Please Deceive Me

We love trickery. Or rather, we love the quest for innovation, the unexpected, and the impossible. When the impossible turns out to be, well, impossible, then we settle for illusion.

Three Girls Harry Pottering
http://www.directmatin.fr/insolite/2013-04-08/pottering-les-fans-dharry-potter-et-leurs-balais-regnent-sur-le-web-435466
Direct Matin.fr
“Pottering: Les Fans d’Harry Potter et Leurs Balais Règnent Sur le Web”
08/04/2013

What better way to explain the success of Harry Houdini, David Blaine, David Copperfield, and illusion within photography (check out the Huffington Post for some really trippy images)? Of course, Photoshop is the bee’s knees, or so they say, when it comes to manipulating an image to give you a photo which deceives the eye and makes you say Wow! Or is it?

Whilst Photoshop may be a handy tool for touching up images, getting rid of that pesky red-eye, brightening or dimming an image, etc, I believe that not all associations with this programme are positive. For example, when Kate Winslet appeared on the cover of Harper’s Bazaar in 2011, people were quick to jump in with their disgruntled opinions – outrage even – that the magazine would so blatantly alter a proudly curvaceous celebrity in such a manner. However, this is only one example of a long list: Andy Roddick on the cover of Men’s Fitness in 2007, Beyonce in her L’Oreal advertising campaign, Demi Lovato on the cover of Cosmo, and even Kate Middleton for the Royal Wedding issue of Grazia, to name just a few. Faced with an improbable image, the natural response is to look at it, scoff, and say ‘Photoshop’.

However, a completely different reaction is to be found when faced with an image which is downright clever, and is not the result of Photoshop. There have been a whole host of crazes recently regarding optical illusion – Harry Pottering, Vadering, etc. In my opinion, we have 19^th-century masters of (photographic) manipulation to thank for this.

When photography was first invented in the 1830’s, it soon became not just a technical innovation, but a source of artistic innovation. Humour, creativity, and a desire to shock and thrill – this is what sparked a trend of digitally altered photographs, a trend which can still be seen today.

Unknown American Artist
Man on Rooftop with Eleven Men in Formation on his Shoulders, c. 1930.
Gelatin silver print.
George Eastman House International Museum of Photography and Film, Rochester, New York.
Courtesy of The Museum of Fine Arts, Houston.

To find out more about photographic illusion in the 19^th century, you need go no further than The Museum of Fine Arts, Houston. Faking it: Manipulated Photography before Photoshop is running until the 25^th August, so be sure not to miss out! If this tickles your fancy but you’re not sure where to go next in your quest for photographic inspiration, why not try pick up a copy of Man Ray, by Alexander Games and Patrick Bade?

 
- Fiona Torsch

Textile Rebellion

Nietenbesetzte Lederjacken, neonfarbener Irokesenschnitt, tätowierte Haut und Sicherheitsnadeln an allen möglichen und unmöglichen Körperstellen. Wohl eines der geläufigsten Stereotype, das wir mit Punk assoziieren.

Bildarchiv Preussischer Kulturbesitz

An die vierzig Jahre ist es mittlerweile her, seit der Journalist Legs McNeil die Hausmauern in Downtown New York mit Plakaten tapezierte, auf denen er ankündigte „Watch Out! Punk is coming!“. Doch noch immer ist die Enstehungsgeschichte, vor allem aber die Bedeutung des Punk umstritten. Handelt es sich dabei um eine Musikbewegung? Ist es eine Jugendkultur? Oder aber liegen die Wurzeln des Punk in einer politisch motivierten Rebellion gegen das gesellschaftliche System der 1970er Jahre? Und wer hat den Punk eigentlich erfunden? War es Sex Pistols-Manager Malcolm McLaren? Oder gar die Ramones?

