Hallucinogens and Other Drugs

I will neither confirm nor deny any drugs I may or may not have experimented with in the past. In the present, I find many intriguing and interesting, despite being unsure of the things they’ll do to an already over-active mind and imagination – but again will not admit what they are.


(This is your brain … on drugs. Does anyone else remember that PSA from the 1980s/1990s?)
Salvador Dalí, Eggs on the Plate without the Plate, 1932.
Oil on canvas, 60.3 x 41.9 cm.
The Dalí Museum, St Petersburg (Florida).

Whilst bad, and mind altering, sometimes forever, various drugs are at the very forefront of the entertainment industry. Walt and Jesse are nearly household names because of their mad skillz (I hope you heard that in Aaron Paul’s voice) as meth cooks on Breaking Bad. Mary Louise Parker has given so many of us a soft spot for the middle-class single mother that is forced to sling drugs in Weeds. The Wire took a groundbreaking look at inner-city dealings and addictions (on all sides of the spectrum). And, of course, whatever the heck V in True Blood is meant to mimic. Meanwhile, Lindsay Lohan and Charlie Sheen are in and out of trouble for cocaine use. Whitney Houston MAY have overdosed from prescription pills or crack. But, friends, where are the hallucinogens?!


Salvador Dalí, Soft Construction with Boiled Beans (Premonition of Civil War), 1936.
Oil on canvas, 99.9 x 100 cm.
Philadelphia Museum of Art, Philadelphia.

Reviewing Salvador Dalí’s work, every single time, without fail, makes me question what’s been slipped into my beverage (or brownies). The melting and sliding images of obscure sizes and shapes make my skin crawl in a way that only a proper hallucinogen can – or so I imagine. Not to mention his bizarre obsession with ants, which appear so innocent as they skitter across our counters and up our walls that we don’t take them very seriously, but really – why don’t we? I cannot delve further into their utter disregard for human space and existence for fear of not being able to sleep tonight. But know that I do not find them harmless.


Salvador Dalí, The Temptation of Saint Anthony, 1946.
Oil on canvas, 89.5 x 119.5.
Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique, Brussels.

Dalí made it very clear: “I don’t do drugs. I am drugs.” And fine, I respect that. But wouldn’t you agree that being as full of yourself as he was, perhaps he was his own drug? A bit too much serotonin, dopamine, oxytocin, endorphins – simply too much everything? Get off of your ridiculously long-legged high horse, Dalí, and paint something the rest of us can relate to, you pompous, self-absorbed, egotistic maniac. Good day.

Feel like you’re on drugs without the terrible next-day comedown while getting your fill of melting clocks, long-legged horses, and women from behind at Le Centre Pompidou through 25 March. Bring my nightmares home with you in The Life and Masterworks of Salvador Dalí by Eric Shanes.

-Le Lorrain Andrews

Dali et le Baby-Boomeur

Pendant les années 70, si ma mémoire ne me trahit pas, j’ai découvert le grand peintre Salvador Dali. A l’époque, je fuyais comme la peste les émissions culturelles - aujourd’hui aussi. Je ne m’attendais pas à voir à la télévision un homme avec des moustaches aussi ridicules que celles d’Hitler ou Napoléon III, déclamer avec force : «  Je suis fou du chocolat Lanvin. »

Plus tard, je fréquentais les endroits branchés – mais le mot n’existait pas encore – les lieux comme Castel où Jean nous accueillait avec tellement de gentillesse, ou Régine rue de Ponthieu, plus moyen-oriental dans le débordement de parures d’or et de diamant portées par de jolies femmes très accueillantes.

Je rencontrai Amanda Lear, l’égérie de Dali. Je ne lui ai jamais parlé, mais je la vis se mouvoir dans les tenus les plus sexys. A l’époque, nous nous posions tous la même question : homme ou femme ? Son visage permettait toute extrapolation. Peut-être le grand «  masturbateur » aurait-il pu nous donner une réponse. J’ai gardé associer cette belle artiste au peintre, allez savoir pourquoi !!

J’ai une seconde image de Dali en tête : un homme avec un bonnet de nuit que j’ai vu dans un magazine. Ce qui reste dans ma mémoire c’est le rythme de sa voix, saccadée comme le bruit d’une mitrailleuse dans les rues de Barcelone pendant la guerre civile espagnole. Une espèce de Malraux sans mouvements extravagants du visage.

J’ai découvert sa peinture plus tard, après son anagramme «  Avida Dollars ». Cet homme de la société du spectacle chère à Debord, avait réussi à se faire connaître d’une génération davantage par ses excentricités que par son talent. Son titre de marquis vint couronner le pitre plus que le génie de la peinture. J’ai beaucoup aimé le tableau de Gala vue de dos regardant à travers une fenêtre. Cette œuvre m’a toujours ravi. Elle est d’une simplicité déconcertante.


Salvador Dali, Gala nue vue de dos, 1960.
Huile sur toile, 42 x 32 cm.
Fondation Gala-Salvador Dalí, Figueras.

Plus tard lorsque j’allais déjeuner avec Gilles Neret, l’auteur d’un monumental ouvrage sur Dali, j’ai découvert un homme qui ne correspondait guère à son image télévisuelle. Et si derrière ses pantalonnades se trouvait un véritable créateur ? Dali était un peintre à l’imaginaire sans frontières.

Il est peut-être temps de redécouvrir le travail de ce touche à tout qui nous laisse une œuvre déconcertante. Entre le chocolat Lanvin et les dollars, il y a le Centre Pompidou, dans lequel a lieu la première rétrospective Dali depuis trente ans, du 21 novembre au 8 janvier 2013. Vous pouvez aussi parcourir le livre Dali de Victoria Charles présentant sa vie et ses chefs-d’œuvre.

Nackt im Museum

Nackt in der Öffentlichkeit? Das sollte für uns Deutsche als Gründer des ersten Freikörperkultur-Vereins (1898) doch eigentlich kein Problem darstellen. Nackt gibt man sich heutzutage nicht nur an den gerade an der deutschen Ostseeküste weitverbreiteten FFK-Stränden oder an den ausgewiesenen Plätzen an den Ufern der Baggerseen, nackt zu sein ist zu einer richtigen Freizeitbeschäftigung geworden: Nacktwandern, Nacktradeln, Nacktrudern oder Nacktreiten – Die aktiven Nackten, die sogenannten Nacktivisten planen die verschiedensten Veranstaltungen und versuchen, den Großteil ihres Alltags unbekleidet zu bewältigen. Durch Internet-Foren finden die Aktionen eine breite Anhängerschaft und wer jetzt denkt, dass Nacktheit nur etwas für den Sommer ist, täuscht sich gewaltig: In den Jahren 2009 und 2010 fanden in Braunlage im Harz sogar „Nacktrodelwettbewerbe“ statt.


Sich kratzender Mann

Dass nackte Haut generell viel Aufmerksamkeit auf sich zieht, beweisen die bei öffentlichen Veranstaltungen provokativ durchs Bild laufenden „Flitzer“, die später oft Teil der Berichterstattung sind und durch die Verbreitung über die Massenmedien ein breites Publikum erreichen. Neben der Selbstdarstellung wird „blankziehen“ auch als „friedlicher“ Protest (Flitzer können sich in Deutschland eine Strafanzeige wegen Hausfriedensbruchs oder Erregung öffentlichen Ärgernisses einhandeln) genutzt, um sozialkritische oder politische Botschaften zu übermitteln.
Angefangen mit den berühmten nackten Protestaktionen der 1967 im damaligen Westberlin gegründeten Kommune 1 hat sich offenbar eine globale Bewegung gebildet, die für fast alle sozialen und politischen Missstände die Hüllen fallen lässt.


Jil, Le „Streaking“ ne passera pas („Druckstellen“ verboten)

Die berühmteste Aktion ist dabei wohl die der PETA (People for the Ethical Treatment of Animals). Die Organisation, die sich für die Grundrechte von Tieren einsetzt und sich für die Abschaffung der Massentierhaltung zum Zweck der Gewinnung von Fleisch, Milch, Eiern, Leder, Fellen und Pelzen stark macht, holt sich in aufwendigen Shootings die Stars und Sternchen der Unterhaltungsindustrie vor die Kamera.

