Where’s The Respect?

Animals:  We keep them as pets; use them for food, clothing, and transportation; we travel thousands of miles to see them on safari; gawk at them in zoos; revere them in certain religions; abhor them and call them vermin; experiment on them for medicine and for beauty; work alongside them in certain jobs; use them therapeutically; compete them; bet on them; cage them; free them; hurt them; heal them; study them; and learn from them. They truly are deeply ingrained into our way of life, and have been since the dawn of time. 

 

Andy Warhol
Panda Bear, 1983
Acrylic paint and silkscreen on canvas, 24.9 x 19.9 cm
Bruno Bischofberger collection, Zurich

 

Our treatment of our (usually) four-legged friends, as a society, differs greatly from one country to the next. Whilst in America, dogs may be getting used to being fed from the table and being dressed up in all kinds of (some would say ridiculous) outfits, in South Africa they are regarded predominantly as guard dogs, and are kept outside. In places where animals run wild, they fight for survival, and fully own the great expanse of space which they are privy to. Outside of these far-flung lands, these same animals are locked up and fed and watered on a schedule that runs like clockwork.

Certain animals have found themselves with a celebrity status, internet memes being responsible for some (Grumpy Cat?!), whilst merely belonging to an actual celebrity works for others. Tinkerbell, for example, Paris Hilton’s prize pooch, has earned some big celebrity miles due to being constantly photographed in Ms Hilton’s handbag. Max and Bubbles are perhaps two of the more unusual celebrity animals which have been thrown into the spotlight, belonging to George Clooney and the late Michael Jackson respectively. Bubbles is the high-maintenance chimpanzee who had to be re-housed in an Ape Center in Florida due to aggressive tendencies, and Max was Mr Clooney’s beloved potbellied pig, and constant companion for over 19 years until his death (the pig’s, not Clooney’s).

 

Edouard Manet
The Cats' Rendezvous, 1868
Lithograph, 43.5 x 33.2 cm
Bibliothèque nationale de France, Paris

 

I find it extremely strange that, as humans, we treat animals with such different attitudes. In general, I think we need to start showing animals a little more respect. Yes, certainly let us continue to use them in our daily lives, but humanely – be it as pets or in zoos. (Is dressing an animal up and spoiling it really the best thing for that animal? I don’t think so...) And above all, we must be far more respectful of the natural habitats of many of the world’s animal species. Conservation is a term which people should definitely make a little more room for in their vocabulary! On behalf of all the unsung Maxes, Bubbles, and Tinkerbells out there, I’ll give a little shout out to Aretha Franklin... all together now, R-E-S-P-E-C-T...

 

To see how animals have been treated in art, you need go no further than the Fine Arts Museum of San Diego, which is currently hosting a comprehensive exhibition of Artful Animals until the 28^th of April. Otherwise, why not check out John Bascom’s Beauty of the Beast?

El señor de las sombras

Este podría ser un buen apodo para Michelangelo Merisi da Caravaggio si por casualidad le hiciera falta algún tipo de presentación a este genio del claroscuro del siglo XVI. Aunque no sería únicamente por su maestría en el empleo de las luces y las sombras en sus cuadros, sino que serviría asimismo para describir su vida personal, la cual estuvo acompañada también por la presencia de jugosas tinieblas. Muchas veces hemos oído hablar de la pendenciera vida de este artista que llegó «desnudo» a Roma y que falleció de una manera sin dilucidar, abandonado por todos, cuando intentaba regresar a la capital para obtener el enésimo perdón papal. Son tantas las dudas que se albergan sobre su novelesca vida que puede que el mito y la leyenda que le acompañan sean incluso más conocidos que su obra. De hecho, en la única película que se ha producido sobre Caravaggio (Derek Jarman, 1986) no es que se le represente como un dechado de virtudes artísticas, que también, sino que le vemos jugándose el dinero en partidas a media luz, involucrado en reyertas con maleantes y siempre, o casi siempre, sin sed.

 



Jugadores de cartas o Partida de cartas, (I bari), 1595.
Óleo sobre lienzo,99 × 107 cm.
Kimbell Art Museum.

 

Es difícil determinar la cantidad de situaciones complicadas en las que se pudo ver envuelto o cuáles fueron los motivos que le llevaron a tener que huir tantas veces ―solo se suelen aducir faltas a la moral, algo que puede abarcar muchos tipos de deslices muy distintos entre ellos―, pero lo que sí se sabe a ciencia cierta es que tuvo que repintar algunos de sus cuadros por la falta de adecuación con el ideal cristiano de la época. Con frecuencia, pintaba a los santos en sus cuadros tomando como modelo personas que escogía de la calle o de los tugurios en los que alternaba. El extremo realismo que caracterizaba a sus cuadros hacía que el público de las obras no viera con buen agrado la fealdad, la voluptuosidad, la ropa gastada, o hasta la mugre con que representaba las figuras bíblicas. No es de extrañar, por tanto, que si su pasión por jugar con todo aquello que bordeara la legalidad, sumado a la provocación que sus obras despertaban en la gente y aderezado con la falta de paciencia que se dice padecía, hiciera que se viera en tesituras dignas de hacer de su vida una digna contendiente de su habilidad artística excepcional, hasta el punto de rivalizar en fama hoy en día con los mismísimos Michelangelo o Leonardo da Vinci.

 



La muerte de la virgen, 1605/06.
Óleo sobre lienzo, 349 x 245 cm.
Musée du Louvre, París.

 

Para ayudarnos a comprender la relación entre su personalidad y su obra, el LACMA (Los Angeles County Museum of Art) presentaba hace poco una exposición con 56 obras de artistas de Italia, España, Francia y Holanda que retomaron en el siglo XVII el legado de esa belleza y extrañeza que hacían de las obras de Caravaggio una fuente de emociones sublimes. La presencia de ocho obras de este enigmático artista, una cantidad récord en un museo norteamericano, hacía posible observar la evolución del artista y, por medio del análisis de la personalidad del artista, relacionar su pasión, además de su brutalidad, con las cualidades únicas de su trabajo.

Como esta exposición ya nos la hemos perdido y de momento no podremos verla en ningún otro lugar, tendremos que acudir a los excelentes libros de Felix Witting (en inglés): Caravaggio, Michelangelo da Caravaggio y Caravaggio, en los que podremos encontrar una exhaustiva colección de obras del artista, para poder deleitarnos con el juego de luces y sombras que presiden sus pinturas, e imaginar, al observar detenidamente las figuras representadas, el ambiente en el que se movía el mito.

Exposición: Bodies and Shadows: Caravaggio and His Legacy, LACMA.

Scarpe, servo delle mie brame, siete le più belle

Non è una novità che alla major parte delle donne piacciono le scarpe. Rappresentano per noi, ragazze,  una specie di gioielli che si scelgono secondo il vestito portato. Le scarpe hanno una dimenzione estetica essentiale e accentuano il glamour. Chi, all’esempio di Carrie Bradshaw non ha mai sognato di poter avere un bellissimo dressing pieno di scarpe ? Chi, non ha mai passato una serata sofferendo di male di piede incredibile perché le sue scarpe non erano comode pero ... erano belle ?

A me piacciono particolarmente i tacchi e le sandale d’estate. Perché ? I tacchi mi rendono più alta, mi stendono la  “silhouette” e  le gambe e sono simbolo di feminità e di glamour. E le sandale (senza tacchi) perché d’estate, mi piace anche essere al mio agio.

 



Scarpe di donna, Italia, XVII secolo, Musée International de la Chaussure, Romans.



Scarpe « Décolleté » di Marylin Monroe, decorate di strass rosso Swarosvki, create da S. Ferragamo per il film Let’s make love di George Cukor in 1960, Museo di Ferragamo, Firenze.

 

Quando ero piccola, mia mamma mi diceva : “ Impari a conoscere un’uomo quando guardi le sue scarpe. Se sono pulite, è ordinato”. Questa frase mi è rimasta in testa durante anni. Non, non è vero. La verità è che l’avevo dimenticata fino al mio arrivo in Italia cinque anni fa. Per essere precisa mi è tornata in testa il 17 settembre 2007, a Parma. Stavo aspettando, seduta su un banco con le mie valigie, che l’ufficio che mi doveva ospitare aprisse, chiedendomi cosa facevo lì, e guardando o piuttosto dovrei dire ”ammirando” la gente andare al lavoro, (gente = uomini), perché erano le 8 di mattina. Erano bellissimi, pantaloni neri, camicie bianche, capelli gominati (si si è vero !). Mi stavo già meravigliando quando il mio sguardo ha derivato verso un super bel uomo, alto, con gli occhi azzuri, capelli chiari, viso di angelo. Avrebbe potuto essere modello di diciamo, fragranza. Era perfetto ragazze! Sfortunatamente, il mio godimento è stato molto breve : non so assolutamente perché i miei occhi si sono spostati sulle sue scarpe. Da questo momento il mondo è crollato attorno da me. Questo modello cosi bello portava delle scarpe vecchie di trent’anni, danneggiate e ovviamente non lucidate. Per essere onesta, di solito non mi attaco a queste cose pero, devo ammettere che sono rimasta delusa e frustata. Come, un’uomo cosi chic poteva arrischiarsi a portare scarpe antiche? Magari pensava che non si vedessero, magari era in ritardo e non aveva visto quale scarpe stava mettendo... Ho provato di dargli mille ragioni.. ma, non, nessuna scusa.

