres ist dies daher das erklärte Ziel der Ausstellung Regarding Warhol: 60 artists, 50 years im The Metropolitan Museum of Art in New York. Rund 45 Werke Warhols sind hier etwa hundert Werken von 60 Künstlern verschiedener Generationen gegenübergestellt und laden zur Spurensuche ein.
Bevor Sie sich aber auf Warhols Spuren begeben, sollten Sie als Vorbereitung einen Blick in den als gedrucktes und digitales Werk erhältlichen Titel Warhol des Verlags Parkstone-International werfen, mit seiner Vielzahl qualitativ hochwertiger Farbabbildungen liefert dieser einen umfangreichen Einblick in das Leben und Werk des Künstlers und hilft Ihnen mit Sicherheit bei der nur individuell zu beantwortenden Frage „Masse oder Klasse?“
http://www.metmuseum.org/exhibitions/listings/2012/regarding-warhol
-C.Schmidt
Andy Warhol, 100 Campbell’s Soup Cans, 1962.
Kasein, Acryl und Bleistift auf Leinwand, 183,5 × 132,3 cm.
Museum für Moderne Kunst, Frankfurt am Main.
Warhol, der als Begründer und wichtigster Vertreter der in den 1960er Jahren entstandenen Bewegung der Pop-Art gilt, versetzt uns mit seinem Werk 100 Campbell’s Soup Cans in die Welt eines penibel sortierten Supermarktes, vollgepackt mit in Massenproduktion hergestellten Dosensuppen. Der Supermarkt als wichtiger, da häufig aufgesuchter Ort des Großstadtlebens und seine Waren werden nicht nur durch Warhol künstlerisch in Szene gesetzt. Die Pop-Art-Künstler isolieren triviale Alltagsgegenstände und machen sie zu ihren Bildmotiven, entbinden sie so von ihrer Alltäglichkeit und werten sie auf zu Kunst. Durch die Isolation der Alltagsobjekte und die flächige Inszenierung vor einem einfarbigen Hintergrund wirken die Werke steril. Was fehlt sind die Gebrauchsspuren, das natürliche Durcheinander, die Fingerabdrücke, die wir zeit unseres Lebens auf allem hinterlassen.
In dieser Hinsicht erinnern sie an die fotorealistischen Pappwelten des 1964 in München geborenen Bildhauers und Fotografen Thomas Demand, der ähnlich wie Warhol Bilder des kollektiven Gedächtnisses verwendet, die er dann aus Pappe maßstabsgetreu, lebens- oder überlebensgroß nachbaut. Durch eine ausgefeilte Lichttechnik erscheinen die so entstandenen Trugwelten auf seinen Fotografien derart realistisch, dass der Betrachter zwischen „echt“ und Reproduktion kaum noch unterscheiden kann. Nur die fehlenden Gebrauchsspuren und die Menschenleere seiner Interieure lässt den Betrachter misstrauisch werden.
Bei Warhol sind zwar Alltagsgegenstände abgebildet, aber derart verfremdet, dass die Frage nach „echt“ und Reproduktion eindeutig ausfällt: So realistisch insbesondere die Suppendosen aussehen mögen, die starken schwarzen Konturen, die knalligen Farben und die Flächigkeit der Werke erinnern an Comic-Stripes oder Werbeplakate. Seine vielen Porträts gefeierter Persönlichkeiten, wie Marilyn Monroe, Jackie Kennedy und Elvis Presley, wirken geradezu entmenschlicht. Nicht anders als bei Supermarktwaren geht es auch bei den „Celebrities“ um Image und Vermarktung. In einer Welt der Massenware wird neben der Kunst so der Mensch selbst zu einer Ware, die es zu verkaufen gilt. Und als gelernter Werbegrafiker verstand es Warhol, seine Kunst und auch sich selbst gekonnt zu vermarkten. In seinem Atelier, das er „Die Fabrik“ nannte, stellte er unter Mitarbeit mehrerer Gehilfen oft ganze Serien desselben Motives her.
