A solas con Hopper

Para una amplia mayoría de historiadores del arte y críticos, la obra de Hopper está necesariamente ligada a la soledad. Así pues, ya que debemos hablar de Hopper, hablemos de soledad. Y ya que estamos, hagámoslo de la soledad llevada al extremo, que es el solipsismo. Este término alude a una forma extrema de subjetivismo que afirma que lo único que existe es el propio yo o, al menos, lo único que puede ser conocido. Cualquier noción externa a uno no tiene entidad sino como producto de nuestra mente. Bueno, de «mi» mente, ya que estoy yo sola. Sería algo así como Juan Palomo in extremis.

Realmente se presenta como una idea desoladora, pero podría verse como la única forma de preservar la singularidad ante un mundo cada vez más masificado. En este sentido, la obra de Hopper se podría calificar de solipsista, porque las figuras que representa parecen elegir estar solas, incluso aunque aparezcan en compañía de otros. La soledad es su forma de no participar de la modernidad, del optimismo generalizado, de las incongruencias del mundo; es una forma de ensimismamiento. A este respecto, Hopper declaró que la abstracción que se desprende de sus cuadros tal vez no fuera otra cosa que un reflejo de su propia soledad, o quizá un elemento característico de la condición humana.

 


People in the Sun (Grupo de gente al sol), 1960.
Óleo sobre lienzo, 102,6 x 153,4 cm.
Smithsonian American Art Museum, Washington D.C.

 

En People in the Sun, por ejemplo, vemos a un grupo de personas orgullosas de su propia soledad, con la mirada fija en el horizonte o en una hoja de papel, sin establecer ningún tipo de contacto entre ellos. La absoluta falta de comunicación acentúa la sensación de soledad. Esta obra reúne todos los elementos característicos de Hopper: las grandes formas geométricas, la aplicación de colores planos, la presencia de elementos arquitectónicos y, por supuesto, el protagonismo de la luz, que al proyectar las sombras sobre el pavimento parece ser lo único que tiene movilidad en la composición.

 


Two Comedians (Dos comediantes), 1966.
Óleo sobre lienzo, 73,7 x 101,6 cm.
Colección de la familia Sinatra.

 

En una de las biografías de Hopper se afirma que se identificaba con la marginalidad de los payasos y otros artistas igualmente ajenos al mundo real. Así, en su última obra, Two Comedians, vistió a su mujer, Josephine, y a sí mismo de pierrots que saludan al público al final de su actuación. Hopper hace una reverencia al espectador y lleva de la mano a aquella que lo acompañó en todo. ¿Qué significa esto? ¿Acaso trataba de decirnos que la soledad que pintaba no era más que metafórica, pues siempre la compartió con Jo? ¿Tal vez es una broma de mi mente solipsista que trata de hacerme entender que el Hopper del que hablo no era más real que este que se despide vestido de comediante?

 

Tanto si existes fuera de mi mente como si no, no te pierdas la mayor retrospectiva dedicada al artista que acoge el Grand Palais de París hasta el próximo 28 de enero ni desaproveches la oportunidad de llenar tu soledad con esta monografía en formato electrónico de Gerry Souter.

 

 

Die Geschichte zum Bild

Ein gutes Buch zu lesen, sich in seinen Charakteren zu verlieren, ihnen gedanklich ein physisches Äußeres zu verleihen, Emotionen nachzuvollziehen und sich mit ihnen zu identifizieren, bedeutet, einen Moment der Kurzweil genießen.

Doch was uns bei der Metamorphose der Geschichte in Bilder so einfach fällt, scheint umgekehrt mitunter abwegig. Gemälde und Skulpturen werden betrachtet, für schön befunden oder auch nicht, analysiert und interpretiert, die technische Meisterleistung wird gelobt und Details werden bewundert. Doch in all der mehr oder weniger wissenschaftlichen Auseinandersetzung scheint es absurd, die Kurzweil zu genießen, zum Dargestellten auch eine Geschichte zu erfinden, das Bild aus seiner singulären Stellung als plane kolorierte Leinwand in die Komplexität der Künste und Imagination zu überführen. Wir können ein Kunstwerk analysieren, den Goldenen Schnitt finden oder vielleicht sogar die Intention des Künstlers entschlüsseln, aber wir könnten uns ebenso gut die Zeit nehmen, dieses Werk zu betrachten und ihm eine Geschichte zu geben.