Moralità : ragazzi, attento! La scelta delle scarpe non deve essere sbadata. Non pensare MAI che le ragazze non ci fanno attenzione perché vi guardiamo dall’alto in basso Signori...

 



Scarpe di Maurice Chevalier, portate al teatro degli Champs-Elysées, Musée international de la Chaussure, Romans.

 

Se vi piacciono le scarpe, la mostra del Metropolitan Museum di New York vi apre generosamente le sue porte. Se purtroppo vi è impossible attraversare l’Oceano Atlantico, potete consultare il libro Shoes, pubblicato da Parkstone International.

Anarsequetrodovirpo —mnemotecnia del simbolismo

«Porque lo bello no es sino el comienzo de lo terrible,
ése que todavía podemos soportar»

Elegías de Duino, Rainer Maria Rilke

El simbolismo no fue un movimiento artístico como tal. Se desarrolló a partir de la literatura francesa y, posteriormente, de las belga y rusa y se define como un medio para conceptualizar verdades e ideas atemporales, para reproducir los efectos que escenas del mundo real produjeron en los artistas que las pintaron, en los poetas que las pusieron en verso.

Situadas en su contexto histórico, a finales del siglo XIX, las obras simbolistas reflejan vidas de tensión, horrores y barbarie. La muerte es un tema recurrente, como también lo son la espiritualidad, el misticismo, la religión y la fantasía, que se combinan para trascender la realidad y la razón y alcanzar una realidad superior eminentemente subjetiva. Dado que no existe una pauta precisa que caracterice al simbolismo, lo único que sus seguidores tienen en común es, por así decirlo, «el espíritu». Y es precisamente este espíritu simbolista el que da título a la exposición que el Ateneum, el museo nacional de arte finlandés, dedica a las obras simbolistas de su colección.

 



Hugo Simberg, El jardín de la muerte,
Acuarela y aguada sobre papel, 16 x 17 cm.
Ateneumin taidemuseo, Helsinki.

 

Uno de los artistas destacados de la exposición es Hugo Simberg, quien decía querer «pintar todo aquello que conmueve el alma». Sus obras plantean preguntas acerca de la vida y la muerte y poseen un fino sentido del humor. En El jardín de la muerte, por ejemplo, las figuras esqueléticas cuidan de sus extrañas plantas con una ternura tan primorosa como insospechada. Esta yuxtaposición puede resultar extraña al espectador, pero más allá de la confusión transmite serenidad y aliento, y una cierta nostalgia por la vida que un día dejará de ser. Simberg esbozó numerosas variaciones de esta composición, que también pintó en los muros de la catedral de Tampere.

 



Hugo Simberg, El ángel herido, 1903.
Óleo sobre lienzo, 154 x 127 cm.
Ateneumin taidemuseo, Helsinki.

 

Otro de los frescos de esta catedral retoma el tema de El ángel herido, la obra de arte más apreciada por los finlandeses, según una encuesta de 2007. Hugo Simberg trabajó duramente en esta melancólica obra, que realizó a partir de fotografías de los modelos y del sendero de la bahía de Töölö por el que caminan. Cuando la hubo finalizado, Simberg rehusó ponerle un título y acompañarla de interpretación alguna: es el propio espectador quien debe dotarla de significado. Posteriormente, se le dio el nombre por el que se conoce hoy en día y se la relacionó con la meningitis por la que el artista fue hospitalizado mientras la pintaba, con un compromiso con la clase trabajadora o con una alegoría de la turbulenta situación política de una Finlandia oprimida y en proceso de rusificación.

Dos muchachos de aire sombrío transportan por un paisaje estepario a una criatura alada y resplandeciente. Los ojos de este ángel de cabellos pajizos están vendados y hay un reguero de sangre en una de sus alas; lleva un ramillete de campanillas de invierno en la mano derecha, y tiene la cabeza inclinada hacia abajo, como si le avergonzara verse expuesto a la luz del día.

Las figuras angelicales se cuentan entre los principales temas del simbolismo, quizá por su perfección, que escapa a nuestra comprensión, o por su numinosa belleza. En el caso del ángel de Simberg, verlo tan bello y humillado hace que el corazón se encoja y produce un dolor que se torna casi insoportable.

Si necesitas escapar de la monotonía de la realidad empírica, acércate a Helsinki antes del 28 del próximo mes para descubrir lo invisible escondido en las salas de «In the Spirit of Symbolism» (si te apuras, puede que incluso llegues a tiempo de salir a la caza de auroras boreales, lo más parecido a contemplar el mundo espectral rasgándose en el cielo). Asimismo, te invito a llorar a solas con las obras que Nathalia Brodskaya analiza en El simbolismo, pero te pido precaución, no vaya a ser que, como le ocurrió a la gran poetisa rusa Marina Tsvetáieva, tu vida —quizá no tan procelosa como la suya— comience «a adquirir sentido y peso sólo transfigurada, es decir, en el arte».

Reinventar la artesanía

Hace poco leí la noticia de que un inventor español había conseguido fabricar una bombilla «eterna». Esto, que puede parecer un pequeño paso para el hombre…, como dijera aquel, no está exento de una intriga que parece salida de una antigua película en blanco y negro del año 1951, protagonizada por Alec Guinness y dirigida por Alexander Mackendrick. En ella, el inventor de una tela que nunca se mancha y nunca se desgasta, o taza, que dicen en mi pueblo, se enfrenta tanto a la industria fabricante como a los sindicatos en una estrambótica lucha por intentar sacar su fibra al mercado para no hablar de la lucha por su propia supervivencia. No entraré a analizar el trasfondo ideológico de la cinta, pero la similitud con la situación real es tal que da que pensar.

 



Daniel Michalik, 3/1 Chairs, 2011.
Corcho reciclado, madera contrachapada certificada por el FSC y pintura baja en COV.82,29 x 51,81 x 60,96 cm cada una.
Foto: Daniel Michalik

 

¿A qué viene todo esto?, os preguntaréis. Pues resulta que en el Smithsonian American Art Museum recientemente tuvo lugar una exposición que buscaba poner de manifiesto la sostenibilidad en el mundo del arte, lo que significa vivir de manera diferente en la sociedad moderna y el retorno a la valoración de lo hecho a mano. En ella se dieron cita 40 artistas que investigaban la noción de la artesanía con materiales tan diversos como la cerámica,el metal, el cristal, la piedra, y en ámbitos tan variados como la escultura, el diseño industrial, las instalaciones artísticas, el diseño de moda, la fabricación sostenible y las matemáticas. El objetivo era juntar a 40 artistas de menos de 40 años para celebrar el 40 aniversario de la Renwick Gallery, la sección de artesanía y artes de decorativas del Smithsonian American Art Museum. En ella se pudo ver a los «reinventores» que están cambiando la manera en que tradicionalmente se ha concebido la artesanía.Utilizando un lenguaje directo y exhaustivo, pretenden potenciar el valor de la creación de objetos, sin importar el modo en que se hagan. El énfasis, por tanto, se situaba en el proceso más que en el resultado final. De esta manera, el esfuerzo de los artistas se pone en primera plana y nos ayuda a cuestionarnos acerca de la extrema importancia que tendemos a darle hoy en día a la producción en masa de objetos repetidos.

 



Andy Warhol, 20 Marilyns, 1962.
Serigrafía. 1,97 x 1,16 cm.
Colección privada.

 

Por desgracia ya no nos es posible acercarnos hasta Washington para deleitarnos con esta interesante exposición que cerró sus puertas el 3 de febrero. No obstante, sí podemos consolar nuestro malestar con la lectura de este completo manual que repasa la historia del movimiento artesanal: The Arts & Crafts Movement, de Oscar Lovell Triggs (en inglés). Si os resulta insuficiente, otra forma de consuelo a la que podemos aferrarnos es pensar que el inventor al que hacía referencia, con su audacia, ha conseguido romper con la tradición inventora española de añadir un palo a todo objeto que se cruce en su camino, si nunca lo habíais pensado, repasad la lista: fregona, Chupa Chups, futbolín, venencia (un vaso con un palo), banderillas, o incluso el cigarrillo, sin ir más lejos, que no deja de ser tabaco con forma de palo. Ahora bien, si todavía necesitáis consuelo para superar el mal sufrido por no haber podido asistir a esta exposición que yo tampoco pude contemplar, ya solo quedaría acudir al refranero popular…

Exposición: 40 under 40: Craft Futures, Smithsonian American Art Museum, Washington.