Die Frage, ob sein Werk nun mehr Masse oder Klasse ist, muss jeder für sich selbst beantworten, feststeht aber, dass Warhol die Kunst revolutionierte, indem er immer wieder bewusst auf die Grenze zwischen Kunst und Kommerz anspielte und diese schließlich mit Erfolg untergrub. Denn wer weiß, ob wir ohne Warhols Pionierarbeit heute einen Begriff wie „Werbekunst“ akzeptieren würden.
Obwohl Kunstkritiker bereits seit Jahrzehnten feststellen, dass Warhol einen enormen Einfluss auf die zeitgenössische Kunst ausübt, gab es bisher noch keine Ausstellung, die diesen Einfluss im vollen Umfang aufzeigen konnte. Noch bis zum Ende dieses Jahres ist dies daher das erklärte Ziel der Ausstellung Regarding Warhol: 60 artists, 50 years im The Metropolitan Museum of Art in New York. Rund 45 Werke Warhols sind hier etwa hundert Werken von 60 Künstlern verschiedener Generationen gegenübergestellt und laden zur Spurensuche ein.
Bevor Sie sich aber auf Warhols Spuren begeben, sollten Sie als Vorbereitung einen Blick in den als gedrucktes und digitales Werk erhältlichen Titel Warhol des Verlags Parkstone-International werfen, mit seiner Vielzahl qualitativ hochwertiger Farbabbildungen liefert dieser einen umfangreichen Einblick in das Leben und Werk des Künstlers und hilft Ihnen mit Sicherheit bei der nur individuell zu beantwortenden Frage „Masse oder Klasse?“
http://www.metmuseum.org/exhibitions/listings/2012/regarding-warhol
-C.Schmidt
Warhol, un estratega de la imagen
¿Qué tienen en común Miguel Ángel, Rafael, Marcel Duchamp, Hopper, Alberto Durero, Leonardo da Vinci, Alphonse Mucha, Caravaggio, Rembrandt, Velázquez, Renoir y J. M. W. Turner, entre otros? Todos ellos han sido clasificados como «el artista más influyente» de un período histórico, de un movimiento, de un grupo artístico, de un país... No obstante, parece que ya se han cubierto todas las categorías posibles y los genios revolucionarios pululan de tal forma que cada vez se deben acotar más los radios de influencia. Así, la nueva exposición del MET, «Regarding Warhol: Sixty Artists, Fifty Years», nos plantea la pregunta de si Andy Warhol fue el artista más influyente del último medio siglo, esto es, de los últimos cincuenta años... ¿Cincuenta años? ¿Qué será lo próximo? ¿El primer cuarto del siglo XXI? ¿Los tres años que siguieron al 2001? ¿La primera mitad del mes de enero del 2009? ¿Los días previos al 21 de diciembre de este año? (Desde luego, puestos a seleccionar, en los dos últimos meses, pocos artistas han tenido la resonancia de la señora Cecilia de Borja).
Andy Warhol vaticinó que, en el futuro, todo el mundo tendría sus 15 minutos de fama, e iba bien encaminado con respecto a la televisión, pero se quedó algo corto. En la era de Internet, todos se esfuerzan por tener su «minuto de gloria» y pronto será preciso disputarse cada segundo de atención pública... No sé qué opinaría Warhol de la situación actual, pero no cabe duda de que se sentiría muy satisfecho de la presencia e impronta de su legado en este siglo XXI que estrenamos hace no tanto. Al fin y al cabo, se sentía fascinado por el arte como lucro.
Uno de los motivos por los que el MET limita su influencia a medio siglo es que la soberanía del panorama artístico del siglo XX se ha atribuido a Picasso de forma casi unánime (y que conste que he dicho «casi»). Se dice que cuando Warhol supo que Picasso dejó a su muerte un patrimonio de 4.000 obras, decidió que su vocación sería convertirse en «artista por número de páginas» para igualar de esa forma la labor creadora de imágenes de Picasso. Si bien no tenía la hiperactividad (y muchos dirán que tampoco lo acompañaba el genio) del malagueño, lo cierto es que sólo hay que prestar un poco de atención para ver que la huella de Warhol está en todas partes. Una de las cosas que más le maravillaba de Estados Unidos, según afirmaba en su libro Mi filosofía de A a B y de B a A, era que «los consumidores más ricos compran esencialmente las mismas cosas que los más pobres» y le fascinaba la Coca-Cola porque la que bebe el mendigo de la esquina es tan buena como la que se puedan tomar Amancio Ortega o Paris Hilton. Por ello, se apropió de la Coca-Cola y, al hacerlo, consiguió acercar el arte a todo el mundo.
Green Coca-Cola Bottles (Botellas verdes de Coca-Cola), 1962.
Seda, acrílico y grafito sobre lienzo, 209,2 x 144,8 cm.
Whitney Museum of American Art, Nueva York.
© 2012 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / Artists Rights Society (ARS), Nueva York
El MET explora cinco facetas temáticas de Warhol: su fascinación por las imágenes cotidianas, el consumismo banal, el auge de los sensacionalismos; las celebridades y los protagonistas de las crónicas de papel cuché; la crudeza y la importancia de la sexualidad; la reubicación de objetos cotidianos en series infinitas; y la colaboración artística con otros creadores y la fascinación por crear entornos que envolvieran al espectador. Para ello, toma las obras de sus epígonos y permite que los visitantes asistan al diálogo que se establece entre todas ellas; un diálogo «pop» que ha cumplido ya los cincuenta y que, previsiblemente, tendrá una vida longeva y (esperemos) controvertida, genial, lunática y arrebatadora.
Warhol fue un observador incansable, mordaz, crítico, que se propuso cambiar el arte. La decisión de si lo logró o no, te la dejo a ti (no me gustaría robarte tu segundo de estrellato). Las puertas de la exposición de Nueva York estarán abiertas hasta el 31 de diciembre y, si no te puedes pasar por allí, este ebook de Gerry Souter está a tu disposición allí donde estés.
Andy Warhol vaticinó que, en el futuro, todo el mundo tendría sus 15 minutos de fama, e iba bien encaminado con respecto a la televisión, pero se quedó algo corto. En la era de Internet, todos se esfuerzan por tener su «minuto de gloria» y pronto será preciso disputarse cada segundo de atención pública... No sé qué opinaría Warhol de la situación actual, pero no cabe duda de que se sentiría muy satisfecho de la presencia e impronta de su legado en este siglo XXI que estrenamos hace no tanto. Al fin y al cabo, se sentía fascinado por el arte como lucro.
Uno de los motivos por los que el MET limita su influencia a medio siglo es que la soberanía del panorama artístico del siglo XX se ha atribuido a Picasso de forma casi unánime (y que conste que he dicho «casi»). Se dice que cuando Warhol supo que Picasso dejó a su muerte un patrimonio de 4.000 obras, decidió que su vocación sería convertirse en «artista por número de páginas» para igualar de esa forma la labor creadora de imágenes de Picasso. Si bien no tenía la hiperactividad (y muchos dirán que tampoco lo acompañaba el genio) del malagueño, lo cierto es que sólo hay que prestar un poco de atención para ver que la huella de Warhol está en todas partes. Una de las cosas que más le maravillaba de Estados Unidos, según afirmaba en su libro Mi filosofía de A a B y de B a A, era que «los consumidores más ricos compran esencialmente las mismas cosas que los más pobres» y le fascinaba la Coca-Cola porque la que bebe el mendigo de la esquina es tan buena como la que se puedan tomar Amancio Ortega o Paris Hilton. Por ello, se apropió de la Coca-Cola y, al hacerlo, consiguió acercar el arte a todo el mundo.
Green Coca-Cola Bottles (Botellas verdes de Coca-Cola), 1962.
Seda, acrílico y grafito sobre lienzo, 209,2 x 144,8 cm.
Whitney Museum of American Art, Nueva York.
© 2012 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / Artists Rights Society (ARS), Nueva York
El MET explora cinco facetas temáticas de Warhol: su fascinación por las imágenes cotidianas, el consumismo banal, el auge de los sensacionalismos; las celebridades y los protagonistas de las crónicas de papel cuché; la crudeza y la importancia de la sexualidad; la reubicación de objetos cotidianos en series infinitas; y la colaboración artística con otros creadores y la fascinación por crear entornos que envolvieran al espectador. Para ello, toma las obras de sus epígonos y permite que los visitantes asistan al diálogo que se establece entre todas ellas; un diálogo «pop» que ha cumplido ya los cincuenta y que, previsiblemente, tendrá una vida longeva y (esperemos) controvertida, genial, lunática y arrebatadora.
Warhol fue un observador incansable, mordaz, crítico, que se propuso cambiar el arte. La decisión de si lo logró o no, te la dejo a ti (no me gustaría robarte tu segundo de estrellato). Las puertas de la exposición de Nueva York estarán abiertas hasta el 31 de diciembre y, si no te puedes pasar por allí, este ebook de Gerry Souter está a tu disposición allí donde estés.
Fifteen Minutes of Fame
Andy Warhol is easily one of the most interesting people to have ever lived. I say this having known next to nothing about him other than his over-exposed, colourful reproductions of 1960s-1980s popular culture, all of which I found excessive, superficial, and ridiculous, up until two hours ago.
Screened in accordance with Warhol’s long-time lunchtime devotion to the brand.
Andy Warhol, Campbell’s Soup Can (Turkey Noodle), 1962.
Silkscreen ink on canvas, 51 x 40.6 cm.
Sonnabend collection.
But wasn’t that essentially his intention, to explore popular culture? Spending most of his time at home as a young child and teenager, Warhol listened to the radio (and the adverts) and collected photos of film stars; he was greatly influenced by the growing popular culture of the 1950s. Starting his career as a commercial illustrator should come as no surprise to anyone, nor should the fact that, unlike other artists, he basked in the spotlight of fame that came from the success of his commercial art.
Screened for his appreciation of the wide-spread appeal of Coca-Cola – for the rich as well as the poor!
Andy Warhol, Green Coca-Cola Bottles, 1962.
Synthetic polymer, silkscreen ink, and graphite on canvas, 209.2 × 144.8 cm.
Whitney Museum of American Art, New York.
Endlessly and un-sarcastically praising the plasticity of Hollywood, I’m convinced all Warhol wanted was his “fifteen minutes of fame” (did you know he coined that?). Little could he have ever imagined we’d still be fawning over his bright colours, cow motifs, and his Pope of Pop-(Art)dom over twenty years after his death. Though I think he’d be less impressed with the reality of what “fifteen minutes of fame” has afforded us by way of reality television (Jersey Shore and Honey Boo Boo, anyone?).
What are you waiting for? Get over to the Met now through year’s end to see Sixty Artists, Fifty Years and relish in the expansion of Pop Art over the years. Then, get these ebooks for a little at-home inspiration: Warhol by Eric Shanes and Warhol by Gerry Souter.
-Le Lorrain Andrews
Screened in accordance with Warhol’s long-time lunchtime devotion to the brand.
Andy Warhol, Campbell’s Soup Can (Turkey Noodle), 1962.
Silkscreen ink on canvas, 51 x 40.6 cm.
Sonnabend collection.
But wasn’t that essentially his intention, to explore popular culture? Spending most of his time at home as a young child and teenager, Warhol listened to the radio (and the adverts) and collected photos of film stars; he was greatly influenced by the growing popular culture of the 1950s. Starting his career as a commercial illustrator should come as no surprise to anyone, nor should the fact that, unlike other artists, he basked in the spotlight of fame that came from the success of his commercial art.
Screened for his appreciation of the wide-spread appeal of Coca-Cola – for the rich as well as the poor!
Andy Warhol, Green Coca-Cola Bottles, 1962.
Synthetic polymer, silkscreen ink, and graphite on canvas, 209.2 × 144.8 cm.
Whitney Museum of American Art, New York.
Endlessly and un-sarcastically praising the plasticity of Hollywood, I’m convinced all Warhol wanted was his “fifteen minutes of fame” (did you know he coined that?). Little could he have ever imagined we’d still be fawning over his bright colours, cow motifs, and his Pope of Pop-(Art)dom over twenty years after his death. Though I think he’d be less impressed with the reality of what “fifteen minutes of fame” has afforded us by way of reality television (Jersey Shore and Honey Boo Boo, anyone?).
What are you waiting for? Get over to the Met now through year’s end to see Sixty Artists, Fifty Years and relish in the expansion of Pop Art over the years. Then, get these ebooks for a little at-home inspiration: Warhol by Eric Shanes and Warhol by Gerry Souter.
-Le Lorrain Andrews
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