Jan Vermeer (1632-1675) und Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) sowie viele andere Künstler verleiten geradezu dazu, sich zu fragen, was Vermeers Mädchen mit dem Perlenohrring (um 1665; Den Haag, Königliche Gemäldegalerie Mauritshuis) dazu bewogen hat, sich noch einmal umzuschauen oder ob sich Renoirs Mädchen im Tanz in Bougival (1883; Boston, Museum of Fine Arts) doch noch küssen lassen wird.

Einer der wohl geeignetesten Künstler für ein solches „Experiment“ ist Edward Hopper. Seine von den Kritikern häufig als Entfremdung des Individuums in der Einsamkeit der Großstadtmetropole charakterisierten Darstellungen bieten der Fantasie aufgrund der minimalistisch ausgestatteten Interieurs, der übersteigerten Lichtregie und der Momentaufnahmen der Figuren einen weiten Spielraum.

 


Edward Hopper, Western Motel, 1957.
Öl auf Leinwand, 77,8 x 128,3 cm.
Yale University Art Gallery, Bequest of Stephen Carlton Clark, B.A. 1903.

 

Die Dame im Western Motel beispielsweise schaut erwartungsvoll in die Richtung des Betrachters, ihr Koffer ist bereits gepackt, das Auto vorgefahren. Wird sie sich von dem Mann, der nichtsahnend auf dem Zimmer noch im Bett liegt und schläft, verabschieden oder wird sie dem Fahrer des grünen Wagens ihr Gepäck überlassen und wieder in ihren Alltag, in ein Großraumbüro nach New York zurückkehren?

 


Edward Hopper, House by the Railroad, 1925.
Öl auf Leinwand, 61 x 73,7 cm.
The Museum of Modern Art, New York.

 

Oder was verbirgt sich hinter den halb geöffneten Fensterläden der ersten Etage von Hoppers House by the Railroad? Hitchcock nahm es als Inspiration für seinen Film Psycho.

Schlagen Sie ein Buch auf, fangen Sie an zu lesen und lassen Sie sich in die Geschichte um die Helden und Heldinnen der Erzählung entführen. Zeichnen Sie in ihrem Kopf die Charaktere nach, erwecken Sie sie zum Leben, geben Sie ihnen in Ihren Gedanken Persönlichkeit – aber geben Sie auch den Persönlichkeiten auf der Leinwand Ihre Geschichte.

Verfolgen Sie noch bis zum 28. Januar 2013 im Grand Palais in Paris die Ausstellung Edward Hopper mit all den interessanten wissenschaftlichen Aspekten, die seine Kunst zu bieten hat oder genießen Sie die Kurzweil, wenn Sie zu Hause Ihrer Fantasie mit dem Buch Edward Hopper von Gerry Souter aus dem Verlag Parkstone International freien Lauf lassen.

 

 

Edward Hopper: The Man, The Mystery, The Muse

Edward Hopper, the man of many movements.  Whether it be romanticism, realism, symbolism, or formalism, Hopper has covered them all.  I am not going to analyse which oeuvre he was best suited to, nor to which he owes the most allegiance.  Instead I am going to try and find the man behind the paintings....

Ok, let’s fast-forward Hopper’s life a little... and hello Josephine!  A fellow artist and former student of Robert Henri (a past teacher of Hopper’s), Josephine Nivison was ‘The One’.  She was the Simon to Hopper’s Garfunkel, or the Kate to Hopper’s Wills if you want to be a little more current.  Model, Manager, Life-Companion, she truly supported her husband (publicly) in every way, which can be seen in the numerous paintings in which Hopper uses her to model various characters and figures.

Hopper has been pigeon-holed several times, from being the illustrator of the all-American way of life (Four Lane Road) to the more complex, dark, detached painter of the more sinister ‘Nighthawks’.  However, when asked about his paintings and his particular style of painting, he was noted to reply: “The whole answer is there on the canvas.”

 


Four Lane Road, 1956.
Oil on canvas, 68.6 x 104.1 cm.
Private collection.

 

If I can refer you to another statement made by Hopper, we can look at this further:

“So much of every art is an expression of the subconscious that it seems to me most of all the important qualities are put there unconsciously, and little of importance by the conscious intellect.”