Unter dem Motto „Lieber nackt als im Pelz!“ konnte die nach eigenen Angaben weltweit größte Tierrechtsorganisation schon zahlreiche Stars ablichten: Ashley und Mary Kate Olsen, Daniela Katzenberger, Sarah Connor, Elisabetta Canalis, Franka Potente, Pink, Pamela Anderson, Kelly Osbourne, Eva Mendes, Cindy Crawford, Christina Applegate, Sophie Ellis Bextor und viele weitere ließen für den guten Zweck alle Hüllen fallen. Auch einige Männer, unter ihnen Bela B, Justin Bieber und Paul McCartney, zogen vor der Kamera blank, die Medien dominieren jedoch weiterhin die nackten Frauenkörper.

Um dies zu ändern, rückt die aktuelle Ausstellung des Wiener Leopold Museum unter dem Titel „nackte männer“ gerade diese bis zum 04. März 2013 in den Vordergrund. Mit Leihgaben aus ganz Europa zeigt die in ihrer Thematik bisher einzigartige Ausstellung die Vielfalt und den Wandel in der Darstellung nackter Männer vom späten 18. Jahrhundert bis heute auf. Die älteste Skulptur unter den Nackten stellt dabei eine altägyptische Statue aus der Zeit um ca. 2400 v. Chr. dar, die jüngste ist die zu einem Selbstbildnis umgearbeitete Schaufensterpuppe des zeitgenössischen Konzeptkünstlers Heimo Zobernig. Anhand der Exponate, die vor allem der Aufklärung, der Klassische Moderne und Kunstpositionen nach 1945 zugeordnet werden können, wird eindrucksvoll deutlich, wie schnell und wie stark sich das Schönheitsideal im Laufe der Zeit wandelt.

Auch Literatur beschränkt sich oft auf weibliche Aktdarstellungen, nicht so das im Parkstone-International erschiene Buch Die Geschichte der Herrenunterwäsche, dass sich neben spannenden Informationen zur Geschichte der Herrenunterwäsche explizit der Darstellung kaum bekleideter Männer widmet – das perfekte Weihnachtsgeschenk für den modebewussten Mann oder die neugierige Freundin.

C. Schmidt

Und wenn ich wüsste, dass morgen die Welt untergeht, so würde ich heutenoch ein Apfelbäumchen pflanzen (Martin Luther)

21.12.2012 – Das Ende der Welt?

Gesetzt den Fall, dieser Tag wäre das Ende der Welt. Was würden Sie an Ihrem letzten Tag auf Erden machen?

Am 21. Dezember 2012 endet ein wichtiger Abschnitt des Maya-Kalenders und gleichzeitig kommt es zu einer astronomischen Besonderheit: Die Sonne wird sich – von der Erde aus betrachtet – zur Wintersonnenwende am 21. Dezember im Zentrum der Milchstraße befinden, eine Konstellation, die nur etwa alle 26 000 Jahre eintrifft und für viele den Grund dazu liefert, sich die verrücktesten Theorien und Endzeitszenarien auszumalen: Erdbeben, Schwarze Löcher, Außerirdische, eine Verschiebung der Pole, das Ende der Welt ausgelöst durch einen radioaktiven Strahl ... .

 


Henry Fuseli, Der Albtraum, 1781.
Öl auf Leinwand, 101,6 x 126,7 cm. The Detroit Institute of Art, Detroit.

Das Sprichwort „Lebe jeden Tag so, als wäre es dein Letzter!“ bekommt in diesem Zusammenhang einen nahezu sarkastischen Beigeschmack. Ebenso all die Ratgeberliteratur, die seit einigen Jahren die Regale der Buchhandlungen und heimischen Wohnzimmer überflutet: Während zu Luthers Zeiten ein erfülltes Leben nach dem Volksmund drei Komponenten umfasste, nämlich ein Haus bauen, einen Sohn zeugen und einen Baum pflanzen, existieren heutzutage für ein erfülltes Erdendasein schier unendliche to-do-Listen.

Die bekannteste unter diesen Listen stellt vermutlich der von der Reisejournalistin Patricia Schultz 2003 veröffentlichte Titel 1 000 Places to See Before You Die (1000 Orte, die man sehen muss, bevor man stirbt) dar. Die Erstausgabe dieses Weltreiseführers war in Deutschland mit über 750 000 verkauften Exemplaren 273 Wochen auf der SPIEGEL-Bestsellerliste. Zahlreiche ähnliche Titel folgten: Darunter die 1001 Bücher: die Sie lesen, 1001 Filme, Gärten und Gemälde: die Sie sehen und 1001 Songs: die Sie hören sollten, bevor das Leben vorbei ist.

Zahlreiche weitere Must-do-Listen kursieren im Internet – Definitiv nicht die richtige Literatur für den letzten Tag auf Erden. In unserer Zeit ist es allem Anschein nach nicht einfach, sein Leben mit einem ruhigen Gewissen für erfüllt zu betrachten, zu viele Plätze, Bücher, Songs, Gerichte, Kunstwerke, die man kennen sollte. Würde man all diese Ratgeber ernst nehmen, wäre das Leben ein reinster Wettlauf mit der Zeit. Natürlich ist es wichtig viel von der Welt zu sehen und möglichst viel Neues auszuprobieren, dennoch sollte der Genuss dabei nicht zu kurz kommen.

 


Pieter Claesz., Stillleben mit Totenkopf, Folianten, Taschenuhr und erloschener Öllampe, 1630. Öl auf Holz, 39,5 x 56 cm. Mauritshuis, Den Haag.

Sein Lieblingsbuch zum dritten Mal lesen? Mit seinen Freunden jedes Jahr den Winterurlaub in derselben Skihütte im Harz verbringen und am Silvesterabend gemeinsam Dinner for One gucken? Dafür bliebe gar keine Zeit, aber genau das ist das Schöne im Leben: Die Gewissheit, dass manche Dinge in unser schnelllebigen Zeit einfach so bleiben, wie sie sind. Tage, wie der 21.12.2012 sollten uns lediglich daran erinnern, jeden einzelnen Tag zu genießen und unsere Zeit auf Erden zu nutzen, und zwar auf die Art und Weise, wie es für uns persönlich am Besten ist, da braucht es keine Listen. Hören Sie einfach auf Ihr Bauchgefühl!

Die Ausstellung Death: A Self-portrait der Wellcome Collection in London zeigt bis zum 24. Februar 2013 (und damit weit über den vermeintlichen Weltuntergang hinaus) rund 300 Werke, die sich mit der Ikonografie des Todes und unseren komplexen und widersprüchlichen Einstellungen dem Tod gegenüber auseinandersetzen. Neben historischen Artefakten, wissenschaftlichen Proben und Ephemera aus der ganzen Welt gibt es neben alten Inka-Schädeln, seltene anatomische Zeichnungen und Drucke von Rembrandt, Dürer und Goya, Vanitas-Gemälde sowie Installationen des 20. Jahrhunderts zu sehen. Die Ausstellung ermöglicht eine vielschichtige Auseinandersetzung mit dem Tod und erinnert den Besucher nicht nur daran, dass die Tage auf Erden begrenzt sind, sondern fordert gleichzeitig dazu auf, etwas aus dieser begrenzten Zeit zu machen.

Viele berühmte Maler haben sich in ihrer Kunst mit dem Tod und dem Leben nach dem Tod auseinandergesetzt. Erfahren Sie mehr über den Teufel in der Kunst und die Kunst Rembrandts, Dürers und Goyas mit den im Verlag Parkstone-International erschienen Titeln Satan, Beelzebub, Luzifer - Der Teufel in der Kunst von Arturo Graf, dem von Victoria Charles herausgegebenen Sammelband Rembrandt - Maler, Kupferstecher und Zeichner sowie mit den E-Book-Titeln Dürer und Francisco Goya. von Arturo Graf und gönnen Sie sich ruhig die Zeit, die Bücher mehr als einmal zur Hand zu nehmen.

In diesem Sinne: Carpe diem!

C. Schmidt

 

La muerte también puede tener barba blanca y vestir de rojo

Las exposiciones de la Wellcome Collection de Londres no suelen dejar indiferentes a quienes las visitan, ya que combinan arte, ciencia y vida para crear conjuntos peculiares, aberrantes y conmovedores. Este invierno han decidido organizar una muestra acorde a las celebraciones navideñas. «Death: A Self-Portrait» nos invita a explorar trescientos objetos de la colección del neoyorquino Richard Harris relacionados con el festivo y alegre tema de la muerte y la mortalidad.

«Death: A Self-Portrait» se divide en cinco bloques: la contemplación de la muerte y la intrascendencia de los placeres mundanos; el omnia mors aequat y la fugacidad de la vida; las muertes violentas a causa, sobre todo, de la guerra; la lucha entre las pulsiones de vida y de muerte, y la honra a los difuntos en distintas culturas. Se trata en definitiva de ver la muerte como parte natural de la vida.


Alberto Durero, El caballero, la muerte y el diablo, 1513.
Buril, 24,6 x 18,8 cm.
Rijksmuseum, Ámsterdam

En teoría, esta debería ser la actitud más razonable: la cesación de la vida es terrible e irremediable, así que quizá el precio que debemos pagar para hallar redención sea aceptar que todo sigue su curso a pesar de las pérdidas. No obstante, lo cierto es que la idea de la muerte suele causar repulsión, especialmente cuando trunca vidas jóvenes e inocentes en circunstancias trágicas. En tales casos es macabra, sórdida, mezquina, ruin, miserable, sucia, funesta, sombría y terriblemente triste. El primero de estos calificativos me resulta particularmente interesante. «Macabro» se define académicamente como ‘que participa de la fealdad de la muerte’ y su origen parece derivarse* del francés macabre y, concretamente, de las «danzas macabras» medievales. Se trataba de composiciones en las que la muerte invita a bailar a diversos personajes, incluidos el papa, el obispo, el emperador, el labriego y el herrero, y que tenían una doble finalidad. Por un lado, recordaban la importancia de morir cristianamente y, por el otro, satirizaban con el poder igualatorio de la muerte.

Lo cierto es que la muerte ha jugado un papel nada despreciable en las artes. Las danzas de la muerte, por ejemplo, no sólo forman parte de la literatura medieval, sino que se han reinterpretado en la pintura, en la música —el poema sinfónico de Saint-Saëns— y en el cine —quién podría olvidar la visión de Jof en El séptimo sello—. Disney también nos legó su propia versión y en la localidad girondina de Verges se procesiona una de estas danzas durante la Semana Santa. En la mayoría de los casos, la muerte se representa como un esqueleto o como una vecchia signora que siega las vidas de los pobres mortales con su guadaña. Suele llevar un reloj, que recuerda el inexorable paso del tiempo, y a veces monta un rocín famélico, como en la lámina de Durero El caballero, la muerte y el diablo.


Rembrandt, El buey desollado (detalle), 1655.
Óleo sobre lienzo, 94 x 69 cm.
Musée du Louvre, París.

Para Terry Pratchett, la muerte es de género masculino, habla siempre en mayúsculas y «cuando visitó a Mort, le ofreció trabajo». Y no ha sido él el único que planteó la posibilidad de que la muerte se tome un descanso. Saramago exploró esta idea en profundidad en su obra Las intermitencias de la muerte: «la intención que me indujo a interrumpir mi actividad, la de parar de matar, a envainar la emblemática guadaña que imaginativos pintores y grabadores de otros tiempos me pusieron en la mano, fue ofrecer a esos seres humanos que tanto me detestan una pequeña muestra de lo que para ellos sería vivir siempre, es decir, eternamente».

El reloj de arena, o de sol, o de bolsillo, no es el único elemento que se suele asociar a la muerte. También se acompaña de animales en descomposición, humo, burbujas, flores marchitas, instrumentos musicales, fruta pasada, cruces, repiques de campanas y restos humanos. Muchos de estos símbolos se pueden encontrar en la detallada obra moral del flamenco Pieter Brueghel El triunfo de la muerte. Para Rembrandt, la muerte se materializa en forma de un buey abierto en canal, cuya carne contrasta con la pálida tez de una mujer que observa desde la distancia. Ivo Saliger vio la muerte como un esqueleto que arranca la vida de su hermana fallecida a los 22 años de los brazos de un doctor, que se esfuerza por salvarla. Goya retrató la muerte en sus Pinturas negras y dejó constancia de los horrores sucedidos durante la Guerra de la Independencia en una serie de oscuras estampa. En ellas, se ofrece una visión de la violencia de la que es capaz el ser humano y se da a entender que todo es vanidad, incluso la paz y la guerra de los hombres, y está abocado a la muerte.


Francisco de Goya y Lucientes, Grande hazaña! Con muertos!
Prueba de estado. Desastre 39, 1810-1815.
Estampa sobre papel, 21 x 30 cm.
Staatliche Museen zu Berlin, Berlín.

La muerte también juega un papel fundamental en los cuentos de hadas de la tradición oral. En La bella durmiente, por ejemplo, el rey y la reina anhelaban una hija, quizá porque morir sin descendencia supondría una muerte eterna. Más tarde, Aurora se pincha el dedo con el huso de una rueca, que según la maldición de la decimotercera hada debía quitarle la vida. El hilo también es una imagen a la que se suele recurrir en relación con la muerte. No en vano, también se la llama parca («Ay, si un día para mi mal viene a buscarme...») y aquellas, las Moiras griegas o las Parcas romanas, eran tres viejas hermanas, Cloto, Láquesis y Átropos, de las cuales la primera hilaba, la segunda devanaba y la tercera cortaba el hilo de la existencia de los hombres. (También hilandera es Maya, una deidad que teje el velo de la ilusión con hilos invisibles, pero sé que me meto en camisa de once varas si empiezo con esto y luego paso a la profecía maya acerca del fin del mundo...).

Así pues, la muerte no solo es un término, sino que también es un comienzo, en cuanto a que constituye una grandiosa fuente de inspiración. Se puede fantasear con ella y transformarla en un juego de niños y adultos como hicieran Edward Gorey o Charles Addams, o más recientemente, Tim Burton o Neil Gaiman. Se puede examinar de forma aséptica y objetiva, como el enguatado Hércules Poirot de la reina del crimen. Puede tener una imagen amable, e incluso atractiva, como la de Brad Pitt en Conoces a Joe Black, o ser hija del amor. Puede ser una paloma muerta esbozada en un cuaderno por el pequeño Luc en Chocolat o filmada por Ricky Fitts en American Beauty. Puede estar implícita en un mechón de pelo atado con una cinta y guardado en un cajón. Puede ser una mujer cadavérica con patas de zancuda que sobrevuela los cielos de París y siembra la ciudad de bebés nonatos. Puede ser un elaborado y colorido altar adornado de flores y frutas. Puede ser un rastro de sangre, una cama vacía, un escalofrío...


Pieter Brueghel «el Viejo», El triunfo de la Muerte, c. 1562.
Óleo sobre tabla, 117 x 162 cm.
Museo Nacional del Prado, Madrid.

Si piensas pasarte por Londres antes del 24 de febrero, marca en tu mapa la Eaton Road y recuerda que la muerte no le hace ascos a nadie, así que tal vez lo mejor sea llevarse bien con ella. Si no puedes desplazarte hasta allí, no dejes de compartir tus impresiones sobre la muerte en la página web de la exposición. Y si estás de acuerdo con aquello de que toda muerte nos disminuye porque estamos ligados a la humanidad y quieres aprender un poco más sobre las que plasmaron algunos de los más grandes artistas, no te pierdas nuestras fantásticas monografías sobre Durero, Rembrandt y Goya ni este ebook de Arturo Graf sobre el Diablo en el arte.

*Digo parece porque también es posible que las «almacabras» o cementerios musulmanes tengan algo que decir a este respecto.

“Death and Taxes”

Death:  one of life’s greatest mysteries, and therefore one of people’s greatest fears.

Whilst many peoples and civilisations turn to religion and faith to answer the question of the meaning of life, and the purpose of death, and whether or not life after death exists, the prospect of the actual process of dying causes fear and trepidation.

Although we cannot know for sure what the exact experience of death holds for us, many people do take comfort in the knowledge that heaven, or an afterlife, awaits them.  Why, therefore, is the prospect of death such a scary one?


Rembrandt
The Anatomy Lesson of Dr. Nicolaes Tulp, 1632.
Oil on canvas, 169.5 x 216.5 cm.
Mauritshuis, The Hague.

Perhaps it is the fear of leaving the known, of leaving people behind, or the fear of pain in passing.  Whatever it is, one thing is certain: death is one thing we cannot escape.  As Brad Pitt discovered, in his extremely good turn as Joe Black in Meet Joe Black (a straightforward title if ever there was one), the only two things certain in this life are death and taxes.

Unfortunately, the probability that death will greet us in the form of Brad Pitt is extremely remote (I’m not giving up hope though....), so let us turn away from Hollywood’s interpretation of death, and take a peek at how past celebrities interpreted it.

Being an art blog, these celebrities will of course be artists such as Rembrandt and, perhaps surprisingly, Monet.  Both of these artists painted death, or dying, as a means of trying to understand what it meant.

Rembrandt painted his famous Anatomy Lesson as a means to pay homage to both the doctor (Nicolaes Tulp), as well as to the science of dissection.  Death had become a teaching tool, allowing others to learn from the bodies left behind.


Claude Monet
Camille on Her Deathbed, 1879.
Oil on canvas, 90 x 68 cm.
Musée d’Orsay, Paris.

However, Monet’s interpretation of death is a lot less clinical, and we can really feel the depth of emotion that the artist is putting into his work.  Camille on Her Deathbed is a painting of his wife – and it is as if he is trying to come to terms with her passing, and trying to understand why she has left him.  It is this emotion which resonates through the ages, and is something which I think everybody can identify with.

Ultimately, I think death is something not to be feared, but when life is cut short it is the hardest for those that are left behind.  But as we mourn the loss of our friends, loved ones, life-long companions, let us also celebrate the time that we have been able to share together, and be thankful for the privilege of being able to know them.  And finally, let us not forget, but keep their memories alive with us.

To discover how the mystery of death has been portrayed over the years, the Wellcome Collection, London, is the perfect place to start.  Death: A Self-Portrait is the exhibition which is getting everybody talking, so why not find out for yourself what all the fuss is about? On display until the 24^th February 2013, this is one collection that you do not want to miss!  If you would like to discover more about how the masters treated the subject of death and the afterlife, look no further than Art of the Devil by Arturo Graf.  Alternatively, to discover what Rembrandt was all about, check out Harmensz van Rijn Rembrandt by Emile Michel.

The Naked Truth

At first this topic had my mind atwitter; I mean how often does a girl get to write about naked men outside of her bedroom? Not that I believe there’s anything particularly aesthetically pleasing about the male physique below the happy/snail/treasure trail; maybe I’m a sucker for a nice bum, but that’s not what we’re here to discuss. Nor do I spend my private time writing about nude male bodies, and even if I did, you couldn’t prove it.

Given the opportunity to pick famous men I wouldn’t mind seeing naked, I would say: Channing Tatum? Yes, please. Donald Glover? Abso-freaking-lutely. Joseph Gordon Levitt? Please and thank you. John Cho-know-I-would. And, for our older crowd, I’d appreciate a little Benjamin Bratt (pun absolutely intended). Though, discussing this with a colleague, I’ve concluded that while I would enjoy seeing Tatum in the buff under any circumstance, I’d rather see JGL in the sensual privacy of my own home.


Large Sleeping Satyr ("Barberinischer Faun"), c. 220 BCE
Marble, height: 215 cm.
Glyptothek, Munich.

The longer I thought about the topic though (we’re talking at least a week of reviewing male nudes here, nothing but the best research for our readers), the more confused I became. We live in a society that fawns over the nude female body – heck, I’ve even blogged about it – but what about the male body? In film, art, television, and billboards, exposed female curves are everywhere, whether in bits and pieces or full on (to the point in which we need to discuss body image with our sisters/daughters/nieces). We’ve all seen Basic Instinct. However, the double standard remains. Is it because men find other male bodies threatening or uncomfortable? Is it the absurd fear of “catching” homosexuality, as if that were even possible? Women make up half of the consumer market – can’t you try and lure us in with the promise of naked men?


Ginch Gonch, Boys and Toy Bikes, advertising campaign.

I’ve always had the pleasure, or displeasure depending on how you look at it, of male housemates, including growing up with a brother. They were able to openly walk around without shirts and in their underwear, whilst I was discomfited into wearing a bra in my own home. Ladies, help me out, isn’t the most amazing time of day those five seconds after you’ve finally removed your bra? I’ve actually gone so far as to say, “Sorry friend, I can’t come out tonight; I’ve already taken my bra off.” My point being, this is a society that tells women to remain covered or they’ll be slut shamed, but men can wear next to nothing as long as their junk is covered.


Andrew Christian, 9215 Gigolo Thong, Black.

Women shouldn’t be ashamed of their bodies or shy about them, and men, get over your ridiculous fear of other naked men. We’re all beautiful, robed or not, and nudity shouldn’t be a topic of exploitation. We’re born nude, why can’t we stay so? Hurry over to the Leopold Museum to see the nude men exhibition through 4 March. Not possible? Rather look at the goods in private? Get your hands on The Story of Men’s Underwear by Shaun Cole or Nudes by Jp. A. Calosse. You won’t be disappointed.

-Le Lorrain Andrews

Bloody Mary : le sang allemand est-il soluble dans la vodka russe ?

Le thème de cette exposition reste pour moi un mystère. J’ai beau chercher les points de rencontre entre les deux cultures, je ne trouve guère que le gazoduc présidé par Gerhardt Schröder. Peut-il être comparé à un monument d’art contemporain ? J’en doute.

Après les chevaliers teutoniques et leur déculottée à la bataille de Tannenberg par les Polonais, l’Est de l’Europe au-delà de la Volga n’a guère été une source d’inspiration artistique. Peut-être fait-on allusion à Catherine de Russie, née à Stettin en Poméranie, petit État allemand de l’époque de Frédéric le Grand. Mais paradoxe des Catherine, nous avons eu aussi Catherine « de Médicis », était-elle Italienne en France ou Française d’Italie ? Catherine la Grande était sûrement plus russe que prussienne. Ses décisions politiques étaient plus proches des Boyards que des cours princières allemandes.


Catherine II par Feodor Rokotov

Il y eut de fortes migrations allemandes tout au long des xvii^e, xviii^e et xix^e siècles. Des marchands édifièrent des cités en particulier le long de la Volga, mais aussi des quartiers à Saint-Pétersbourg et Moscou. Il y eut bien sûr des alliances princières entre Russie et Allemagne, mais à l’époque tout le monde se mariait entre cousins. Avec la guerre de 14-18, les deux peuples se trucidèrent avec grand art. Ne comptons pas les morts, sans quoi ils pourraient venir nous hanter la nuit. Une défaite, un changement d’acteurs, le Kaiser qui part cultiver des tulipes, Nicolas II qui découvrent les fondrières d’Ekaterinbourg, et Lénine qui impose le communisme. Et là je me demande où sont encore les passerelles culturelles.


Saint-Pétersbourg, église du Saint-Sauveur-sur-le-Sang-Versé

L’après-Grande Guerre nous laissent des témoignages qui, encore aujourd’hui, révulsent nos sentiments et dont nous trouvons trace dans des livres comme Les Réprouvés d’Ernest von Solomon. Que dire de ce doux flirtage entre la République de Weimar, suivie par les Nazis, et l’éternel sourire de Staline derrière sa moustache, des collaborations qui inclurent moins l’art que les armes.

Doit-on considérer la guerre de 41-45 comme un chef-d’œuvre, en paraphrasant le maréchal de Saxe, « un Allemand au service de la France ». Il me revient en mémoire deux ouvrages : La Chute de Berlin de Beevor, et le Journal d’une femme à Berlin. La monstruosité nous apparaît dans toute sa force. Combien de centaines de milliers de femmes ont été violées, des meurtres, des rapines. L’Armée rouge volait tout, même les rivets des portes. Et doit-on oublier ces deux millions d’Allemands de la Volga, déportés et perdus pour l’humanité en Sibérie. La couleur de la Russie était rouge sang. L’Allemagne ne doit pas être absoute.


Berlin, Reichstag

C’est dans les yeux de ma belle-mère, âgée de quatre-vingt ans, que je vis cette expression de peur que partageaient nombre de personnes de cette génération sur la Russie. Leur armée faisait davantage figure d’hordes de barbares que de libérateurs. Bien sûr il y eut Kandinsky et les artistes russes venus en Allemagne à l’époque du Bauhaus. Mais la Russie fait toujours peur.

Cette exposition d’une rencontre entre deux cultures me rappelle le film Le Pianiste de Polanski, où un officier SS sauve la vie d’un Juif, non parce qu’il est un homme, mais parce qu’il joue merveilleusement bien du piano. Les relations entre l’Allemagne et la Russie sont faites de cynisme, plus souvent de barbarie, mais ont rarement été culturelles. L’ours de Berlin et l’ours de Moscou ne peuvent cohabiter sans s’entretuer….


Affiche du Pianiste de Polanski

L’exposition Russes et Allemands. 1000 ans d’art, d’histoire et de culture au Neues Museum de Berlin tente de trouver et de prouver l’existence de liens artistiques entre l’Allemagne et la Russie. Vous pouvez la visiter jusqu’à fin janvier. Pour vous imprégner de l’art allemand ou russe, vous pouvez parcourir les pages de Répine de Grigori Sternin et Jelena Kirillina, Serov de Dmitri V. Sarabianov et Valentin Serov, ou de La Peinture allemande de Franz Dülberg.

Weltuntergang mit anschließender Aftershow-Party

Der Weltuntergang scheint dieses Jahr wieder einmal zum Greifen nah und selbst bei Facebook lädt eine Gruppe zum Weltuntergang mit anschließender Aftershow-Party ein. Zittern oder Zelebrieren wir diesem Tag entgegen?

Der 21. Dezember 2012 wurde aufgrund des endenden Maya-Kalenders zum letzten Tag der Erde erklärt. Dass dieser Kalender aber nur das Ende eines Zyklus‘ bedeutet und laut den Maya logischerweise ein weiteres neues Zeitalter beginnt, verschwiegen viele Interpreten und Katastrophenforscher. Nur einige kompetente Wissenschaftler widerlegten diesen vermeintlichen Untergang anhand des Dresdner Codex.

Doch nicht nur endende Maya-Kalender, sondern vor allem zahlreiche Weltuntergangspropheten versprechen und versprachen immer wieder die Apokalypse. Neben zahlreichen Astronomen finden sich religiöse Glaubensgemeinschaften wie die Mormonen und die Zeugen Jehovas unter den Weltuntergangs-Verkündern. Und auch Girolamo Savonarola oder Martin Luther (sogar mehrfach) gliedern sich ebenso in die Reihe der Propheten der bisher nie stattgefundenen Weltuntergänge ein wie Nostradamus, Sir Isaac Newton, Charles Manson oder der Modemacher Paco Rabanne.


Pieter Bruegel d. Ä., Sturz der gefallenen Engel, 1562.
Öl auf Holz, 118,5 x 162,5 cm.
Koninklijke Musea voor Schone Kunsten van België, Brüssel.

Doch wie haben wir uns diesen Weltuntergang vorzustellen? Vermeintlich genaue Daten liefern uns regelmäßig Wahrsager, Sektenführer, Wissenschaftler oder einflussreiche Persönlichkeiten; die Bilder liefert uns jedoch die Kunst. Seit Jahrhunderten stützen bildende Künstler unseren Glauben an das Ende der Welt, den Höllenschlund, die Welt bevölkernde Monster und Ungeheuer oder, ganz modern, an Außerirdische, die die Weltherrschaft an sich reißen wollen. Und trotz der schauerlichen Darstellungen von Drachen, Mischwesen und Ungeheuern wahren doch vor allem Künstler wie Bosch, Dürer oder Mantegna den künstlerischen Anspruch. Ihnen gelingt es, das Schöne im Hässlichen zu offenbaren.


Andrea Mantegna, Schlacht der Meeresgötter, um 1470-1475.
Kupferstich, 28,3 x 82,6 cm.
Devonshire collection, Chatsworth House, Chatsworth.

Wenn Sie sich von der Schönheit der Darstellungen apokalyptischer Visionen mit all ihren Monstern und Ungeheuern überzeugen lassen wollen, so haben Sie auf jeden Fall noch bis zum 10. März 2013 in der Ausstellung Beautiful Monsters: Beasts and Fantastic Creatures in Early European Prints in der Art Gallery of Alberta, Edmonton, Kanada, die Gelegenheit dazu. Falls Sie den Weltuntergang zu Hause erwarten, finden Sie mit dem Buch Apokalypse von Camille Flammarion oder, wenn Sie es weniger skurril mögen, mit dem Buch Tiergemälde von John Bascom, beide im Verlag Parkstone International erschienen, einen idealen Zeitvertreib.

Rodin, das Fleisch, der Marmor.

Dieser Titel weckt in mir das spontane und immense Verlangen nach einem gut gebratenem Beefsteak, außen scharf angebraten, innen zart rosa und in der Mitte noch etwas blutig, das ganze mit Salz und Pfeffer gewürzt – ein Genuss. Viele Vegetarier und Veganer, die meinen größten Respekt, aber auch mein Unverständnis haben, werden auf dieses Verlangen eher mit Abscheu oder Ekel reagieren.

Fleisch ist generell ein viel erforschtes und heiß diskutiertes Thema. Isst man es oder isst man es nicht? Und wenn ja, ist zu viel rotes Fleisch ungesund? Wie kann ich mich ausgeglichen ernähren. Aber die entscheidende und meistumstrittene Frage überhaupt: Wie bereite ich ein gutes Stück Fleisch zu? Und wie unterscheide ich im Vorfeld ein gutes von einem weniger guten Stück Fleisch? Mehr oder weniger hilfreiche Tipps und Tricks versuchen uns viele Zeitschriften, Kochsendungen und Bücher zu vermitteln und so ist das Beef-Magazin gar nicht mal verkehrt und vielleicht auch gerade deshalb interessant, weil es seinen ungebrochenen Anspruch auf Männlichkeit bewahrt. Und irgendwie haben die Redakteure damit ja auch recht: Fleisch ist männlich – und die Grillsaison beginnt jedes Jahr am 01. Januar und endet am 31. Dezember.

Aber Fleisch ist ebenso sexy. Ja, Fleisch ist sexy, weil ein pures Genussmittel. Im übertragenen Sinne hat sich hieraus ja auch die Fleischeslust ergeben, die Lust auf das Fleisch des anderen Geschlechts – Sex, Erotik und Leidenschaft sind in dieser Lust inbegriffen. Ob Rodin nun ein Steakliebhaber war, ist schwer zu beurteilen, jedoch lag ihm die Darstellung der Fleischeslust: der Lust am Schauen, der Begierde des Fleisches für das Fleisch. Nackte erotische Körper scheinen aus dem Marmor zu entspringen, entstehen aus ihm, zeigen Leidenschaft in der Bewegung, im Moment des Kusses, in der Umarmung.


Auguste Rodin, Danaid, um 1889.
Marmor, 36 x 71 x 53 cm.
Musée Rodin, Paris.

 

Ob Sie nun Fleischliebhaber, Vegetarier, Veganer oder Frutarier sind, genießen Sie die Skulpturen Rodins – das dem Marmor entwachsende Fleisch – noch bis zum 1. September 2013 im Musée Rodin in der Ausstellung Rodin, la chair, le marbre oder holen Sie sich die Leidenschaft dieses Bildhauers in hochauflösenden Abbildungen mit den verschiedenen Formaten des Verlages Parkstone International nach Hause und entdecken Sie diesen einzigartigen Künstler durch die Augen des großen Dichters Rainer Maria Rilke.

Where the Wild Things Are

It is at dusk that our imaginations and fears start to play tricks on our minds.  The sun-filled, logical part of the day is over. Twilight deepens.  Looming shadows, the scuttling of animals, and eerie, indiscernible shapes; the witching hour approaches.  This is the time, walking home from work on a cold winter’s night, when your brain conjures up all those things that go bump in the night.  You walk faster, trying to get ahead of the possible footsteps behind you, jump at the tree branch when it brushes your shoulder, and peer ahead into the gloom, trying desperately to make out what the troll-like shape is in front of you (it’s a wheelie bin).


Now, transfer those feelings of wintery evening walks back to a time when people still actually believed in the creatures of the night, to a time when such mythological creatures were symbols of doom, and to a time when they were used as warnings; to frighten and warn people away from religious and moral transgressions.  In the 15^th, 16^th, and 17^th centuries, witch-hunts were a prevalent issue.  Folk-stories about wolves and other predators waiting in the depths of forests were used to frighten small children into being good.  Tales such as these, which the Brothers Grimm were so good as to collect for us, were allegories for good and evil.  The unknown and the unexplained were evil, the known and explainable were good.

 


Leonardo da Vinci. Study for the Fight against the Dragon, c. 1480. Pen and ink, grey wash, 19 x 12.5 cm. Musée du Louvre, Paris.

Artists of these time periods were able to use these stories and their own imaginations to create works to frighten, intrigue, and instruct.  Leonardo da Vinci was one such artist.  Perhaps best-known for the Mona Lisa, the Virgin of the Rocks etc., it is also true that he composed many studies using mythological creatures.  In one such, his study of a knight killing a dragon is both fantastical and allegorical; the dragon being the symbol of evil, and the knight-in-shining-armour... well, being the knight-in-shining-armour.

 


Hieronymus Bosch. The Garden of Earthly Delights, c. 1500-1505. Oil on panel, 220 x 389 cm (triptych). Museo Nacional del Prado, Madrid.

 

Artists such as Hieronymus Bosch understood the human fascination with the fantastic, and the mythical.  A fascination we retain today.  (Think Twilight, the Lord of the Rings, Harry Potter...)  This understanding of the human mindset led to Bosch’s work ‘The Garden of Earthly Delights’ to becoming one of the single most well-known pieces of art to come out of the 16^th century.  The creatures which sprung out of his imagination and onto the canvas in the central panel also serve as allegories.  The fictional creatures such as mermaids and mutated unicorns (no longer the pure white of the Garden of Eden panel, and no longer pure horse) serve to portray the indulgences and excesses of mankind, initially fun and exciting, but in the end , they lead to creations far out of the realms of my ‘bump in the night’ imagined creatures.  (See the third panel.)

So, it seems that every century has had a creepy, winter’s night walk feeling. But the best part about experiencing it in this century? For me, it’s getting into my warm, well-lit hallway, and laughing at myself for all the stories I’ve been making up in my head.  I’ll take the walk over a witch-hunt any day!

 

To experience the mythical and the monstrous, without having to endure the feeling that ghouls and ghosties are on your trail, check out the Beautiful Monsters exhibition at the Art Gallery of Alberta, Edmonton(Canada).  Being held until the 3^rd March 2013, banish your winter blues by taking a walk on the mythological wild side with artists such as Dürer, Callot, and Beham.  For a perhaps more local night in (and what could be more local than your own sitting room?) try cosying up to a copy of John Bascom’s Beauty of the Beast.

Living Marble Masterpieces

I grew up about an hour outside of Philadelphia – a hub of culture, art, and United States history. Being introduced to the arts and science (I still, in my late twenties, love to touch things in the Franklin Institute) at a young age, Auguste Rodin’s sculptures are amongst my earlier memories. I always stared at them the longest and hardest, waiting for them to breathe. You should also know I stood quite a distance away because works like Adam (bronze, modelled 1880-1881) are fairly frightening for a ten year old.

It’s said that marble is the most flesh-like material; naturally cold and hard, it needs to be warm and supple to produce the desired effect. An effect which Rodin always managed to take a bit further in all of his works, whether marble, bronze, or plaster. Viewing the lovers of Eternal Springtime (Philadelphia Art Museum, plaster, modelled 1884), it appears as if they are simply holding their breath for passers-by because they’ve been caught in a private moment and hope to be ignored so they can continue with their business.


(Okay, not the one in the Philadelphia Art Museum of which I boasted, but equally good!)
August Rodin, Eternal Spring, or Eternal Springtime, probably modelled 1881, executed 1906-1907.
Marble, 71.1 cm.
The Metropolitan Museum of Art, New York.

Greatly admiring Michelangelo, Rodin strove to equal his mastery of the human body so far as giving life to his statues. I would argue that Rodin accomplished this goal many times over, before even travelling to Italy to better study Michelangelo’s works. Depending on the piece, sadness, happiness, strength, despair, or love exudes from Rodin’s masterpieces.

The Danaïd daughters, subsequent to murdering their husbands after betrothal (49 of the 50 girls), were sentenced to the Underworld and forced to carry a jug of water to fill a bottomless bath to wash away their sins. In Rodin’s recreation, the back is beautifully rendered, as is the nape of her neck, but most of all she oozes despair at the profound error of her sin.


Auguste Rodin, Danaïd, 1889.
Marble, 36 x 71 x 53 cm.
Musée Rodin, Paris.

The Musée Rodin, already a breeding ground for magnificence and splendour, is exhibiting Rodin, flesh and marble now through 1 September 2013. You’ve got plenty of time to go and experience all of the emotions and see the intricacies of Rodin’s masterworks. Also, Auguste Rodin by Rilke is sure to be a much appreciated gift this holiday season! Wonderfully written and breathtakingly illustrated, don’t miss out on these books (Rodin by Rilke) about nearly-modern day Rodin!

-Le Lorrain Andrews

Vorhang auf für die Expressionisten im Käfig der wilden Bestien

Die Versteigerung dauerte gerade mal 12 Minuten, dann stand im Mai 2012 beim New Yorker Auktionshaus Sotheby’s die neue Rekordsumme fest: 91,033,826 Millionen Euro (107 Millionen Dollar zuzüglich des Zuschlags für das Auktionshaus) für den letzten sich bis dato in Privatbesitz befindlichen Schrei von Edvard Munch (1863-1944). 70 Jahre lang befand sich das Werk im Privatbesitz der Olsen Familie. Thomas Olsen, ein Nachbar Munchs und Nachkomme der großen norwegischen Reederei-Dynastie, war nicht nur ein Freund, sondern auch einer der größten Förderer des Künstlers.

Damit ist das 1895 gemalte Pastell das teuerste je versteigerte Kunstwerk der Welt und verdrängte den bisherigen Rekordhalter, das im Jahr 2010 für 106,5 Millionen Dollar im New Yorker Auktionshaus Christie's versteigerte Gemälde Nackte, Grüne Blätter und Büste Pablo Picassos (1881-1973) auf den zweiten Platz. Noch größere Summen sollen jedoch mitunter bei Direktverkäufen zwischen Privatpersonen fließen, so soll ein Unbekannter im Jahr 2011 für Cézannes Gemälde Die Kartenspieler (1892-1896) 250 bis 275 Millionen Euro gezahlt haben[i]. Aber nicht nur die erzielten Summen sind interessant, sondern auch, dass mit Ausnahme des Schreis, des ältesten Gemäldes der Liste, alle Arbeiten aus dem 20. Jahrhundert stammen. So nehmen erstaunlicherweise die Arbeiten Jackson Pollocks (1912-1956) und Willem de Koonings (1904-1997) mit 140 und rund 138 Millionen Dollar die ersten zwei Plätze des Rankings ein. Der im Jahr in Lettland geborene Mark Rothko (1903-1970), ein weiterer Vertreter des Abstrakten Expressionismus der New Yorker Schule schaffte es mit der Auktionssumme von gerundet 87 Millionen Dollar auf Platz 9 und der irische Maler Francis Bacon (1909-1992) mit knapp über 86 Millionen auf Platz 10. Darüber hinaus tauchen drei Picassos und zwei Werke Gustav Klimts (1862-1918) im Mittelfeld der Top Ten auf[ii].
Wo bleiben die Alten Meister? Wo die sonst so beliebten französischen Impressionisten?


Picasso, Nackte, Grüne Blätter und Büste, 1932.
Privatbesitz.


Ernst Ludwig Kirchner, Der rote Turm in Halle, 1915.
Tempera auf Leinwand, 120 x 90,5 cm.
Museum Folkwang, Essen.

An der Schwelle zum 20. Jahrhundert noch undenkbar, entstammen die teuersten Arbeiten ganz klar der Moderne und sind teilweise der Klassichen Moderne, dem Expressionismus sowie Symbolismus sowie teilweise der zeitgenössischen Moderne zugehörig. Dass zeitgenössische Künstler heute solche Preise erzielen können, haben sie dabei ihren „wilden“ Vorreitern zu verdanken.


Henri Matisse, Der Tanz, 1909-1910.
Öl auf Leinwand, 260 x 391 cm.
The State Hermitage, St. Petersburg.

Henri Matisse (1869-1954), André Derain (1880-1954) und Maurice de Vlaminck (1876-1958), um nur die bedeutendsten, der als Fauves (frz. für wilde Bestien) bezeichneten Künstler zu nennen, lösten bei den Zeitgenossen einen regelrechten Schock aus. Die abstrakten Formen, die knalligen miteinander kontrastierenden Farben – was wäre wohl passiert, wenn sie mit einem Pollock konfrontiert gewesen wären?

Das Museum Folkwang in Essen stellt in der Ausstellung Im Farbenrausch: Munch, Matisse und die Expressionisten noch bis zum 13. Januar 2013 erstmals die Werke der französischen Fauves, die Arbeiten Edvard Munchs und die der deutschen und russischen Expressionisten wie Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Alexej von Jawlensky, Wassily Kandinsky, Gabriele Münter und Franz Marc einander gegenüber.

Erfahren Sie mehr über die Wegbereiter der Moderne und deren Einfluss auf die nachfolgende Künstlergeneration mit Hilfe der im Verlag Parkstone-International auch als E-Book erschienenen, reich illustrierten Titeln Munch(von Patrick Bade), Munch (von Elizabeth Ingles), Van Gogh und Expressionismus.

C. Schmidt

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[i] Die zehn teuersten Gemälde der Welt - weiter lesen auf FOCUS Online: http://www.focus.de/kultur/kunst/die-zehn-teuersten-gemaelde-der-welt-275-millionen-euro-fuer-einen-pollock_aid_746688.html (26.11.2011)

[ii] Liste der teuersten Gemälde. http://de.wikipedia.org/wiki/Liste_der_teuersten_Gem%C3%A4lde (26.11.2011)

Lessons to be Learnt from The Wizard of Oz and Matisse

Imagine you’re Dorothy.  You have just escaped Auntie Em and a life of rusticated farm-life.  You step out of your house, and no more black-and-white, but BOOM!  It’s a colour explosion, where you are literally on the other side of the rainbow.  And never mind those Munchkins...

 
What would you think, honestly?  That you are in some strange kind of fever-dream?  Or that you have accidentally ingested a potent hallucinogenic (let’s forget for the moment that Dorothy probably doesn’t know what that is)?  Or, simply, that you’ve just gone crazy?

 


Henri Matisse. 1869–1954, Portrait of Lydia Delectorskaya, 1947. Oil on canvas, 64.5 x 49.5 cm. The State Hermitage Museum, Saint-Petersburg.

 

I think it fair enough to say that these feelings may be eerily similar to those experienced by Matisse and co. upon their first discoveries of the Impressionists, and the likes of van Gogh and John Peter Russell.  Whilst initially taken aback by the liberal use of colour and the breaking of the rules in their painting, Matisse, Munch, and the Fauves (which literally means “The Wild Ones”), went even further.  They broke into abstraction, broke the subject down and simplified it, and colour: bold, unadulterated colour was the basis of all their work.

 
Do you think that if Dorothy knew what lay in wait for her on the other side of the rainbow that she would have been as eager to go? Unlike Dorothy, as the Fauves opened up a bright, shiny, new Technicolour world with their artwork, it is impossible for us to go back.  The age of suppressed and reserved art, the era of black-and-white, has gone.  The question is, do we behave like the Scarecrow and the Tin-Man, ready to face this new and exciting world (albeit one tinged with a few flying monkeys), or do we cower like the Cowardly Lion?  I leave it to you to decide... Remember, there’s no place like home but it’s up to you how you decorate it!

 


Henri Matisse, The Dance, 1909-1910. Oil on canvas, 260 x 391 cm. The State Hermitage Museum, Saint-Petersburg.

 

The Museum Folkwang in Germany is giving visitors a chance to step into their very own version of Oz, with the help of the Fauves and the Expressionists.  I promise that you will not encounter a single Wicked Witch of the West...and no, mother-in-laws do not count.  The Ecstasy of Colour exhibition is ongoing until the 13^th January 2013, so if you are in the area, make sure to pencil it into your diary!  If you can’t quite make it before January, not to worry.  You’ll be able to catch up with Parkstone International’s very own Munch, by Elizabeth Ingles, or Expressionism, written by Ashley Bassie.

Rome, ville caméléon ?

Rome est symbolique, culturelle et éternelle. Si la ville de la Dolce Vita de Fellini attire toujours aujourd’hui des milliers de touristes c’est parce qu’elle fascine par son passé, par ses vestiges antiques et par sa nourriture (il est bien connu, au niveau gastronomique que l’Italie est une valeur sûre).

Qui a-t-il de plus agréable, après une journée de visites, que de déguster un gelato assis sur les marches de la Piazza di Spagna, ou de boire un apéro à la tombée de la nuit, en regardant le spectacle de la rue, les hommes d’affaires ultra gominés en costard-cravates, chaussures cirées ayant terminé leur journée, les italiennes, féminines à souhait, les groupes de jeunes sur leurs scooters, le tout, accompagné d’un fond sonore mêlant accordéon et  « Ciao, come va ?; Com’è andata la giornata ?; un bicchiere di vino per favore. » 

Cliché ? Certainement. C’est… la dolce vita.

En apparence, Rome fait rêver, et si tout ne vous semble qu’être architecture, sculpture, vestiges romains, beauté et perfection,  alors détrompez-vous ! Rome possède aussi un passé sombre et des entrailles que Victor Hugo dans les Châtiments, qualifiait de « ténèbres ». Par entrailles j’entends les égouts de Rome, et la Cloaca Maxima, le canal qui, dans la Rome Antique desservait le forum romain et servait à emporter les eaux pluviales et les immondices de la ville. Autant dire qu’avant que celle-ci ne soit couverte, la capitale italienne était la porte ouverte à de nombreux problèmes d’insalubrité, et d’épidémies.

Si la Rome terrestre est un monde, la Rome souterraine en est un autre. Un enfer sombre, qui s’étend sur des kilomètres, et qui s’ouvre parfois sous les pieds des passants. Ce monde obscur, fétide, boueux, royaume des rongeurs se transforme en ruisseau lorsqu’il pleut. Ce monde du néant, ou seul le bruit des bêtes se fait entendre, recueille tous les vices de Rome. On en oublierait presque que quelques mètres au-dessus de cet antre, se trouve une Rome vivante, bruyante, chaotique dans laquelle ont œuvré de nombreux artistes ;  le Colisée,  le forum antique, le Vatican, la Basilique Saint Pierre et la Pietà de Michel-Ange ; la Fontaine de Trevi ; la Piazza Navona et la Fontaine des 4 Fleuves du Bernin.


Bernini, la place Saint Pierre, Vatican


Fellini, La Dolce Vita, Marcello Mastroianni et Aanita Ekberg

Rome ville diabolique, Rome ville historique et Rome vedette de cinéma. Fellini sera sans aucun doute l’un des premiers la filmer. La Dolce Vita est un éloge de la capitale italienne et Fellini, en y faisant déambuler ses personnages nous en montre les plus beaux recoins,  notamment la fontaine de Trevi avec cette célèbre scène que je ne peux m’empêcher de comparer à  l’une des œuvres du Bernin. Le Bernin qui était à la sculpture ce que Fellini était au cinéma, c'est-à-dire un artiste aux multiples facettes, doté d’une virtuosité technique incroyable. Ses sculptures majoritairement de thèmes bibliques possèdent un effet dramatique et théâtral. L’expression est parfois caricaturale, tout comme l’était le caractère de certains personnages de Fellini, si bien que l’on en arriverait  presque à comparer la Sylvia (Aanita Ekberg) « en extase » de Fellini dans cette fameuse scène, à l’Extase de la sainte Thérèse du Bernin.


Le Bernin, L’Extase de sainte- Thérèse, 1652,
Chapelle Cornaro de l'église Santa Maria


Fellini, La Dolce Vita, 1960. Della Vittoria à Rome.


Le Bernin, Fontaine des 4 Fleuves, 1648 - 1651, Piazza Navona, Rome

Rome reste LA ville italienne par excellence et si aujourd’hui Fellini, Mastroianni, Michel-Ange et le Bernin ne sont plus, d’autres ont pris la relève. L’un des derniers en date : Tom Hanks dans le film Anges et Démons de Ron Howard.

Si vous avez l’opportunité d’être à New York d’ici Janvier 2013, ne ratez pas l’exposition Bernini Sculpting in Clay  du 3 octobre 2012 au 6 janvier 2013, au Metropolitan Museum. Prenez le temps d’aller apprécier les esquisses en argiles de ce qui représente aujourd’hui les chefs d’œuvres de la capitale Romaine, puis à l’occasion pourquoi ne pas vous y rendre lors d’un éventuel futur voyage ! Vous pouvez aussi consulter le livre L’Art Baroque de Victoria Charles.

Impressionnistes paparazzis

Les peintres impressionnistes étaient les photographes de leur temps. Intéressés bien sûr par les paysages, mais aussi par les femmes, les intérieurs intimes et les loisirs alors en vogue. Les cocottes parisiennes, vivant à Montmartre ou Montparnasse ne sont rien de moins que les Paris Hilton et Kim Kardashian du xix^e siècle. Elles dictaient la mode qui était copiée par toutes les femmes quelle que soient leurs classes sociales.


Claude Monet, Madame Louis Joachim Gaudibert (détail), 1868.
Huile sur toile, 216,5 x 138,5 cm.
Musée d’Orsay, Paris.

Les peintres voulaient capter l’air du temps et rendre compte du goût par la même occasion. Renoir ou Monet  pénètrent dans la vie intime, accordent beaucoup d’attention au corps féminin qu’ils tracent précisément sous des tissus délicats ou qu’ils montrent nus. Les accessoires de mode et les dessous féminins ne sont plus choquants mais deviennent des outils de séduction. Certaines toiles impressionnistes sont de réelles illustrations des mœurs du moment et s’approprient la vie privée des femmes, comme le sont les magazines people aujourd’hui. Jupons, corsets, bas et nudité ne sont plus cantonnés au privé et au scandale.

Compiler les toiles impressionnistes sur deux à trois décennies revient presque à regrouper des images de mode qui pourraient tout à fait fournir le matériel suffisant à la création d’un blog par une fashionista en herbe. Les impressionnistes, blogueurs du xix^e ?


Édouard Manet, Nana, 1877.
Huile sur toile, 264 x 115 cm.
Kunsthalle Hamburg, Hambourg.

Pour découvrir tous les dessous de cette thématique, vous pouvez admirer l’exposition très complète sur la mode et les impressionnistes du musée d’Orsay jusqu’à la fin du mois de janvier 2013 ou parcourir les pages de L’Impressionnisme.

Caravaggio und der Caravaggismus

Die meisten erfolgreichen künstlerischen Werdegänge sind geprägt von Gönnern, Kennern, Ausbildung, Rezeption, Kreativität und Auftraggebern. Dies gilt auch für eine Gruppe von Künstlern, die es zu Beginn des 17. Jahrhunderts, traditionell der Ausbildung entsprechend, nach Rom zog, und damit in eine Stadt, die zu jener Zeit von einem tendenziell normzerstörenden Künstler geprägt war – Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610). Mit seinen fesselnden Kompositionen, einem radikalen Naturalismus und einer zuvor nicht gekannten Lichtregie entwickelt er einen ihm eigenen Stil. Figuren werden mithilfe der schlaglichtartigen Beleuchtung modelliert, der verdunkelte Hintergrund wird undefinierbar und so die Szene dramatisch zugespitzt.

Für diese Gruppe nach Rom drängender junger Künstler aus Utrecht, unter ihnen Dirck van Baburen (1595-1624), Hendrick ter Brugghen (1588-1629) und Gerrit van Honthorst (1592-1656), sollte Caravaggio zum künstlerischen Vorbild avancieren. In Rom fanden sie seine Bilder nicht nur in den Kirchen und Palazzi, sondern auch bei ihren eigenen Auftraggebern wie etwa Vincenzo Giustiniani (1564-1637).

Die Utrechter Caravaggisten, wie sie sich, zurück in den Niederlanden, ab 1620 nannten, schufen vor allem Historiengemälde und zahlreiche Genrebilder, in denen sie mit Vorliebe Dirnen, Musikanten und Wirtshausszenen darstellten. Das Schlaglicht Caravaggios erhielt Einzug in die traditionellen niederländischen Bildthemen, die caravaggeske Beleuchtung wurde durch künstliche Lichtquellen wie brennende Kerzen ergänzt.


Hendrick ter Brugghen, Junger Mann, seine Pfeife mit einer Kerze anzündend, ca. 1625.
Öl auf Leinwand, 67,6 x 55 cm.
István-Dobó-Museum, Eger.

Während Michelangelo Merisi da Caravaggio den entscheidenden und unverkennbarsten Einfluss auf diese jungen Maler hatte, so gab es doch zahlreiche europäische Künstler, die Caravaggio rezipierten. In Italien gehörten Bartolomeo Manfredi (1580-1622), Orazio und Artemisia Gentileschi (Vater (1563-1639) und Tochter, (1593-1653)) und Carlo Saraceni (1570-1620) zu den bedeutenden Vertretern, die Lichtregie und Realismus der Modelle übernahmen, in Frankreich sollten vor allem Simon Vouet (1590-1649), Valentin Boulogne (1591-1632) und Georges de La Tour (1593-1652) den Caravaggismus prägen.

Lassen Sie sich von einem der großartigsten und künstlerisch einflussreichsten Maler der Kunstgeschichte und seinen Rezipienten noch bis zum 10. Februar 2013 in der Ausstellung Bodies and Shadows: Caravaggio and His Legacy im LACMA Los Angeles fesseln, oder entdecken Sie den Meister von Licht und Schatten und seine dramatischen Kompositionen in den verschiedenen Formaten, Best Of, Mega Square und Temporis, des Verlages Parkstone International.

Le Caravage, génie scandaleux

Ombre et lumière, Mal et Bien, anges et démons, voilà le contraste qui marque tout l’Œuvre du Caravage et qui continue de frapper les esprits des admirateurs de ses toiles. Il s’agit de l’antagonisme le plus simple de tous les temps, presque manichéen, celui qui passionne l’homme depuis toujours. La vie du Caravage, faite de pauvreté, de rixes, d’affaires de mœurs, et les quelques soixante toiles qui nous restent de lui, sont l’illustration parfaite de l’attraction du public pour le scandale.


Le Caravage, Judith décapitant Holopherne, vers 1598.
Huile sur toile, 145 x 195 cm.
Galleria Nazionale d’Arte Antica di Palazzo Barberini, Rome.

Le Caravage n’appartenait à aucune école de peinture. Même de son vivant, il était suivi d’une réputation à l’odeur de soufre. Quand il ne travaillait pas sur des scènes issues de ses nuits passées dans des tavernes (joueurs, gueux et autres diseuses de bonne aventure), il utilisait presque tout le temps des thèmes religieux et a révolutionné l’utilisation de la lumière mettant en relief les zones sombres de ses toiles : il a véritablement créé la notion de clair-obscur.


Le Caravage, Christ à la colonne, vers 1607.
Huile sur toile, 134,5 x 175,5 cm.
Musée des Beaux-Arts, Rouen.

Libertin, très certainement homosexuel, il faisait fi des conventions et dans des scènes religieuses pleines de dévotion, il a introduit un réalisme tel qu’on l’accusait de sacrilège. En effet imaginez à une époque où la religion dictait la bonne conduite de la société : voir le corps du Christ ou des apôtres à demi-nus, dans des poses lascives, c’était aller trop loin ! Et en vérité, en regardant des peintures de ce peintre, nous devons admettre que nous cernons immédiatement le côté subversif de son travail, encore au xxi^e siècle ! Même sa mort causée par la malaria sur une plage italienne fut une provocation. Comment ne pas voir dans sa vie et son destin hors-normes un prélude aux vies et à l’attraction de nos stars contemporaines ?

Vous pouvez visiter le Los Angeles County Museum of Art jusqu’en février 2013 et admirer des toiles du Caravage accompagnées de 48 peintures réalisées par des artistes qu’il a inspirés. Los Angeles est trop loin ? Commander le livre Le Caravage par Felix Witting and M.L. Patrizi.

Naughty but … Nice?

Michelangelo da Caravaggio – what a drunken, jealous, hot-headed mess. I’m sure if psychiatric hospitals existed in the late 1500s, he would have spent time in one – and probably lived a bit longer because of it. Today it seems artists (mostly actors and singers) encourage us commoners to “feel our crazy”, you know, to see where it takes us. But Caravaggio wouldn’t have even made it to even 39 were he alive today if he kept up his shenanigans. Fun to party with, perhaps, but no one you could possibly (read: should) take too seriously.


Caravaggio, Judith Beheading Holofernes, c. 1598.
Oil on canvas, 145 x 195 cm.
Galleria Nazionale d’Arte Antica di Palazzo Barberini, Rome.

Upon discovering Caravaggio, you generally learn about his tumultuous behaviour and mis-behaviour. We’re all aware that he wasn’t a very well-liked person, yet we manage to appreciate his major contribution to the art world – even if he only had 15 years to pull it off. We also all know that his art and name essentially dropped off of the face of the earth after his death until the 20^th century. BUT! There were people from before and after his death that greatly admired his strong contrast between light and dark – chiaroscuro – and quickly followed suit – copycats.


Caravaggio, Christ at the Column, c. 1607.
Oil on canvas, 134.5 x 175.5 cm.
Musée des Beaux-Arts, Rouen.

Highlighting the face, hands, ::cough:: bosom, of the characters in a painting draws viewers in. It’s dark, it’s sexy, it’s alluring – okay, maybe not Caravaggio’s The Tooth Puller (1608-1610). It’s almost like anyone in a chiaroscuro-styled painting is up to something that we may not want to see in the light – which, face it, Caravaggio probably was. Viewing one of these paintings is like being in on a dark secret, and who doesn’t like gossip?


Georges de La Tour, The Magdalen with the Smoking Flame, c. 1638-1640.
Oil on canvas, 117 x 91.76 cm.
Los Angeles County Museum of Art, Los Angeles.

I wouldn’t suggest following your crazy too far (cue in my strong distaste for Lady Gaga). Rather, see eight of Caravaggio’s darkest and most alluring paintings along with 48 others by artists whom he inspired now through 10 February 2013 at the Los Angeles County Museum of Art. Can’t get to LA? Order this equally dark, but well-illustrated, ebook and learn more of his secrets: Caravaggio by Felix Witting and M.L. Patrizi.

-Le Lorrain Andrews