Fest steht, dass Punk viele Gesichter hat. Er ist lebendig, veränderlich und ständig in Bewegung. Dies zeigt sich nicht zuletzt in der Ausprägung zahlreicher Subbewegungen. So brechen beispielsweise die Anhänger des Straight Edge komplett mit dem Klischee des Bier trinkenden, Hasch rauchenden, in öffentlichen Parks herumlungernden Sozialschmarotzers. Denn Straight Edge (oft auch abgekürzt sXe) steht für einen Kodex, der vor allem Askese und Nein-Sagen bedeutet – zu Alkohol und Drogen, Zigaretten und One-Night-Stands. Oftmals gehört auch eine vegetarische Ernährung zur Lebenshaltung der Straight Edger, viele von ihnen leben sogar vegan. Die Ursprünge dieser Bewegung gehen bis in die 80er Jahre zurück, als perspektiven- und leidenschaftslose Jugendliche „No Future“-Slogans vor sich hin grölten und gegen staatliche und gesellschaftliche Normen aufbegehrten. Eine kleine Gruppierung von Punk-Musikern, allen voran die Band „Minor Threat“ aus Washington D.C., hielt jedoch nichts von dieser destruktiven Grundhaltung und dem kollektiven Drogenkonsum. Mit ihren Songtexten („Don't drink, don't smoke, don't fuck! At least you can fucking think!“) setzten sie ein Statement gegen Alkoholexzesse und Promiskuität und plädierten für eine proaktiv orientierte Lebensgestaltung

In modischer Hinsicht kämpften die Punks seit jeher gegen das allgemein verbreitete Schönheitsideal an. „Mut zur Hässlichkeit“ lautete der Leitsatz. Vor allem Vivienne Westwood ist es zu verdanken, dass der Punkstil dennoch zunehmend an Popularität gewann und letztendlich sogar Einzug in den Highend-Fashion-Mainstream fand. Ihre Entwürfe für die Bühnenoutfits der Sex Pistols prägten den Look der Punkbewegung nachhaltig und inspirierten sogar Designer-Kollegen aus traditionsreichen Modehäusern wie Chanel oder Dior dazu, gewisse Stilelemente in ihre Kollektionen miteinzubeziehen. 

 
Allen Modeinteressierten mit einem Faible für Nieten, Totenköpfe und Leder empfehlen wir einen Besuch der Ausstellung Punk: Chaos to Couture im New Yorker Metropolitan Museum of Art. Noch bis 14. August werden hier etwa 100 punkige Kreationen aus unterschiedlichen Modehäusern, von Prada über Margiela und Yamamoto bishin zu Viktor&Rolf, präsentiert.

Art: I know It When I See It

Last year, Andres Serrano’s Piss Christ reignited the old “What is art?” discussion. Serrano shocked the art world in 1987 with a photograph of a crucifix submerged in a jar of his urine. He again sparked controversy in September 2012 when Piss Christ was featured at the Edward Tyler Nahem Gallery in New York. The photograph not only shocked the religious communities who were offended by the desecration of a holy symbol, Serrano’s work also forced even the most open-minded to ask, “Is this art?”

A quick Google search of the definition of art yields this: “The expression or application of human creative skill and imagination, typically in a visual form such as painting or sculpture.” I guess no one can argue that Serrano used his imagination to produce his work. But did he really apply creative skill? Admittedly, Piss Christ is creative, but skilled?

No. Absolutely not.

Maybe I am too quick to judge Serrano. And maybe he is ahead of his time, and we are (or at least I am) incapable of appreciating his talent. When Pablo Picasso first entered the art scene, many dismissed his work in the same fashion I dismiss Serrano.  Only after his death were people able to appreciate his creative genius.

Pablo Picasso, Seated Woman, 1941

Bayerische Staatsgemäldesammlungen, Sammlung Moderne Kunst in der Pinakothek der Moderne München
© Sucession Picasso / VG Bild-Kunst, Bonn 2013

 

Artists such as Degas and Monet, also, strayed away from the norm and subsequently endured a contemptuous reception.  In response, Degas, Monet, and other dismissed artists united to create a modern art. And today, we celebrate these artists for their innovativeness and herald their work as art.  

Edgar Degas, Woman ironing, c. 1869

Oil on canvas, 92.5 x 73.5 cm

© Bayerische Staatsgemäldesammlungen, Neue Pinakothek München

History continually shows us that we reject the new because we don’t understand it.  With time, the public grew to understand and appreciate the beauty found in the works of Picasso, Monet, and Degas among many others.

I’m probably reacting to Serrano the same way people from the 19^th century reacted to Degas.  Half a century from now, Serrano’s Piss Christ might be considered the iconic work from our generation. But for the sake art and all that is beautiful, I pray that Piss Christ does not become the new standard of art. I can handle Picasso’s strange shapes and colors - I might not understand him, but I can admire him.  But Serrano? I highly doubt I’ll ever be able to look at that photograph of the little crucifix in a jar without grimacing. I don’t own the official rubber stamp for art, but I know art when I see it, and Piss Christ is not art. 

You can visit the NeuePinakothek’s ongoing exhibition entitled Changing Perspectives: Degas – Picasso | Gauguin– Nolde | Monet – Macke which will run until 31 August.  If you can’t make Munich, you can also explore works by modern artists such as: Edgar Degas, Claude Monet, Paul Gauguin, Vincent van Gogh.

De Charlize Theron à Nam Jun Paik

Il est difficile de mesurer l’impact que l’image a sur nous. Certains vont avec plaisir se laisser séduire par une affiche pour peu qu’elle attire l’œil. Je me flatte à penser que la publicité n’a aucun impact parce que je ne regarde pas la télévision, ne passe pas mon temps libre à arpenter les magasins ou éplucher les magazines de mode. Cependant, il me faut toute la volonté du monde pour ne pas céder à l’appel d’un sublime sac à main ou autre élément comestible vu sur un panneau d’affichage alors que je n’ai pas faim et deux douzaines de sacs.

Mais malgré tout cela, je sais.

 Je sais que ceci est une publicité pour du parfum d’une marque de luxe française, que la femme est l’actrice sud-africaine Charlize Theron et que la forme de la bouteille me rappelle les colliers spirales des femmes Padaung, ces « femmes girafes », dont le cou grimpe de plus en plus haut à mesure que le temps s’étiole.
Je comprends que l’or de la bouteille est aussi précieux que l’or accroché à son oreille, qu’elle arrache vêtements et bijoux parce que le parfum lui suffit et que globalement, ce parfum la rend sublime et sûre d’elle.

Mais surtout, je sais et je comprends bien vite, qu’après avoir lu ce fameux « Dior, j’adore », je vais très certainement l’avoir en tête toute la journée.

Comme Panofsky l’écrivait dans ses Essais d’iconologie, il s’avère que nous avons tous les codes pour comprendre cette image alors que nous ne portons pas forcément le parfum et que nous ne connaissons pas la femme. C’est une image qui se lit au même titre que la peinture religieuse, la fameuse réductrice « Bible des illettrées » de l’occident médiéval, se lisait grâce aux nombreux codes iconographiques qui y étaient figurés.

Byzance prônait l’utilisation de l’image et cette pratique sera importée en 1204 lors de la prise de Constantinople. Elle aura une influence sur la pratique de la peinture italienne que les Franciscains vont également encourager. Peu à peu la démocratisation de la peinture sur panneaux mobiles permet de déplacer l’image religieuse dans l’espace privé; chacun peut donc prier chez soi. Elle est supposée augmenter l’efficacité des prières en permettant au fidèle de recevoir une nouvelle émotion en éprouvant de la compassion pour les souffrances du Christ. Ici, le Christ à la tête inclinée, les yeux fermés, son corps est arqué ; il se redresse une dernière fois dans son agonie. Progressivement, les grands peintres du Trecento italien vont en effet mettre en scène des épisodes de la vie du Christ en créant un illusionnisme spatial au travers de la perspective et une nouvelle façon de présenter les individus. L’image va permettre de définir l’individu dans une société, dans un groupe social et devenir un outil d’identification identitaire individuel notamment avec les emblèmes.

En termes d’illusionnisme spatial, Name Jun Paik, talentueux pionnier de l’art vidéo, avait fait une vidéo particulièrement représentative de la fonction, manipulation et distorsion de l’image avec la vidéo Global Groove réalisée en 1974, dont vous pouvez voir un extrait ici :


Cette vidéo est un zapping culturel mondial qui montre une succession d’images et de scènes qui n’ont aucun lien en commun, sauf le fait de se retrouver à la télévision.
On peut y voir des danseurs de rock dans un lieu fictif dissocié de la réalité sans sol murs ou plafond, une pub Coca-Cola, de la danse indienne ou encore un spectacle de cabaret. Ici, tout peut se retrouver à la télévision sans aucune hiérarchie culturelle ou géographique. La profusion des images fictives montre une nouvelle forme d’interaction que chacun se crée. Nam June Paik pioche dans les codes universels et transgresse nos acquis en démultipliant, par exemple, les danseurs à l’ infini. Ce procédé nous indique que les danseurs ne sont pas une réalité mais simplement une reproduction que nous ne contrôlons pas.

Aujourd’hui, l’on peut affirmer que l’image est liée à des idéaux idéologiques couplés à des idéaux esthétiques. Comme nous l'avons vu précédemment, l’image nous manipule, que nous le voulions ou non, en usant de codes simples qui, par leur profusion, font appel à nos connaissances et nos acquis. Il est pertinent de garder en tête les fonctions même de l’image :
1.    De représentation  en rendant présent ce qui est représenté.
2.    De transformation  en agissant sur le comportement du spectateur.
3.    D’enveloppe en contenant l’objet représenté et son spectateur dans une seule et même enveloppe fictive dans l’illusion d’une perception d’un monde partagée.

Il n’a pas délibérément été question ici de la retouche photographique et la création de fausses images mais l’exposition qui se tient à Houston au Museum of fine Arts, présente une exposition sur ce sujet : Faking It: Manipulated Photography before Photoshop.

Vous pouvez également trouver des informations complémentaires, notamment sur l’art religieux à l’époque médiévale dans cet ouvrage. Un autre ouvrage particulièrement intéressant sur l’esthétisme dans l’art (à paraitre durant l’automne 2013), interroge la notion de beauté dans l’art à travers l’étude des compositions, des lumières et des lignes.

Die Linse als Zeitzeuge

Nick Ut, 1972, World Press Photo of the Year.

Nackt, das Gesicht verzerrt von Schmerz, voller Todesangst: wohl kaum ein anderes Bild verdeutlicht die Schrecken des Vietnamkrieges so eindrucksvoll wie das Foto, das die neunjährigePhan Thi Kim Phúc zeigt, wie sie 1972 in Trang Bang, einem Dorf unweit von Saigon, vor einem Napalm-Luftangriff flieht. Die Fotografie verbreitete sich rasch um die ganze Welt und machte das Mädchen zur Ikone des Vietnamkrieges.

Malcom Browne, 1963.

Rund zehn Jahre zuvor ging Malcolm Brownes schockierende Aufnahme eines brennenden vietnamesischen Mönchsins kollektive Bildgedächtnis der Menschheit ein – als Manifest für die Auflehnung gegen die Unterdrückung eines Volkes und als Symbol gegen die Instrumentalisierung von Individuen zugunsten der Erreichung eines höheren Ziels.Selbst der damalige US-Präsident John F. Kennedy bekannte, „kein Pressefoto hat weltweit mehr Gefühle ausgelöst als dieses hier“.


Beide Fotos wurden mit dem Pulitzerpreis bedacht bzw. als World Press Foto ausgezeichnet. Ob sie als zeithistorische Dokumente zu interpretieren sind oder als Kunstobjekte gelten sollten, hängt von der Perspektive ab. Unbestritten zeugen sie von Tod, Grausamkeitund Zerstörung, diesie mit einem gewissen ästhetischen Anspruch und unter Anwendung perfektionierter Arbeitstechniken abbilden. Doch darüber hinausreflektieren sie auch die propagandistische Macht des Bildes. Der Betrachter sollte sich aber stetsdaran erinnern, dass eine Fotografie immernur einen limitierten Ausschnitt des wahren Geschehens abbildet und dadurch weniger ein Spiegel der Wirklichkeit, sondern vielmehrein Konstrukt einer Subrealität ist.

Dieser Aspekt wird vor allem von einem weiteren ikonischen Foto des Vietnamkrieges beleuchtet: es zeigt den südvietnamesischen General Nguyen Ngoc Loan bei der Exekutierung eines Viet Cong-Offiziers. Die Abbildung wurde erneut zu einem Symbol für den Wandel der öffentlichen Meinung über den Krieg und sollte General Loan bis an sein Lebensende verfolgen.

Eddie Adams, 1965.

Später wurde jedoch bekannt, dass der Hingerichtete allein an diesem Tag für die Ermordung von acht Zivilisten verantwortlich war, darunter die Familie von Loans Freund. Der Fotograf Eddie Adams schrieb später im „Time Magazine“: „Der General tötete den Vietcong, ich tötete den General mit meiner Kamera.“Allen, die vom Medium Kriegsfotografie und seiner kontroversen Bedeutung fasziniert sind, sei die Ausstellung Photography and the American Civil War, die noch bis zum 2. September 2013 im Metropolitan Museum of Art in New York zu besichtigen ist, zu empfehlen.

Als Vorgeschmack dazu bietet sich die Neuerscheinung des im Verlag Parkstone International erschienenen Titels Der Krieg in der Kunst an, der neben den bedeutendsten globalen Konflikten auch einige der denkwürdigsten Gefechte im deutschsprachigen Raum portraitiert: vom Sieg des germanischen Heeres über die römischen Truppen im Teutoburger Wald über die Schlachten im Zuge des Dreißigjährigen Kriegs und den Wiener Türkenbelagerungen bishin zur Erbarmungslosigkeit der beiden Weltkriege.

Why the Soul of Surrealism is in India

Lee Krasner“Nude Study from Life”, 1938.
©2013 The Pollock-Krasner Foundation/ Artists Right Society (ARS), New York.
The Menil Collection, Houston, gift of William J. Hill, in honour of Christopher de Menil.
Courtesy of The Menil Collection, Houston.

If all the world’s a stage, and all the men and women merely players, then where do the Surrealists sit?
 According to my imagined global map of where art movements should be located, the Impressionists are based in the South of France, the Blaue Reiter in Germany, the Nabis in Stockholm, Cubism in Iceland, the Old Masters (da Vinci, Raphael, Michelangelo, etc.) in Italy, Aestheticism in Decorative Arts in Shanghai, Digital Art in Oslo, and Lyrical Abstraction in Tokyo.

Of course, this is entirely subjective, but I think that certain countries, or cities, really do go hand in hand with the style or ideals that various art movements represent.

 In my opinion, Surrealism would be well represented by some small artistic or spiritual commune in India. The theory of Surrealist Automatic Drawing alone represents this to near perfection. The idea is that the drawing comes from allowing your hand to move at random across the page, leaving the image free of logical or rational thought processes, and allowing chance to play a large part in the final result. Another part of the thinking behind this is that, without the logical part of your brain being used, the subconscious also affects the final result – thereby allowing a hidden part of the psyche to be revealed.

“The real functioning of thought”: André Breton (the founder of Surrealism) pinpointed the expression of this as the ultimate aim of Surrealism. So, yes, in my eyes, a spiritual commune in India is the perfect base location for all budding Surrealists. Namaste.

Left:

Ajanta Caves.
Maharashtra, before 2^nd century BCE.
India.

Right:

Harmandir Sahib (Golden Temple).
Amritsar, Punjab, 1585-1604.
India.

If you are interested in Surrealism, but a journey to India seems a little far (or far-fetched), the Menil Collection, Houston, is the perfect alternative. Currently hosting the exhibition Late Surrealism, you have until August 25th to get to grips with your subconscious, and those of the artists represented. If you’d prefer to do so in the privacy of your own home, grab a copy of Nathalia Brodskaïa’s Surrealism!

- Fiona Torsch