He moves us here away from the subconscious of the audience but, instead, to that of its creator – the painter himself.  Such being the case, Hopper’s choices and preferences for light and dark are filled with new meaning.  If you have a look at one of his more well-known works, ‘Nighthawks’, the dark palette of the street scene combined with the shadows of the well-lit interior presents a  sinister tone.  No longer do the figures within the diner possess a careless, lonely air, but rather, they become more predatory in appearance. We, as the audience, cannot tell whether Hopper identifies with one of the inner characters, one of the predators, or instead with us, the viewer – always on the outside, looking in.

 


Nighthawks, 1942.
Oil on canvas, 84.1 x 152.4 cm.
The Art Institute of Chicago, Chicago.

 

Indeed, this seems to be a recurrent theme with Hopper.  The audience of his work is often treated to the image of a solitary figure, either through a window, or in a state of undress, to which we then have the impression of being voyeurs.  The figure (or figures) in the painting is often portrayed as being unaware of the artist/audience.  As an example, take a look at ‘Morning in a City’, as modelled by Hopper’s wife Jo. The idea of voyeurism continues.  But, with the question of the subconscious ever present, we may start to wonder at this being Hopper’s go-to perspective.  Does this mean that Hopper himself feels voyeuristic in painting, or is this a reflection of his feelings when he was amongst his peers in society; that he was on the edge, forever looking in?

We can but guess.

 


Morning in a City, 1944. Oil on canvas, 112.5 x 152 cm. Williams College Museum of Art, Williamstown, Massachusetts.

 

So, the mystery of Edward Hopper will have to go a little longer with being unanswered I think.  However, one thing we do know for certain is the regard that he bore his wife Josephine.  As I have previously mentioned, she was with Hopper for nearly every step of the way; his painting career, his public career, his life!  Although perhaps not the most tranquil of marriages (perusal of her private diaries would no doubt lead many stable couples to run screaming ‘divorce! divorce!’ down the streets), it is all the more touching to view Hopper’s final work, ‘Two Comedians’.  It shows two actors on the stage of a theatre, taking their last bow.  This is increasingly more poignant due to Hopper’s life-long love of the theatre, and upon closer inspection of the figures, we can see that the models are Hopper and Josephine themselves. After Hopper’s death in 1967 (1 year after the completion of ‘Two Comedians’), Josephine confirmed the suspicions of many, that her husband had intended it to portray the end of their life together.

In the end, this is the story that will stay with me from Hopper’s paintings.  Outsider or keen observer, it doesn’t matter, what remains in his work is the love story he wrote together with his wife.  Tumultuous and stormy maybe, but it is a love story that remains unending.

 


Two Comedians, 1965.
Oil on canvas, 73.7 x 101.6 cm.
Collection Mr and Mrs Frank Sinatra.

 

Venturing to the Grand Palais in Paris between the 10 October 2012 and 28 January 2013 will afford you the chance to catch up with the iconic painter that is Edward Hopper.  Discover the early and the mature works of one of America’s finest painters.  See for yourselves where his mastery truly lies; with the lighter style of the Impressionists, or with the darker palette of his Rembrandt-fascination. Discover, if you will, his life with Jo, as depicted in his art.  Alternatively, feel free to peruse at length ‘Edward Hopper’, written by Gerry Souter.

Le XIXe siècle, éternelle chronique de l’art français

Le xix^e siècle français : siècle de l’art de vivre à la française. Qui ne pense pas tout de suite à Toulouse-Lautrec et au monde des bordels de Montmartre, à la forte consommation d’absinthe qui, en un sens, développait l’esprit créatif, à la grande époque du Moulin Rouge, aux cafés-concerts et à Pigalle.

Révolution, industrialisation, bourgeoisie, tels sont les mots qui nous viennent à l’esprit. Mais il faut surtout penser à la Modernité, aux changements des mœurs. Comme le prouve le tableau d’Édouard Manet ci-dessous, ce siècle a été avant tout celui du renouveau et des chocs visuels pour le grand public : une femme nue au milieu d’hommes habillés, pure provocation pour l’époque.

 


Édouard Manet, Le Déjeuner sur l’herbe, 1863.
Huile sur toile, 208 x 264,5 cm.
Musée d’Orsay, Paris.