Allein aus Freude am Sehen

Allein aus Freude am Sehen und ohne Hoffnung, seine Eindrücke und Erlebnisse mitteilen zu dürfen, würde niemand über das Meer fahren (Blaise Pascal)

Seien Sie mal ehrlich: Würden Sie ohne Kamera in den Urlaub fahren? Was wäre heute schon ein Urlaub ohne Urlaubsfotos? Ein Reisebericht ohne Anschauungsmaterial? Die im Titel zitierte Äußerung des französischen Mathematikers und Erfinder des Pascalschen Dreiecks, Blaise Pascal (1623-1662), gilt demnach heute so wie damals.

Dennoch gibt es einen entscheidenden Unterschied: „Früher zeichnete man auf Reisen, um sich erinnern zu können, wo man war. Heute filmt man auf Reisen, um zu erfahren, wo man gewesen ist.“ Das jedenfalls stellte Albert Camus (1913-1960), einer der bekanntesten und bedeutendsten französischen Autoren des 20. Jahrhunderts, bereits mehr als 30 Jahre vor der Erfindung der Digitalfotografie im Jahr 1975 fest. Wie recht er damit doch hat: Denn wie selten nimmt man sich auf einer Reise die notwendige Zeit, um ein Foto zu machen und sich über das betreffende Motiv vor Ort zu informieren? Wie oft fotografieren wir nicht nur die Sehenswürdigkeit selbst, sondern zugleich auch die dazugehörige Informationstafel, um das betreffende Objekt später bequem von zu Hause aus zu googeln und auf diese Weise effizient und zeitsparend alle wichtigen Informationen darüber einholen zu können.

 



Utagawa Hiroshige, Nächtlicher Blick auf die acht berühmten Orte von Kanazawa, aus der Serie Schnee, Mond, Blumen, Juli 1857.
Farbiger Druck nach Holzschnitt, rechtes Blatt: 36,7 x 24,6 cm; zentrales Blatt: 36,7 x 24,7 cm; linkes Blatt: 36,5 x 24,6 cm.
Baur Sammlung, Genf.

 

Unser Informationszeitalter und die sich in den letzten Jahrzehnten rasant weiterentwickelte Mobilität haben uns das Reisen extrem erleichtert. Während die Generation unserer Großeltern in ihrem Leben (wenn überhaupt) nur eine große Reise gemacht hat, von der im pfleglich behandelten Fotoalbum nur wenige vergilbte Aufnahmen zeugen, verursacht die Urlaubszeit heutzutage wahre Bilderfluten. Der japanische, im heutigen Tokio geborene Maler Utagawa Hiroshige (1797-1858) dagegen, der neben Katsushika Hokusai (1760-1849) bis heute in Japan zu den bekanntesten und beliebtesten Malern zählt, schuf einen einmaligen Reisebericht.

Unterwegs auf dem „östlichen Seeweg“, dem Tōkaidō, vom damaligen Regierungssitz Edos (dem heutigen Tokio) zur kaiserlichen Hauptstadt Kyōto, hielt er nicht nur die sich mit den Jahreszeiten verändernde Landschaft fest, sondern dokumentierte in zahlreichen Werken das alltägliche Leben auf dem Fluss und an den Ufern der Handelsstraße: Blühende Kirschbäume, grüne Reisfelder, das dunkelrot leuchtende Herbstlaub des Ahorns umsäumen die Nebenflüsse und Kanäle, schneebedeckte Gipfel befinden sich im Hintergrund. Auf dem Fluss und am Ufer wird Handel betrieben. In den kleinen Dörfern, buddhistischen Klöstern und Tempeln, in den Städten, auf den Brücken, in den Teehäusern und Palästen – überall herrscht ein geschäftiges Treiben. Handelstreibende, Feldarbeiter mit ihren Reishüten, die Kimono tragende Stadtbevölkerung und lange Festprozessionen bevölkern die Stadtansichten.

 



Utagawa Hiroshige, Allgemeine Ansicht der Ersten Straße im Nihonbashi-Viertel, Nihonbashi tori Itchôme ryakuzu, August,1858.
Farbholzschnitt, 36 x 24 cm.
Schenkung von Anna Ferris, Brooklyn Museum of Art, New York.

 

Sein Reisebericht machte ihn zum bekanntesten Künstler des Ukiyo-e, einer Kunstrichtung der Edo-Periode (1603-1868), die sich vor allem das Alltagsleben der Stadtbevölkerung zum Motiv nahm. Die Arbeiten des Künstlers, der eigentlich als Feuerwehroffizier arbeitete, aber von einem Freund und Vorgesetzten die Grundkenntnisse des Malens und der Kalligrafie erlernte und später neben seinem Beruf eine Lehre als Farbholzschnittzeichner begann, übten einen großen Einfluss auf die Impressionisten und vor allem auf Van Gogh aus.

Eine große Auswahl Hiroshiges Werke präsentiert noch bis zum 17. März die aktuelle Ausstellung der Pinacothéque de Paris Hiroshige, l'art du voyage (Hiroshige – Die Kunst des Reisens), die zeitgleich mit einer großen Ausstellung über die Bedeutung des Japanismus im Werk von Vincent Van Gogh (1853- 1890) stattfindet.

Im Verlag Parkstone International sind darüber hinaus mit den E-Book-Titeln Hiroshige von Mikhail Uspensky und Ukiyo-e von Edmond de Goncourt zwei Bücher erschienen, die sich mit zahlreichen Farbabbildungen und interessanten Erläuterungen mit dem Leben und Werk Hiroshiges auseinandersetzen.

C. Schmidt

Tronos y curry

Cuando piensas en la India te vienen tópicos a la cabeza como: yoguis, curry, miseria, La ciudad de la alegría, Bollywood, trenes atestados hasta la bandera, la madre Teresa de Calcuta y un río Ganges de dudosa salubridad. Por supuesto, también te viene la imagen del Taj Mahal, el palacio-mausoleo encargado por el emperador Sha Jaján para enterrar a su esposa favorita, Mumtaz Mahal (la buena mujer murió dando a luz a su decimocuarto (¡!) hijo, no se puede decir que no se mereciera el monumento).

 



Taj Mahal, 1638-1648, Imperio Mongol (Sha Jaján).
Agra, Uttar Pradesh.

 

Este palacio, además, es representativo de una importante época en lo que ahora es la India: el Imperio mogol (siglos XVI y XIX), estado islámico cuyas principales figuras bien podrían haber inspirado a George R. R. Martin: el último gran gobernante, Aurangzeb, mató a todos sus hermanos y metió en prisión a su padre, hubiera sido íntimo del rey Joffrey (y de alguno más). Incluso la bonita historia del Taj Mahal tiene su parte siniestra, se dice que al terminar la obra Sha Jaján (padre del piadoso Aurangzeb) hizo que se les cortaran las manos a todos los obreros que habían participado en la obra para que nunca hubiera otra igual.

 



Raja Ravi Varma
Paravur Kayal (lago), 1897
Óleo sobre lienzo, 43,18 x 58,42 cm
Sri Chitra Art Gallery
Thiruvananthapuram, Kerala

 

Pero más allá de las guerras y las intrigas, fueron tres siglos muy productivos artísticamente. Y eso es lo que The British Library nos invita a descubrir en la exposición « Mughal India: Art, Culture and Empire» que se puede visitar hasta el 2 de abril. Y si te apetece descubrir un poco más sobre este fascinante país, no dejes de leer el estudio magníficamente ilustrado de Vincent Arthur Smith, Art of India (en inglés).

Landscape Art, Depictions of a Nature That Might Cease to Exist

I’m supposed to talk about pretty landscapes and painters from the 17^th century until now that have slowly incorporated said landscapes into their paintings more and more, until finally Landscape became its own genre. And fine: nature is nice; butterflies, yay. Instead, I’d like to note that BP is sponsoring this. BP! The company that is ruining similar landscapes to the ones we’re meant to enjoy in the exhibition. Did the corporation’s discussion for putting this on the agenda include a “yeah, we better show them now before the destruction and decimation of our planet is complete”?



Meindert Hobbema,
The Avenue at Middleharnis, 1689.
Oil on canvas, 103.5 x 141 cm.
The National Gallery, London.

The extraction and ceaseless use of natural gasses and oil is doing palpable and appalling things to the environment and atmosphere. Nevertheless, as an international society, we choose to ignore the annihilation of our ecosystems and extinction of animals so that we can drive Hummers in already over-crowded cities and wear our sweaters in excessively air-conditioned rooms. We live in deserts but have lush, green lawns. We have large, rarely used but immaculately maintained personal swimming pools. We need BP as much as BP needs us and I think it’s time we become less dependent on one another.



Jules Dupré, Sunset after a Storm, 1851.
Oil on wood, 47 x 56.5 cm.
Musée du Louvre, Paris.

Don’t get me wrong, I think it’s amazing that such a large, well-known corporation is supporting the arts. I live in continual fear that one day I will wake up and society will not be able to provide music/art/drama classes for students and that museums and theatres will close and never open again because the skills will no longer be developed. But does it really have to be BP? Surely this is the most hypocritical exhibition to have ever existed.



J.M.W. Turner, Calais Pier, with French Poissards Preparing for Sea: an English Packet Arriving, 1803.
Oil on canvas, 172 x 240 cm.
The National Gallery, London.

I am argued out. How about you walk or cycle over to the Tate Britain to enjoy breath-taking landscapes in Looking at the View? Rather, sit in your own backyard or a park and read Landscapes by Émile Michel.

-Le Lorrain Andrews

Oh, If I Were a Symbolist

Symbolism: What is it when it’s at home? What was the point that the artists were trying to achieve? And how should it be interpreted?

Let’s start with the what. This was a technique brought into vogue by the young painters of the late 19^th Century, stemming from French literature (and later, Russian and Belgian); this is where many of the Symbolists gathered inspiration from. The aim was to portray the idea of a subject, to give the suggestion of the true meaning only; poetry in art.

 



Gaetano Previati
Creation of Light, 1913
Oil on canvas, 199 x 215 c,
Galleria Nazionale d’Arte Moderna
Rome

 

They accomplished this by using line, colour, and composition (other elements include tone, texture, space, and shape) in their work, and adapted the use of certain images/icons to give their work more meaning and subtext.

Key examples of imagery and symbolism include biblical characters, representative of the emotions that the artists were looking to portray. The main themes were love, lust, death, fear, anger, and sorrow. Characters from mythology (such as Greek) were also employed. Amongst the characters, angels and the Madonna were commonly used to symbolise purity and innocence, whilst characters such as Salome and monsters (like the sphinx) symbolising the femme fatale, love scorned, and the wrath of a temptress. Borrowing also from classical art, the use of the symbolic butterfly (who represented the Greek goddess Psyche) could be interpreted as the mind or the soul.

 



William Degouve de Nuncques
Angels of the Night, 1894
Oil on canvas, 48 x 60 cm
Kröller-Müller Museum
Otterlo

 

Colours are also used for their symbolic characteristics: black may symbolise evil, power, sexuality, wealth, mystery, and mourning (amongst others); black and white combined may represent mourning; blue has been associated with peace, purity (when in association with the Virgin Mary), serenity, and loyalty; brown represents earth, home, and comfort; green can be representative of both nature and envy, as well as youth; orange represents energy and balance; pink may be used to indicate girlish purity and sexuality or childish innocence; purple represents royalty, spirituality, and wisdom; and red can symbolise strong emotions, such as passionate love, excitement, energy, danger, and aggression.

So, if I, in my imaginative Symbolist state, were to start painting some paintings in this style of contemporary stories, what might I be able to include? Well, if someone hired me to paint the most recent love-split of a certain Nashville-based twenty-three year old country singer.....ah, ok, you guessed it... Ms Swift, then I may have to paint a pink sphinx crushing a butterfly held by Eros. Or, for Jennifer Lawrence’s most recent awards win: Clymene (Titan of fame and renown) giving Nike (goddess of victory) a golden laurel crown, the ceremony being presided over by Dionysus (god of parties and festivals... and also wine, which could explain one particularly memorable shot of Jennifer after she accepted her award. You know what I’m talking about...), and applauded by Agon (spirit of contest).

I can see it now: the front pages of the morning’s newspapers would be educational. People would have to dig a little deeper to get to the story. The news would become poetry! I may be getting carried away, but at least consider it... At least one day a year, we should have International Symbolist News day. At least for the Celeb/Gossip magazines: there, I feel, we can use a little education.

To check out some Symbolist paintings for yourself, and truly get to grips with the painters’ meanings after all you have learned reading this article (open for debate), the Finnish National Gallery (Ateneum) is holding an In the Spirit of Symbolism exhibition until the 28^th of April. Should you wish to instead browse through some striking examples a little more locally, I recommend picking up a copy of Nathalia Brodskaya’s Symbolism.

Picasso para niños

¿Quién no ha dicho, u oído, alguna vez eso de que las obras de arte contemporáneas las puede hacer hasta un niño de tres años? Algo parecido es lo que sucedió en la primera exposición internacional de arte moderno que tuvo lugar en EE.UU. en 1913. Conocida hoy en día como The Armory Show, ya que el primer lugar donde fue expuesta era una armería de Nueva York, esta exposición viajó por tres ciudades estadounidenses, la mencionada Nueva York, Chicago y Boston, presentando el nuevo lenguaje visual europeo al público norteamericano. La más recordada de estas exposiciones es la que tuvo lugar en el Instituto de Arte de Chicago, y no precisamente por su exhaustividad o poder revelador, sino por el revuelo que se organizó entre el público contrario a este nuevo tipo de representación figurativa basado en la interpretación. La exposición en Chicago estuvo precedida por acusaciones de radicalización del arte para convertirlo en un circo y las numerosas protestas culminaron en una representación estudiantil burlesque que organizó un juicio a Matisse a las puertas del museo por: «crimen artístico, rapto pictórico, rapiña artística, degeneración total del color, uso erróneo y criminal de la línea, aberración estética total y abuso contumaz del título».

 



John T. McCutcheon, Chicago Daily Tribune, 27 de febrero de 1913.

 

No obstante, a pesar del tumulto y la burla de que fueron objeto estos nuevos artistas, la exposición tuvo un efecto de contagio en el sentido en que las exposiciones en las que este nuevo arte estaba presente se multiplicaron en la década de los 20 y de los 30, además de que promovió la creación de nuevas asociaciones artísticas que buscaban promocionar y enseñar a comprender el nuevo arte contemporáneo. Asimismo, supuso una fuente de inspiración para que los artistas norteamericanos comenzaran a cuestionar el statu quo estético.

 



John Marin, El bajo Manhattan desde el río, nº 1, 1921.
Acuarela, carboncillo y grafito sobre papel. 55,6 x 67,3 cm.
Metropolitan Museum of Art, Nueva York.

 

Para conmemorar esta singular exposición, el Instituto de Arte de Chicago organiza ahora, y hasta el 12 de mayo, una muestra individual sobre uno de los artistas que se dieron a conocer al público estadounidense en esa exposición: Pablo Picasso. Desde que se presentara por primera vez en esta sala, la relación entre el artista y la ciudad de Chicago no ha hecho sino aumentar, hasta el punto de que en esta ocasión el museo juntará 250 obras provenientes de su propia colección y de colecciones privadas basadas en la ciudad. En ella se podrán ver ejemplos de la versatilidad de Picasso y la multitud de soportes que empleó para desarrollar su particular concepción de la forma. Entre otros, se expondrán cuadros, esculturas, litografías, dibujos y cerámicas. Una oportunidad que no te puedes perder para conocer una de las ciudades estadounidenses que estuvieron a la vanguardia de la apreciación del arte contemporáneo y la obra de un artista que aunque no necesita presentación puede todavía depararnos grandes sorpresas estéticas. Además, la afluencia de trabajos que los curadores se han esmerado en yuxtaponer nos permitirá conocer algunas obras que no se exponen al público normalmente.

Pero, ¿qué pasa con la percepción general sobre el arte contemporáneo? A decir verdad no es que la cosa haya cambiado mucho desde que se llevara a cabo esta exposición. Sí es cierto que dentro del mundo artístico se ha producido un cambio que se traduce en que la aceptación es casi unánime en que todos coinciden en alabar la exploración de formas y materiales, aunque de manera creciente se ha instalado en la apreciación popular la creencia de que cualquiera puede realizar semejantes «borratajos». Mauricio, el personaje principal de una de las excelentes novelas de Eduardo Mendoza analiza con palabras certeras, a mi parecer,ambos argumentos de la discusión: «Hoy en día el aspecto técnico del arte tiene poca importancia. Antes había que pintar bien un paisaje, un retrato o el éxtasis de san Francisco. El arte se valoraba con criterios artesanales. Hoy esto es secundario, por no decir superfluo. Cuando personas incultas y estúpidas dicen que un cuadro no figurativo lo puede pintar un niño o un mico, dicen la verdad. Pero es una verdad irrelevante. Porque lo importante es el significado de la obra, no para el artista sino para la sociedad. Un cuadro en blanco o un lienzo roto no tendrían ningún significado si los hiciera yo. En cambio sí que lo tienen cuando provienen del taller de un artista consagrado; y no por papanatismo, sino porque en este caso representan la posición del artista con respecto al arte». (Mauricio o las elecciones primarias, Seix Barral, 2006. p. 10).

Si después de esto te pica la curiosidad y quieres conocer más a fondo la obra de este polifacético artista te recomendamos la lectura de la extensa y cuidada obra de Jp. A. Calosse: Picasso, donde podrás encontrar numerosas fotografías de gran calidad en un formato fácil de transportar, para que lo puedas ir leyendo en el avión de camino a Chicago.

Picasso and Chicago, Art Institute of Chicago, hasta el 12 de mayo de 2013.

Apadrina un Dalí

Dalí es el hombre de las mil caras, de la extravagancia como estandarte, de la controversia como modelo de vida, de la teatralidad como forma de promoción, del enfrentamiento con sus contemporáneos, de los exabruptos calculados, del culto al dinero por encima de todo y también,  afortunadamente, del surrealismo llevado al extremo. ¡Viva Dalí, muerte al pan!

Son muchos los textos que se han escrito sobre su persona y su estilo de vida, seguramente más en vida de él que después de su fallecimiento, aunque en verdad basta con acercarse a las conjugadas frases que nos dejó para tratar de entender su histriónico carácter. Ya a la temprana edad de 16 años escribió en su confitado diario: «seré un genio, y el mundo me admirará». Con esta declaración de intenciones es fácil comprender la fuerte voluntad de que hizo gala a lo largo de su carrera para ser tomado por un loco en un mundo que se caracterizaba de más en más por su inestabilidad. Y hablando de Gala, a quien amaba más que a las butifarras, uno de los argumentos que tuvieron más peso en las fuertes críticas que recibió de sus compañeros de movimiento estaba relacionado con la adoración biológica que sentía por el dinero,  no por menos, este fue el desencadenante de su expulsión del grupo liderado por André Breton, tras un juicio popular al que se presentó vestido de gala con una manta y un termómetro; sin embargo, Dalí tenía a gala presumir de esta afición desmesurada por el que otros consideraban vil metal, renegó del grupo que después le consideró su santo patrón y afirmó con galanía: «Amo a Gala más que a mi madre, más que a mi padre, más que a Picasso y más, incluso, que al dinero».

Dalí, Placeres iluminados, 1929. Óleo y collage en tabla. 24 x 35 cm. Musem Of Modern Art. Nueva York

Para poder admirar a este genio en todas sus acepciones y conocerlo por las conmocionantes obras que le lanzaron al estrellato, el Centre Pompidou en París le rinde un jondo homenaje para el que cuenta con algunas de sus mejores y más conocidas pinturas en una exposición sin precedentes que pretende aclarar toda la fuerza de su obra y todo aquello que esta debe a su personalidad, tanto a sus rasgos de genio como a sus excesos. En ella podremos ver de segunda mano, de primera sería imposible, Los relojes blandos, prestado por el MOMA de Nueva York, y otros préstamos de los principales museos de Dalí del mundo: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, la Fundació Dalí de Figueras y el Dalí Museum de San Petersburgo. De esta manera nos podremos evitar unos cuantos viajes y con solo un pequeño desplazamiento a la capital de la barra de pan fina podremos disfrutar de uno de los artistas más populares y que sin duda más supieron hacer uso de la creciente proliferación de la auto publicidad. Habrá que darse prisa porque la exposición termina el 25 de marzo, pero hay tiempo suficiente y, además, el Centre Pompidou ha ampliado sus horarios gracias a la marcial afluencia de gente. No solo se puede asistir incluso los domingos sino que el museo permanece abierto hasta las 23h cada día. Un pequeño consejo, si os decidís a hacer una visita sacad la entrada con antelación pues os evitaréis unas colas miriamétricas, con decenas de miles de Miriams esperando su turno.



Cartel surrealista, 1934. Óleo. Colección privada.

Antes de empezar a preparar las maletas y obligar a tu pareja a que te acompañe, vete calentando motores con cualquiera de estos libros que presentan una extensa y magníficamente ilustrada colección de obras del artista, y con la que además será más fácil convencerla. Salvador Dalí y Dalí a secas, de Victoria Charles, o Life and Masterwoks of Salvador Dalí de Eric Shanes (en inglés). Si ya está de acuerdo, podréis compartir el placer de observar el despliegue de imaginación sin confines del que el maestro siempre fue adalid. Si no tienes pareja y te decides a ir solo, la buena noticia es que todo te saldrá a mitad de precio. Porque, eso sí, la entrada al museo no es gratuita, pero que mejor manera de contribuir al homenaje a Dalí, que colaborar a que la memoria del artista se siga enriqueciendo con aquello que casi más quiso.

Dalí, Centre national d'art et de culture Georges Pompidou, hasta el 25 de marzo de 2013.

“A Teardrop on the Cheek of Time”*

The Taj Mahal, 1638-1648, Mughal dynasty (Shah Jahan).
Agra, Uttar Pradesh.

When the Mughal Empire is spoken of, I am willing to bet that the majority of people will not be overly familiar with this particular dynasty. It is true, that I am (or was) guilty of being ignorant of what this Empire was, in fact, even where it was. However, I am not so remiss as to be unacquainted with the Taj Mahal! This inspiring and beautiful World Wonder is perhaps the best-known monument to arise out of the golden age of the Mughal Empire. There have been many architectural triumphs throughout the ages which have been acknowledged as truly great, but perhaps only a handful with a personal and moving history.

The Taj Mahal is one such. As possibly one of the greatest displays of heartbreak and sorrow that the world has ever seen, the monument stands tall; displaying Emperor Shah Jahan’s everlasting love for his departed wife.

Today, most everybody (I believe) would be familiar with the spectacular mausoleum that is located in Agra, former capital of the Mughal Empire. It is possibly even more iconic now for those who are familiar with a certain Slumdog Millionaire (thanks Dev Patel!). Over 2 million people every year visit this historic site; they may not go with the intention of honouring the dead Empress, but by the end of their visit they will surely have learnt about the power of one man’s love for his wife.

The Taj Mahal, for me, is truly a testament to the existence of true love. Whilst theirs may initially have been an arranged marriage, it ended up as a union of soul-mates. How can I justify saying this? The fact that Shah Jahan had two other wives... but it was only his third wife, Mumtaz Mahal, who had such a spectacular labour of love constructed in her memory; this speaks volumes!

“The sight of this mansion creates sorrowing sighs;
And the sun and the moon shed tears from their eyes.”

-       Emperor Shah Jahan, 17^th Century



Raja Ravi Varma
Paravur Kayal (Lake), 1897
Oil on canvas, 43.18 x 58.42 cm
Sri Chitra Art Gallery
Thiruvananthapuram, Kerala

However, as incredible an achievement as the Taj Mahal is, it perhaps should serve only as an indication that we ought to actively search out the culture, legend, and history of the Empire that it was born from. With a span of over 350 years, surely the Mughal Empire has some secrets yet to be discovered?

* Description made famous by Rabindranath Tagore (1861-1941)

With the help of the British Library, you yourself can search out and discover the mysteries and treasures of this once-great Indian Empire! Mughal India: Art, Culture and Empire is currently being exhibited in London until the 2^nd April. Be sure not to miss such a fascinating opportunity! If, however, you can’t make it to the British Library quite yet, why not get hold of a copy of Vincent Arthur Smith’s Art of India?

Plain Jane or Fancy Pants?

I’m a rather plain girl in the sense of THINGS. Function beats form any day as far as I’m concerned (this, of course, excludes a previous post concerning my unhealthy affinity for shoes), ensuring that I will never be counted amongst the infamous and (for unknown reasons) publicised “Gold Diggers” of the world, which is surely a very real concern for any young woman of the 21^st century. It took me ages to switch over to the “smart” phone, which only lasted about a year; as soon as it was possible I reverted back to a “dumb” phone – as long as it calls, texts, does math (because I can’t), and has Snake, I’m happy.

 



Sharp corners, pointy feet: my own personal death trap.
Writing desk attributed to André-Charles Boulle, c. 1715.
Bérain marquetry of copper on ebony base.

So when choosing a mirror for the foyer I’m much more likely to choose a plain frame with a large reflection as opposed to a smaller glass with cherubs and whatnot on it. I’d much rather look at my face, or see if there’s someone creeping up behind me, than any fancy embellishments (I said I wasn’t a Gold Digger; I didn’t say I wasn’t mildly vain).

 



Naiad, 1756.
Soft porcelaine and gilt bronze, 26 cm.
Musée du Louvre, Paris

Furthermore, the cracks and crevices of these fancy objects are a right pain in the butt for dusting – even if you have a maid, which I don’t, I’m guessing your more ornate pieces wouldn’t pass the white glove test. And let the klutzes amongst us not forget the imminent danger of clawed feet and the sharp edges of candlestick holders. I have a permanent bruise from a decorative dresser with sharp corners which is still in my childhood home; even though I knew it was there and never moved in all the years I lived there, the corner and my thigh carried on some sort of strange and masochistic affair to which I was only privy to the pain.

 



This room makes me feel rather claustrophobic. The desk is really nice though.
Roll-top secrétarie for Louis XV’s inner study in Versailles by Jean-François Oeben and Jean-Henri Riesener, 1760-1769.
Bronze, marquetry of a variety of fine woods, Sèvres porcelain, 147.3 x 192.5 x 105 cm.
Palace of Versailles.

Head over to the Met for the Plain or Fancy: Restraint and Exuberance in Decorative Arts through 18 August and fantasise about fancy furniture and decorations. Come home relived that you aren’t the one that has to clean any of it, or stub your precious toes in the middle of the night. If you are looking for decoration tips from the fancier side, get your hands on Decorative Art by Albert Jaquemart – but don’t say that I didn’t warn you. Sound off below! Are you a Plain Jane or a Fancy Pants?

-Le Lorrain Andrews

Señoritas de pro

«Tienes ya edad, Jo, de dejar trucos de muchachos y conducirte mejor». Esto le decía la mayor de las hermanas March a Josephine, caracterizada por su aire masculino y su fuerte carácter. Mujercitas, el clásico de Louisa May Alcott que narra la evolución personal de cuatro jóvenes en los años de la Guerra de Secesión estadounidense, fue sin duda una revolución en la literatura estadounidense del siglo XIX y una de las lecturas favoritas de muchas niñas –y no tantos niños– de todo el mundo, incluidas la que escribe y Rachel, de Friends.

Ahora bien, ¿en qué sentido fue transgresora esta novela para niñas —por desafortunada y «decimonónica» que resulte esta clasificación—? Pese a que en el siglo XIX se desechara la idea de que la infancia era una etapa maleable e insignificante de la vida imperante en el siglo anterior, ésta fue sustituida por una concepción virginal de las niñas a comienzos del nuevo siglo. Las niñas no debían ser otra cosa que inocentes angelitos, preocupadas por la moda, la higiene y los quehaceres domésticos. «Niñas antiguas» vestidas de blanco, con pololos y puntillas, enaguas y fajas de raso en tonos pastel, como la pequeña Fanny Travis Cochran retratada magistralmente por Cecilia Beaux.



Cecilia Beaux, Fanny Travis Cochran, 1887.
Óleo sobre lienzo, 91,4 x 74,1 cm.
Donación de Fanny Travis Cochran
Pennsylvania Academy of Fine Arts 1955.12, Filadelfia, Pensilvania.

En contraste con esta imagen, Jo March encarna las transformaciones que se operaron en la percepción de la niñez a lo largo del siglo: una niña podía ser algo más que una futura señorita; podía ser creativa, independiente y decidida, anhelar la libertad de los chicos y tener ambición.

Esto bien lo saben los organizadores de la exposición itinerante «Angels and Tomboys – Girlhood in Nineteenth-Centurty American Art», que explora el papel de las niñas y adolescentes en la pintura, la escultura, los grabados, la fotografía y la literatura estadounidenses en el siglo XIX. Pone de manifiesto que, además de niñas angelicales sumisas e insustanciales, también existían niñas desgarbadas que se comportaban como chicos, niñas que habrían preferido combatir en una guerra que destruyó hogares en lugar de quedarse en casa haciendo calceta, niñas obligadas a trabajar y adolescentes que debían hacerse mujeres muy a su pesar.



Abbott Handerson Thayer, Ángel, 1887.
Óleo sobre lienzo; 92 x 71,5 cm.
1929.6.112.
Donación de John Gellatly.
Smithsonian American Art Museum, Washington D. C.

Abbott Handerson Thayer pintó una alegoría de su hija como un ángel custodio que brindara salud a su mujer, hospitalizada por «histeria». No obstante, el rostro del ángel, como el de Fanny Travis Cochran, tiene un aire reflexivo y de introspección que parece expresar su inconformidad ante la extendida práctica de internar a cualquier mujer insatisfecha.

Ésta y otras criaturas angelicales estarán expuestas en el Memphis Brooks Museum of Art hasta el 12 de mayo de este año. No obstante, si te faltan las alas para viajar hasta allí, puedes consolarte con algunas de las más bellas representaciones de sus portadores divinos recogidas en Ángeles de Klaus Carl.

I am a Surrealist – Wer interessieren will, muss provozieren (Salvador Dalí)

Die surrealistische Kunst ist ein einziges Denkspiel, da werden Dinge zusammengeworfen, die auf den ersten Blick nicht zusammengehören, offensichtliche Beziehungen dagegen werden hinterfragt: Die Abbildung der Pfeife macht nach René Margritte (1898-1976) noch lange keine Pfeife (Ceci n'est pas une pipe, 1929), der Blick in den Spiegel zeigt nichts weiter als unseren Rücken, es regnet Männer mit Hüten, wir drehen uns im Kreis, können das Rätsel nicht lösen und die Zeit schmilzt uns davon.

 



Salvador Dalí, Die Beständigkeit der Erinnerung, 1931.
Öl auf Leinwand, 24,1 cm x 33 cm.
Museum of Modern Art, New York.

 

Erfolgreicher als René Margritte war nur Salvador Dalí (1904-1989). Er bewies schon früh, dass er ein unglaubliches zeichnerisches Talent besaß, als 18-Jähriger begann er sein Studium an der Academia de San Fernando (School of Fine Arts) in Madrid und war dort bei seinen Mitstudenten und Professoren nicht nur für seine herausragenden Werke, sondern auch für sein provokatives und exzentrisches Verhalten bekannt. Kurz vor seinem Abschlussexamen flog er von der Schule, als er verlauteten ließ, dass keiner der Professoren dazu qualifiziert wäre, ihn zu prüfen. 1929 trat Dalí den Surrealisten bei, die Art denen die Art der Kommerzialisierung seiner Arbeiten jedoch von Anfang an unangenehm war. Als er sich weigerte, eine politische Haltung gegen den Faschismus einzunehmen und die anderen ihn daraufhin 1934 aus der Gruppe der Surrealisten ausschlossen, bemerkte er trotzig: „The only difference between me and the Surrealists is that I am a Surrealist.”

 



Salvador Dalí, Selbstbildnis mit Raffaels Hals, 1921.
Öl auf Leinwand, 41,5 x 53 cm.
Teatro-Museo Dalí, Figueres.

 

Dalí verknüpfte wie kein anderer eine nahezu fotografische Darstellung mit einer symbolischen Tiefe, und im Gegensatz zu vielen anderen Surrealisten konnte er sich geschickt vermarkten.

Mit seinem Markenzeichen, dem schwarzen Zwirbel-Schnauzer, zu dem ihn höchstwahrscheinlich Diego Velázquez inspirierte, stach der Lebenskünstler auch optisch unter seinen Kollegen hervor. Sein eigener Stil aber insbesondere sein provokatives Verhalten sicherten ihm stets das Interesse der Medien. Sein außerordentliches künstlerisches Talent, die Vielzahl seiner Arbeiten, seine narzisstische Selbstdarstellung, Luxus, Verschwendung und Exzesse sowie seine provokativen (oft nicht angebrachten) politischen Stellungnahmen haben Dalí zu einem der bekanntesten Künstler des späten 20. Jahrhunderts gemacht.

Das Centre Pompidou in Paris widmet dem surrealistischen Künstler eine große Retrospektive: 200 Exponate, darunter neben Gemälden, Skulpturen, Skizzen und Schriftstücken Dalís auch audiovisuelle Medien geben noch bis zum 25. März einen recht neutralen Einblick in das Werk, das Umfeld und die Persönlichkeit des temperamentvollen spanischen Künstlers, der von 1930 bis 1932 mit seiner Muse in Paris lebte.

Einen eigenen Eindruck von dem Künstler, seinem Werk und seinen Kontroversen können Sie auch anhand des im Verlag Parkstone International erschienenen Titels Leben und Meisterwerke Salvador Dalí gewinnen, der auch als E-Book verfügbar ist. Der Autor, Eric Shanes, erläutert Dalís Meisterwerke, analysiert die Persönlichkeit und lädt dazu ein, in das beeindruckende und verrückte Universum des genialen Künstlers einzutauchen. Auch Victoria Charles setzt sich in der ebenfalls im Verlag Parkstone International erschienenen Einzelpublikation Salvador Dalí mit dem spanischen Surrealisten auseinander.

C. Schmidt

Chicago and Picasso

I have to admit, I’ve had a bit of a crush on Chicago for a long time. Not because it’s cold or windy, or for any of its sports teams. I’m not a fan of deep dish pizza; hot dogs gross me out for the most part. Al Capone is pretty big to speak of, I suppose, but mob ‘outfits’ strike me as excessive and silly. One positive note thus far: I’ve heard amazing things about O’Hare International. Oh, and since the Chicago Fire of 1871, the city rightfully boasts superior urban planning.



Pablo Picasso, Woman with a Helmet of Hair, 1904.
Gouache on tan wood pulp board, 42.7 x 31.3 cm.
The Art Institute of Chicago, Chicago.

So what is it that has me perpetually itching to check out this mid-western city for an indeterminable period of time? I’m pretty keen on the people – they’re all kind and witty, they don’t take themselves too seriously, and they seem to hold the mid-western charm sans dopey accent. And perhaps the entire east coast could stand to have a bit of that rubbed off on them.



Pablo Picasso, Daniel-Henry Kahnweiler, 1910.
Oil on canvas, 100.4 x 72.4 cm.
The Art Institute of Chicago, Chicago.

More, most importantly, really, the art and cultural scene hold their own when it comes to other large American cities, which I will not specifically name, but I’m sure you can guess which I mean. Chicago was the first to open its arms to exhibitions of Cubism, Surrealism, and all of their strange yet beautiful friends. Even Pablo Picasso, who never once even stepped foot the United States, dedicated a statue, one of his last I might add, to the city of Chicago. The Art Institute of Chicago is responsible for 350 of Picasso’s pieces. I wouldn’t call myself a Picasso enthusiast, but that’s a rather serious collection to speak of.



Pablo Picasso, Man with a Pipe, 1915.
Oil on canvas, 130.2 x 89.5 cm.
The Art Institute of Chicago, Chicago.

Anyone interested in catching the next flight to Chicago? We can rendezvous in O’Hare and split a Chicago-style hotdog. Who knows, maybe the Cubs will be spectacular this year. While we wait for that to happen, we can visit The Art Institute of Chicago’s Picasso and Chicago exhibit, on through 12 May 2013. If the flight is too much of a change for you, dig into Picasso by Victoria Charles for a parallel look at his life and artworks.

-Le Lorrain Andrews

Chagall : la guerre des émotions.

Après un livre édité sur Poussin plus ou moins raté, je me suis penché sur un Chagall. Le texte, bien qu’un peu compliqué, était de deux auteurs, Sylvie Forrestier, conservateur en chef des musées nationaux de France et Mikhail German, un auteur russe. Je n’étais guère passionné par cet ouvrage et par le personnage central. Marc Chagall n’existait pas dans mon esprit et je restais assez imperméable à sa peinture.

J’appréciais nos diners avec Sylvie Forrestier à Paris et avec Mikhail German à Saint-Pétersbourg. C’était l’époque des années 1990. Le communisme avait disparu en tant que pouvoir politique mais l’ombre du KGB restait imprégnée dans les esprits. J’avais d’ailleurs été fortement surpris que mes éditeurs russes accompagnent le nom de certains artistes du mot « juif » : « Levitan le juif » ; « Chagall le juif ». C’était oublier les classifications ethniques de l’époque stalinienne.

Bref, Chagall ne m’intéressait guère à l’exception de quelques tableaux comme Le Baiser ou Le Théâtre juif. Je m’étais esclaffé sur la coupole de l’opéra, plus par passion de Malraux que pour le peintre.



Marc Chagall, Introduction au théâtre juif, 1920, tempera, gouache et blanc opaque sur toile, 284 x 787 cm, Galerie d'État Tretiakov, Moscou.

Des années plus tard, j’acquis un DVD, Héros de l’ombre, film de Lionel Chekwynd avec William Hurt. Je connaissais l’histoire pour avoir lu de Paris à New York d’Emmanuelle Loyer. Ce film changea ma vision de Chagall. Je le ressentis fragile, avec cet amour incommensurable pour sa patrie d’adoption, la France. Pour lui, sa nationalité française était son suprême rempart contre la barbarie nazie.

J’ai aimé découvrir, à travers cette fiction, un Chagall loin des honneurs, de son œuvre. Seulement un homme pris de doutes face à une histoire implacable.

Qui se souvient encore de Varian Fry ? Je ne suis pas sûr qu’une rue porte son nom à Marseille.

Le Chagall de cette période de guerre toucha davantage mon cœur et mon imaginaire que ces tableaux.



Rue Varian Fry, Berlin.

Pour découvrir ou apprécier les œuvres de Chagall, rendez-vous au musée du Luxembourg qui accueille l’exposition « Marc Chagall, entre la guerre et la paix », jusqu’au 21 juillet 2013 ou bien consultez l’ouvrage intitulé Chagall, édité par Parsktone International.

Schiele

Depuis une vingtaine d’années, j’ai l’habitude d’aller déjeuner chez Lipp, boulevard Saint-Germain. Voici quatre ou cinq ans, ma table côtoyait celle de Gérard de Villiers, l’auteur de la série SAS. Je le remerciais avec effusion de ces livres que me permirent de voyager dans le monde, de Hong Kong à Léningrad, Bakou, etc. J’aimais son héros le prince Malko Linge. Grâce à lui, j’ai visité Vienne. À vingt ans, découvrir l’ancienne capitale de l’empire austro-hongrois fut un moment exceptionnel d’émotion. J’ai dormi au palais Schwarzenberg, diné chez Palaki, ou au Drei Hussard, et dégusté du chocolat chez Sacher. Son Altesse Sérénissime Malko Linge me guidait dans les lieux les plus agréables de cette ville, avec la valse, les Lipizans, la Hofburg, etc., carte postale de vacances.



Image extraite des films Sissi avec Romy Schneider

Je suis un « aficionado » de Stefan Zweig et de cette période d’avant la guerre de 14-18. Il me restait l’image d’une Vienne dansant la valse à Schönbrunn. Vienne la vertueuse ne cachait-elle pas une Vienne plus cosmopolite, flamboyante, avec l’arrivée des émigrés tchèques, hongrois, rencontre de tant de nationalités diverses ? Les historiens ne sont pas tous d’accord sur le sujet, mais Georges Clémenceau aimait s’encanailler dans cette ville.

Grâce à un roman d’espionnage, j’ai découvert Vienne et sa culture, je cherchais Le Troisième Homme, avec sa musique obsédante et un Orson Welles éblouissant.






Orson Welles dans Le Troisième Homme.

Je rêvais de l’héroïne de SAS, la belle Alexandra, aux formes à faire damner un moine dans un monastère du Haut-Adige. J’y rencontrais Klimt avec ses femmes au corps enluminés d’or, puis Schiele.



Egon Schiele, Nu contre un tissu coloré, 1911.
Aquarelle et mine de plomb, rehauts de blanc, 48 x 31 cm.
Collection particulière.

Je me suis mis à douter de la belle Viennoise et de ses charmes. Chez Schiele, les femmes sont souvent anorexiques, la comparaison avec les top-modèles des années 1990-2000 me vint immédiatement à l’idée. Ces corps qui devraient attirer convoitise et plaisir, sont presque répulsifs. Je suis comme Lacan qui ne supportait pas la vue de L’Origine du monde de Courbet. J’ai souffert devant ces peintures au sexe coloré. L’amour et la poésie, je ne les ai pas rencontrés chez Schiele ; en paraphrasant Clément Marot, trois choses rouges n’appellent pas forcément au fantasme. En lisant le Freud d’Onfray, je pensais à Schiele et à cette société immobile qui courrait tout droit à sa fin, sans en connaître la date. Vienne s’enfonçait au rythme du Titanic dans le gris et le noir d’un océan de tragédie, au son des valses chatoyantes de Strauss.



Egon Schiele, Portrait de Gerti Schiele, 1909.
Huile, peinture argent, bronze et dorée, crayon sur toile, 140,5 x 140 cm.
The Museum of Modern Art, New York.

Ce mélange de mort et de vie qu’une peinture de Schiele rend à merveille, une femme aux couleurs ternes, mais aux vulves orange ou rouges. Comme s’il ne restait de cette humanité qu’une tâche éclatante et bruyante. Non en vérité, je préfère Klimt et Alexandra pour peupler mes rêves.

Pour découvrir ou apprécier les œuvres de Schiele, rendez-vous au Leopold Museum de Vienne qui accueille l’exposition « Les Métamorphoses d’Egon Schiele » ou bien consultez l’ouvrage intitulé Egon Schiele, édité par Parsktone International.

A Realm of Contradiction

Asia: The mystery of the Orient. Exotic people, exotic clothes, and exotic food. Parasols under cherry blossom trees. Staggeringly beautiful pagodas with highly delicate ornamentation. People who are short of stature, but high in courtesy. Humid jungles. Roll upon roll of luxurious carpets. Fragrantly perfumed air enveloping crowded market stalls. A medley of spices waiting to be unleashed.

OR

Asia: Hot. Humid. The short, staccato clamour of horns punctuating the incessant drone of traffic. An acrid stench of mingled fumes and durian pervades the air. Masked and hooded figures driving with abandon, giving rise to the adrenaline rush of death-defying acts of crossing the street. Street food at every corner, same same, but different. Low prices. Highly caffeinated shots of coffee; essential to keep the average visitor awake and alert to this perplexing and enticing setting.



A child and a buffalo, returning from the rice fields

So which is it? Which is the real Asia?

Well, I can honestly say that both descriptions accurately fit the bill. There is nothing straightforward about Asia. Contrasts and contradictions meet you at every turn: surprise and incredulity, victory and defeat, joy and despair. These are all emotions that the average person may experience (and sometimes in rapid succession) upon setting foot on Asian soil. But through it all, a ray of curiosity shines bright. A people, ready to learn and to change, quick to welcome, and quick to share: this is my impression of what has been called The Orient.

It is astounding to me that in the aftermath of such pain and destruction that this part of the world has so recently faced, that human resilience is what shines through the brightest.  Not only resilience, but tenacity, the foresight to educate, and above all, hope. Hope for a better future, for a higher destiny. I see this in the focus on schools, in advancing economies, and in the adoration in the eyes of a child’s grandparents.



Poklong Anading
Counter Acts, 2004
Chromogenic transparency in lightbox, 228.6 x 365.8 cm, edition 3/3
Courtesy of the artist
Solomon R. Guggenheim Museum, New York

Art is another example of how this region of the world is challenging both self-imposed and outside perceptions. In particular, the ongoing exhibit at the Solomon R. Guggenheim museum showcases contemporary Asian art, looking deeper at the cultures of the countries within the continent than the politics and geographies which embroil them.

The Guggenheim’s exhibit: No Country: Contemporary Art for South and Southeast Asia is ongoing until the 22^nd May 2013. If both New York and Asia are a little too far away, why not browse through Jean François Hubert’s book The Art of Champa?

Rêves orientaux

Les Mille et une nuits. Lorsque l’on entend ce nom, on pense moins aux contes, à l’ouvrage littéraire, qu’aux charmes et à la moiteur de l’Orient qui font rêver tout amateur de voyages et d’exotisme.

Tout le monde connaît le livre même si on ne l’a pas lu, surtout par le biais du cinéma et des séries télévisées. Ali Baba, Schéhérazade et les quarante voleurs passent chaque année à la télé au moment des fêtes de Noël, sous les traits de Thierry Lhermitte et Gérard Jugnot. Les moins de trente ans connaissent parfaitement ce qui arrive aux quarante voleurs, tout comme la formule magique d’Ali Baba pour ouvrir la grotte remplie de richesse, grâce à quelques membres de la bande du Splendid, tandis que pour les générations précédentes, Ali Baba restera toujours Fernandel.



Idat Rubinstein et Vaslav Nijinski par George Barbier (1913)

Je ne peux m’empêcher de penser aux Mille et une nuits lorsque je regarde les épisodes d’Angélique marquise des Anges, surtout au moment où Michèle Mercier est faite prisonnière par le sultan du Maroc ou vendue sur le marché d’esclaves de Malte et que Robert Hossein vient la sauver,. Tout le soufre de l’Orient, l’activité marchande, les senteurs capiteuses, les regards mystérieux des femmes voilées, la chaleur ambiante existant dans ces films m’inspirent les mêmes pensées que lorsque j’évoque les Mille et une nuits.

Les versions cinématographiques de ce livre sont souvent assez fidèles à l’érotisme présent dans certains contes. Ce côté sulfureux a d’ailleurs participé au succès de l’ouvrage ; il allait de pair avec l’idée générale que l’on avait alors de l’Orient et de ses charmes interdits.



Le Songe de Corsou par Lecomte de Nouy, 1875.
Musée Goupil, Bordeaux.

Ayant bien conscience que le contenu de l’œuvre, qui est quand même un chef-d’œuvre littéraire, est sans doute fort différent que l’image que nous nous en faisons, il serait sans doute plus raisonnable de se fier à la remarquable exposition de l’Institut du monde arabe.

Jusqu’au 28 avril, vous pourrez découvrir les secrets de chaque conte. Auparavant, pour vous familiariser au sujet, vous pouvez parcourir les pages de ces livres sur les arts de l’Asie centrale, de la Perse ancienne et de l’Islam, et ainsi découvrir quelques trésors orientaux.

Mémoires d’outre-tombe – Rodin

Depuis 97 ans je suis allongé, là, à côté de mon épouse Rose au cimetière de Meudon. Les voix de l’au-delà m’ont rapporté qu’une exposition sur mon œuvre avait pour thème « La Chair et le marbre ». Curieuse idée, mais les hommes du xxi^e siècle nous surprennent souvent, nous qui sommes nés au xix^e siècle.

Entre la chair et le marbre, j’ai toujours préféré la chair, dans son sens érotique, ce plaisir condamné par les Saintes Écritures. Je trouvais dans les interdits de la jouissance, ma plénitude d’homme. Caresser un jeune corps, sentir sous mes doigts la souplesse d’une peau et la chaleur d’une intimité m’ont inspiré mes plus beaux dessins. La possession d’une femme rendait mon cœur gai et enivrait mon esprit. J’éprouvais autant de jubilation à cette vision qu’à ce toucher délicat sous mes mains rugueuses dures et parsemées de callosités. Je vivais à nouveau.



Auguste Rodin, Torse d’Adèle, 1882.
Plâtre, 16 x 50 x 19 cm.
Musée Rodin, Paris.

Si tailler le marbre, le polir épuisent mes forces, ruinent ma santé, le corps de ces jeunes femmes m’offraient un nouveau printemps. Bien sûr, j’ai été jaloux de Michel-Ange et de son Apollon, mais mes goûts me conduisaient naturellement à la Pauline de Canova ou aux égéries d’Adolphe Bouguereau. Quand le paysan se lève aux aurores pour travailler son champ, même le blé qui pousse ne le conduit pas à l’extase. Sculpture après sculpture, j’ai perdu le goût du travail, même si de par le monde je prenais la posture de l’artiste. À chaque nouvelle rencontre mon cœur battait la chamade, comme le burin une plaque de marbre, et résonnait dans tout mon être.



Auguste Rodin, Femme nue dans le mouvement de ses voiles, vers 1890.
Crayon graphite, plume, encre, aquarelle et gouache sur papier, 17,5 x 11 cm.
Musée Rodin, Paris.

À chacune de mes œuvres mettant en scène un corps de femme, j’ai repensé à mes amours, fussent-elles heureuses ou orageuses comme avec Camille. J’espère que les femmes qui ont connu mes étreintes ont senti la chaleur de mon cœur et de ma passion. Entre chair et marbre, c’est faire un choix entre vie et éternité.

Croyez-moi, après cinquante ans, remplir ses hommages à la gent féminine est aussi dangereux pour l’ego que de réaliser les portes de l’Enfer. Cette tentation irrésistible qui s’exprimait dans mes reins à la vue d’un corps désiré, me conduisait dans les affres de la mauvaise conscience. Je pense alors à mon épouse, Rose, allongée à côté de moi au cimetière de Meudon.



Auguste Rodin, Jardin des supplices, 1898.
Mine de plomb, estompe et aquarelle sur papier crème.
Musée Rodin, Paris.

Je reste penseur sur cette vie longue et besogneuse. J’aurais passé plus de temps à travailler des matériaux salissants que de recueillir entre mes mains la palpitation d’un cœur ou la douceur d’une croupe. À chacun son éternité.

J’espère ne point être mort dans le souvenir de ces étreintes et avoir laissé une trace dans la mémoire de toutes ces femmes que j’ai aimées. Rainer Maria Rilke va être jaloux, après le burin je prends la plume. J’ajouterai sûrement qu’une femme qui vous laisse de marbre est d’une tristesse à mourir.

Pour découvrir ou apprécier un peu plus le travail de Rodin et son rendu du corps, vous pouvez visiter l’exposition Rodin, la chair et le marbre au musée Rodin actuellement ouverte, ou acheter le titre Rodin dans les collections BO/MS/GM.