 

Son impact a dû être à peu près le même que si aujourd’hui un artiste représentait la scène avec des personnages défigurés et monstrueux, anorexiques ou obèses. Les représentations de ce type et la vision de corps humains hors-normes sont encore difficiles à regarder de nos jours. Je suis même certaine que si la scène était simplement reproduite à l’identique avec des personnages vivants, en pleine rue, de nombreux passants seraient choqués. Qui ne seraient pas dérangé de voir Sophie Marceau nue dans l’espace public ? Les féministes ne manqueraient pas de crier au scandale. L’esprit du xix^e siècle était-il plus aventureux ? Face à cette peinture, nous pouvons le supposer.

L’exposition La Bohème qui a ouvert ses portes au Grand Palais à Paris est bien la confirmation que l’esthétique de ce siècle demeure une image prégnante dans notre société, qui nous intrigue toujours.

Pour dépasser les idées reçues à propos de l’art du xix^e siècle, vous pouvez vous rendre à l’exposition « Modern Life – France in the 19^th century » à Stockholm, où toutes les expressions artistiques sont présentées : peinture, sculpture, arts décoratifs, dessins, photographie. L’exposition suédoise couvre un large xix^e siècle, de la Révolution à la première guerre mondiale. Vous pouvez aussi consulter ce livre sur l’Impressionnisme.

 

Hopper fait du cinéma

J’ai beaucoup aimé le film « L’Arnaque », avec Robert Redford et Paul Newman. Vous vous souvenez peut-être de cette scène : un café en coin de rue, Robert Redford assis face à une tasse de café, une femme brune le regarde. C’est la tueuse possédant le contrat lancé sur la tête de Robert.

Chaque fois que je revois ce film, j’ai l’impression de rentrer dans un tableau de Hopper. Un homme, une femme, solitaires, le regard perdu vers l’horizon sans fin ; des lumières oranges, vertes, qui viennent balayer avec délicatesse des visages blanchâtres.


Edward Hopper, Oiseaux de nuit, 1942.
Huile sur toile, 84,1 x 152,4 cm.
The Art Institute of Chicago, Chicago.

Cette atmosphère des films américains des années 40 et 50 correspond à une période qui rimait avec Clark Gable, Cary Grant, Humphrey Bogart, Lauren Bacall ou Rita Hayworth. C’était le cinéma d’avant « The Artist » ou de la 3D. La télévision n’avait pas franchi le seuil de nos maisons.

Les tableaux de Hopper nous font rentrer dans cette Amérique, celle des souvenirs. C’était le temps ou le cow-boy de Time Square fumait sans interdit, ou le whisky n’était pas un péché, le sexe pas un crime. L’Amérique de rêves et des espérances.

Une rétrospective « Hopper » est actuellement visible au Museo Thyssen Bornemisza de Madrid, jusqu’au 16 septembre. À partir du 6 octobre, le Grand Palais de Paris offrira aussi aux amateurs de Hopper, une exposition sur son travail. Vous pouvez préparer et compléter ces deux visites avec cette monographie sur Hopper de Gerry Souter.

 

La Beauté animale

A l’heure où le Grand Palais ouvre ses portes pour l’exposition très attendue sur la Beauté Animale, Parkstone International est ravi de présenter l’ouvrage idéal pour vous accompagner dans la découverte de ce sujet artistique unique.

Nous sommes fiers de présenter notre célèbre ouvrage La Beauté animale, imprimé en très haute qualité afin de rendre pleinement justice à cette très belle sélection d’œuvres d’art.

Cette collection exceptionnelle, une des plus appréciées des amateurs d’art animalier, rassemble les œuvres d’art portant sur monde animal. Des compagnons domestiques de la Renaissance jusqu’aux créatures exotiques de couleur vive que l’on trouve dans l’Art oriental, cet ouvrage offre chaque œuvre en vue d’ensemble ainsi que des agrandissements présentant un intérêt particulier. Ainsi les lecteurs peuvent pleinement apprécier en détail la beauté de chaque œuvre.

Comme pour l’exposition Beauté Animale, cet ouvrage inclue des œuvres d’art de maîtres anciens comme Léonard de Vinci et Eugène Delacroix, ainsi que d’autres plus contemporaines comme celles de Paul Klee et d’Andy Warhol. La qualité de cet ouvrage promet de capter votre attention, de vous informer et de vous fasciner.

Si vous voulez conserver un beau souvenir de l’exposition Beauté Animale ou si vous voulez simplement vous pencher sur le monde des animaux, notre E-Book est disponible sur Amazon.fr pour le prix de 9,95€. Pour célébrer cet événement remarquable, cet ouvrage sera bientôt disponible en format E-Book: