Andy Warhol - Masse oder Klasse?

Gestapelte Pizzakartons und zu Pyramiden aufgetürmte leere Bierdosen sich das typische, an Studenten-WGs haftende Klischee – anstelle eines halbwegs akzeptablen Abendessens wird da schnell mal eine Dose geöffnet. Die gestapelten Dosen des Pop-Art-Künstlers Andy Warhols (1928-1987) erinnern jedoch nur auf den ersten Blick an unaufgeräumte Junggesellenbuden, zu akkurat sind die Dosen aufeinandergestapelt, jedes Cover genau dem Betrachter zugedreht.


Andy Warhol, 100 Campbell’s Soup Cans, 1962.
Kasein, Acryl und Bleistift auf Leinwand, 183,5 × 132,3 cm.
Museum für Moderne Kunst, Frankfurt am Main.

Warhol, der als Begründer und wichtigster Vertreter der in den 1960er Jahren entstandenen Bewegung der Pop-Art gilt, versetzt uns mit seinem Werk 100 Campbell’s Soup Cans in die Welt eines penibel sortierten Supermarktes, vollgepackt mit in Massenproduktion hergestellten Dosensuppen. Der Supermarkt als wichtiger, da häufig aufgesuchter Ort des Großstadtlebens und seine Waren werden nicht nur durch Warhol künstlerisch in Szene gesetzt. Die Pop-Art-Künstler isolieren triviale Alltagsgegenstände und machen sie zu ihren Bildmotiven, entbinden sie so von ihrer Alltäglichkeit und werten sie auf zu Kunst. Durch die Isolation der Alltagsobjekte und die flächige Inszenierung vor einem einfarbigen Hintergrund wirken die Werke steril. Was fehlt sind die Gebrauchsspuren, das natürliche Durcheinander, die Fingerabdrücke, die wir zeit unseres Lebens auf allem hinterlassen.
In dieser Hinsicht erinnern sie an die fotorealistischen Pappwelten des 1964 in München geborenen Bildhauers und Fotografen Thomas Demand, der ähnlich wie Warhol Bilder des kollektiven Gedächtnisses verwendet, die er dann aus Pappe maßstabsgetreu, lebens- oder überlebensgroß nachbaut. Durch eine ausgefeilte Lichttechnik erscheinen die so entstandenen Trugwelten auf seinen Fotografien derart realistisch, dass der Betrachter zwischen „echt“ und Reproduktion kaum noch unterscheiden kann. Nur die fehlenden Gebrauchsspuren und die Menschenleere seiner Interieure lässt den Betrachter misstrauisch werden.

Bei Warhol sind zwar Alltagsgegenstände abgebildet, aber derart verfremdet, dass die Frage nach „echt“ und Reproduktion eindeutig ausfällt: So realistisch insbesondere die Suppendosen aussehen mögen, die starken schwarzen Konturen, die knalligen Farben und die Flächigkeit der Werke erinnern an Comic-Stripes oder Werbeplakate. Seine vielen Porträts gefeierter Persönlichkeiten, wie Marilyn Monroe, Jackie Kennedy und Elvis Presley, wirken geradezu entmenschlicht. Nicht anders als bei Supermarktwaren geht es auch bei den „Celebrities“ um Image und Vermarktung. In einer Welt der Massenware wird neben der Kunst so der Mensch selbst zu einer Ware, die es zu verkaufen gilt. Und als gelernter Werbegrafiker verstand es Warhol, seine Kunst und auch sich selbst gekonnt zu vermarkten. In seinem Atelier, das er „Die Fabrik“ nannte, stellte er unter Mitarbeit mehrerer Gehilfen oft ganze Serien desselben Motives her.

Die Frage, ob sein Werk nun mehr Masse oder Klasse ist, muss jeder für sich selbst beantworten, feststeht aber, dass Warhol die Kunst revolutionierte, indem er immer wieder bewusst auf die Grenze zwischen Kunst und Kommerz anspielte und diese schließlich mit Erfolg untergrub. Denn wer weiß, ob wir ohne Warhols Pionierarbeit heute einen Begriff wie „Werbekunst“ akzeptieren würden.

Obwohl Kunstkritiker bereits seit Jahrzehnten feststellen, dass Warhol einen enormen Einfluss auf die zeitgenössische Kunst ausübt, gab es bisher noch keine Ausstellung, die diesen Einfluss im vollen Umfang aufzeigen konnte. Noch bis zum Ende dieses Jahres ist dies daher das erklärte Ziel der Ausstellung Regarding Warhol: 60 artists, 50 years im The Metropolitan Museum of Art in New York. Rund 45 Werke Warhols sind hier etwa hundert Werken von 60 Künstlern verschiedener Generationen gegenübergestellt und laden zur Spurensuche ein.

Bevor Sie sich aber auf Warhols Spuren begeben, sollten Sie als Vorbereitung einen Blick in den als gedrucktes und digitales Werk erhältlichen Titel Warhol des Verlags Parkstone-International werfen, mit seiner Vielzahl qualitativ hochwertiger Farbabbildungen liefert dieser einen umfangreichen Einblick in das Leben und Werk des Künstlers und hilft Ihnen mit Sicherheit bei der nur individuell zu beantwortenden Frage „Masse oder Klasse?“

http://www.metmuseum.org/exhibitions/listings/2012/regarding-warhol

 

-C.Schmidt

Warhol, un estratega de la imagen

¿Qué tienen en común Miguel Ángel, Rafael, Marcel Duchamp, Hopper, Alberto Durero, Leonardo da Vinci, Alphonse Mucha, Caravaggio, Rembrandt, Velázquez, Renoir y J. M. W. Turner, entre otros? Todos ellos han sido clasificados como «el artista más influyente» de un período histórico, de un movimiento, de un grupo artístico, de un país... No obstante, parece que ya se han cubierto todas las categorías posibles y los genios revolucionarios pululan de tal forma que cada vez se deben acotar más los radios de influencia. Así, la nueva exposición del MET, «Regarding Warhol: Sixty Artists, Fifty Years», nos plantea la pregunta de si Andy Warhol fue el artista más influyente del último medio siglo, esto es, de los últimos cincuenta años... ¿Cincuenta años? ¿Qué será lo próximo? ¿El primer cuarto del siglo XXI? ¿Los tres años que siguieron al 2001? ¿La primera mitad del mes de enero del 2009? ¿Los días previos al 21 de diciembre de este año? (Desde luego, puestos a seleccionar, en los dos últimos meses, pocos artistas han tenido la resonancia de la señora Cecilia de Borja).

Andy Warhol vaticinó que, en el futuro, todo el mundo tendría sus 15 minutos de fama, e iba bien encaminado con respecto a la televisión, pero se quedó algo corto. En la era de Internet, todos se esfuerzan por tener su «minuto de gloria» y pronto será preciso disputarse cada segundo de atención pública... No sé qué opinaría Warhol de la situación actual, pero no cabe duda de que se sentiría muy satisfecho de la presencia e impronta de su legado en este siglo XXI que estrenamos hace no tanto. Al fin y al cabo, se sentía fascinado por el arte como lucro.

Uno de los motivos por los que el MET limita su influencia a medio siglo es que la soberanía del panorama artístico del siglo XX se ha atribuido a Picasso de forma casi unánime (y que conste que he dicho «casi»). Se dice que cuando Warhol supo que Picasso dejó a su muerte un patrimonio de 4.000 obras, decidió que su vocación sería convertirse en «artista por número de páginas» para igualar de esa forma la labor creadora de imágenes de Picasso. Si bien no tenía la hiperactividad (y muchos dirán que tampoco lo acompañaba el genio) del malagueño, lo cierto es que sólo hay que prestar un poco de atención para ver que la huella de Warhol está en todas partes. Una de las cosas que más le maravillaba de Estados Unidos, según afirmaba en su libro Mi filosofía de A a B y de B a A, era que «los consumidores más ricos compran esencialmente las mismas cosas que los más pobres» y le fascinaba la Coca-Cola porque la que bebe el mendigo de la esquina es tan buena como la que se puedan tomar Amancio Ortega o Paris Hilton. Por ello, se apropió de la Coca-Cola y, al hacerlo, consiguió acercar el arte a todo el mundo.


Green Coca-Cola Bottles (Botellas verdes de Coca-Cola), 1962.
Seda, acrílico y grafito sobre lienzo, 209,2 x 144,8 cm.
Whitney Museum of American Art, Nueva York.
© 2012 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / Artists Rights Society (ARS), Nueva York

El MET explora cinco facetas temáticas de Warhol: su fascinación por las imágenes cotidianas, el consumismo banal, el auge de los sensacionalismos; las celebridades y los protagonistas de las crónicas de papel cuché; la crudeza y la importancia de la sexualidad; la reubicación de objetos cotidianos en series infinitas; y la colaboración artística con otros creadores y la fascinación por crear entornos que envolvieran al espectador. Para ello, toma las obras de sus epígonos y permite que los visitantes asistan al diálogo que se establece entre todas ellas; un diálogo «pop» que ha cumplido ya los cincuenta y que, previsiblemente, tendrá una vida longeva y (esperemos) controvertida, genial, lunática y arrebatadora.

Warhol fue un observador incansable, mordaz, crítico, que se propuso cambiar el arte. La decisión de si lo logró o no, te la dejo a ti (no me gustaría robarte tu segundo de estrellato). Las puertas de la exposición de Nueva York estarán abiertas hasta el 31 de diciembre y, si no te puedes pasar por allí, este ebook de Gerry Souter está a tu disposición allí donde estés.

Vom Werden und Vergehen – Ophelia und die Präraffaeliten

Die Szenerie ist malerisch: Ein kleiner, klarer Bach schlängelt sich durch den Wald, eine Weide neigt sich über ihn, am Ufer wachsen Nesseln, Hahnenfuß, Maßliebchen und Kuckucksblumen. Eine junge Frau flechtet Blumenkränze, die sie zum Trocknen an den niedrigen Weidenzweigen aufhängt – doch plötzlich bringt ein falscher Schritt sie aus dem Gleichgewicht, sie strauchelt, findet keinen Halt und fällt ins Wasser. Der Bach, der sich urplötzlich zu einem regelrechten Wildwasserstrom entwickelt, reißt sie in die Tiefe, ihre Kleider saugen sich voll Wasser, die junge Frau schnappt verzweifelt nach Luft, doch ihre Lungen haben sich schon mit Wasser gefüllt, sie ertrinkt elendiglich.


John Everett Millais, Ophelia, 1852.
Öl auf Leinwand, 76,2 x 111,8 cm.
Tate Britain, London.

Das Gemälde Ophelia des britischen Malers John Everett Millais (1829-1896) zeigt Ophelia kurz vor dem Ertrinken, die junge Frau liegt im Wasser, ihre Arme offen angewinkelt, ihre Hände ragen aus dem Wasser hervor, in der Rechten hält sie den Blumenkranz, ihr Blick ist schockstarr nach oben gerichtet, ihr Mund leicht geöffnet, noch halten ihre aufgeblähten Kleider sie oben. Doch wo bleibt hier die Dramatik? Das Ufer scheint so nah, der Bach nicht wirklich tief, die Frau wirkt jung und sportlich. Warum kämpft sie nicht um ihr Leben?

Millais bleibt bei seiner Darstellung sehr nah an Shakespeares (1564-1616) Tragödie Hamlet. William Shakespeare war für die Mitte des 19. Jahrhunderts in England von den Malern Dante Gabriel Rossetti (1828-1882), William Holman Hunt (1827-1910) und John Everett Millais gegründete Präraffaelitische Bruderschaft (PRB) eine beliebte Quelle. Der von Hamlets Mutter geschilderte Tod Ophelias ereignet sich in Shakespeares Stück nicht auf der Bühne, sondern im „Off“, und damit ohne jegliche Dramatik. Im Stück werden die letzten Minuten Ophelias von Hamlets Mutter Gertrude verblüffend emotionslos geschildert:

Dort, als sie aufklomm, um ihr Laubgewinde
An den gesenkten Ästen aufzuhängen,
Zerbrach ein falscher Zweig, und nieder fielen
Die rankenden Trophäen und sie selbst
Ins weinende Gewässer. Ihre Kleider
Verbreiteten sich weit und trugen sie
Sirenen gleich ein Weilchen noch empor,
Indes sie Stellen alter Weisen sang,
Als ob sie nicht die eigne Not begriffe,
Wie ein Geschöpf, geboren und begabt
Für dieses Element. Doch lange währt’ es nicht,
Bis ihre Kleider, die sich schwer getrunken,
Das arme Kind von ihren Melodien
Hinunterzogen in den schlamm’gen Tod.
(Auszug aus Shakespeares Tragödie Hamlet, 4. Aufzug, 7. Szene)

Ob diese Erzählung der wahren Begebenheit entspricht oder ob es ein vielleicht aus Wahn begangener Suizid oder sogar Mord war, lässt Shakespeare offen. Die Szene umgibt daher etwas Mystisches, Geheimnisvolles. Die detaillierte Wiedergabe der Natur und Ophelias jugendliche Schönheit als Symbole des natürlichen Kreislaufs des Werdens und Vergehens allen Lebens machen das Sujet bei den Präraffaeliten, die das Naturstudium als einzig notwendiges Studium ansahen und sich von den tradierten akademischen Regeln abwandten, so beliebt.

Die aktuelle Ausstellung Pre-Raphaelites: Victorian Avant-Gardeder Tate Britain versammelt über 150 Arbeiten der Präraffaeliten: Gemälde, Skulpturen, Fotografien und auch Werke der angewandten Kunst sind seit dem12. September 2012 und bis zum 13. Januar 2013 zu sehen. Ausführliche Informationen über die Präraffaeliten finden Sie aber auch in dem vom Verlag Parkstone-International herausgegebenen Buch Die Präraffaeliten.

http://www.tate.org.uk/whats-on/tate-britain/exhibition/pre-raphaelites-victorian-avant-garde

http://www.amazon.de/Die-Pr%C3%A4raffaeliten-Robert-Sizeranne/dp/1844845370/ref=sr_1_1?ie=UTF8&qid=1347439982&sr=8-1

-C.Schmidt

Caillebotte

Man muss auch in dickleibigen oder vielbändigen Lexika lange nach Informationen über Gustave Caillebotte (1848-1894) suchen, bevor man meistens recht dürftige Auskünfte erhält. Am ehesten findet man sie in den zeitgenössischen Exemplaren der Zeitschrift Le Yacht, die über den begeisterten Segler und erfahrenen Bootsbauer, der auf die über zwanzig von ihm entworfenen und gebauten Yachten zu Recht stolz war, berichten. Anfangs segelte er auf der Seine, später aber von seinem normannischen Domizil aus sowie von Le Havre oder Trouville, dem Nachbarort des damals recht mondänen Badeortes Deauville, als erfolgreicher Regattateilnehmer vor der Küste der Normandie.

Sein Selbstporträt (etwa 1892; Musée d’Orsay, Paris) zeigt einen selbstbewussten, wettergewohnten Mittvierziger, weist aber nicht darauf hin, dass er ursprünglich – so wie manch anderer Maler auch – Jura studiert und dieses Studium auch erfolgreich abgeschlossen hat. Neben der Schule, dem späteren Studium und der anschließenden Teilnahme am Preußisch-Französischen Krieg von 1870/1871 hatte sich Caillebotte schon recht frühzeitig dem Zeichnen zugewandt und begann auch bald, seine künstlerischen Ideen auf Ölgemälde zu übertragen. Eines seiner frühesten bekannten Bilder, in dem das zeichnerische Element noch recht deutlich hervortritt, stammt von seiner Italienreise und zeigt eine Pferdekutsche auf sandiger Landstraße mit dem Vesuv im Hintergrund (Straße bei Neapel; um 1872; Privatsammlung).

Mit seiner sportlichen Leidenschaft war das Sammeln von Kunstwerken sehr eng verbunden, und durch diese Begeisterung war der gutsituierte Caillebotte mit den seinerzeit heftig umstrittenen, von ihm stark geförderten Impressionisten in Berührung gekommen und zu ihrem Mäzen und Organisator ihrer Ausstellungen geworden. Er schloss nicht nur lebenslange Freundschaften mit Claude Monet (1840-1926), Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) und Camille Pissarro (1830-1903), sondern näherte sich im Lauf der Zeit auch deren Malweise an. So weisen seine Werke einen realistisch-impressionistischen, gelegentlich nahezu fotografischen Stil auf. In seinen Themen findet sich neben Porträts, Genre-und Landschaftsbildern häufig und wie selbstverständlich das ihm vertraute Element Wasser – Flüsse, Seen, das Meer. So etwa in Segelboote bei Argenteuil (um 1888, Paris, Musée du Louvre) oder in seinem farbenprächtigen Ruderer auf der Yerres (1877; Privatbesitz).

Seine Leidenschaft für die Malerei spiegelt sein Werk. Es umfasst trotz seines kurzen Lebens etwa 500 Arbeiten, die er eigentlich alle dem Staat hinterlassen wollte, der aber einen Großteil davon ablehnte und nur einige wenige übernahm, deren Großteil sich mittlerweile und üblicherweise im Musée d’Orsay befindet. Ab dem 18. Oktober 2012 unter dem Titel Gustave Caillebotte. Ein Impressionist und die Fotografie sind seine Werke aber in der SCHIRN Kunsthalle in Frankfurt am Main zu sehen.

Sollten Sie keine Gelegenheit zum Besuch dieser Ausstellung haben, können Sie alternativ Caillebottes künstlerischen Werdegang auch von zu Hause aus nachverfolgen. Grundlage dafür kann etwa der vom Verlag Parkstone-International aufgelegte Titel Caillebotte mit seinen vielen Detailansichten im handlichen Druckformat sein.

Ecce Homo

Lorsque je lis ce titre, la première chose qui me vient à l’esprit est d’imaginer cet homme.

"Voici l’Homme" signifie pour moi la venue, la présentation d’une personne monumentale, forte, venant s’imposer en conquérant devant une foule de fanatiques qui l’ovationnerait, l’idolâtrerait, tel un Mick Jagger ou un Iggy Pop pendant un concert.

En histoire de l’art, cette expression, aussi connue sous le terme "Ecce homo", est bien différente de ce que nous pouvons nous imaginer.

Cet Ecce Homo, est en réalité le Christ, flagellé, couronné d’épines et présenté à la foule par Ponce Pilate avant sa crucifixion. Très loin de l’assurance dont je parlais au début de cet écrit, le Christ de Heemskerck est représenté comme abattu, soumis, découragé et acceptant sa sentence.

Heemskerck s’inscrit dans la tendance de l’époque innovant toutefois par son style bien personnel, s’inspirant de l’art italien et de Michel-Ange par l’utilisation d’une couleur brillante et de l’art flamand par l’expressivité des personnages. Une autre particularité des œuvres de Heemskerck résulte dans l’importance des détails, notamment au niveau des drapés des personnages, ainsi que la musculature du Christ qui, accentuée par les jeux de lumière m’a interpellée dès le premier coup d’œil. Se pourrait-il donc au final que je retrouve une esquisse de la personne que je m’étais imaginée ? Peut-être.

Comme l’écrit, Ernest Renan dans Le Christ dans l’art: "les représentations nombreuses du Christ illustrent la fascination que ce dernier exerce sur les artistes". Bien qu’il soit représenté parfois sous des aspects différents,  il est vrai que nous retrouvons généralement toujours les mêmes scènes de la vie du Christ ; la crucifixion, la flagellation, la résurrection. Quelques questions me viennent alors en tête : ces trois épisodes résument-ils toute sa vie ? Au final, que connaît-on du Christ ? Pourquoi suscite-t-il tant de débats et pourquoi se pose-t-on autant de questions sur sa vie et sur une éventuelle relation avec Marie-Madeleine ?

Probablement, comme le dit Ernest Renan, parce que le Christ fascine.

 


Maerten van Heemskerck, Ecce Homo, 1544,
Huile sur toile, 74 1/4 x 102 3/8 x 5 3/16 cm.
Muzeum Narodowe w Warszawie

 

Ce retable de Heemskerck est exposé pour la première fois en dehors de l'Europe au Getty Museum de Los Angeles du 5 juin 2012 au 13 janvier 2013 grâce au prêt du Musée National de Varsovie et s’inscrit dans le cadre des recherches sur les techniques de peinture de la Renaissance.

 

http://www.amazon.fr/Le-Christ-dans-lart-ebook/dp/B0084FADJ6

Rubens también se habría dejado seducir por el Photoshop

Aquí y ahora, me propongo romper una lanza a favor de la belleza alterada, esa que busca la perfección que resulta agradable a la vista. ¿Y a qué se debe mi repentino interés por esta falsedad y por qué la reivindico? En primer lugar, se me ha dado la oportunidad de hablar de Pedro Pablo Rubens, archiconocido por sus representaciones de mujeres rotundas y lozanas. En segundo lugar, porque a diario la prensa internacional recoge notas polémicas relacionadas con el Photoshop, esa herramienta que convierte a los diseñadores gráficos en dioses modeladores de la imagen.

Veamos algunas de las más recientes. En respuesta a la petición impulsada por una joven de Maine que obtuvo más de 84.000 firmas, la editora de la revista para adolescentes estadounidenses Seventeen se comprometió a no retocar las fotografías que publique, así como a mostrar a modelos reales y saludables. Por lo general, estos programas de edición de imágenes se utilizan profusamente para alterar el color y el tono de piel, borrar arrugas y adelgazar las formas. No obstante, esta semana la aplicación también ha salido a la palestra por «engordar» a la que muchos consideran la heredera de Elle McPherson, la modelo Karlie Kloss. Tras la controversia que se generó en torno a esta joven y delgadísima modelo en diciembre del año pasado, cuando Vogue Italia se vio obligada a retirar una de sus fotografías que estaba siendo utilizada por numerosos sitios pro anorexia, la edición japonesa de la revista Numéro optó por disimular las marcadas costillas de la supermodelo. Pues bien, aunque pueda parecer contradictorio, este nuevo uso del software tampoco se ha librado de las críticas (y no sólo por parte del indignado fotógrafo responsable, Greg Kadel).

Y es que estamos ya tan acostumbrados a los retoques en la industria de la moda y las revistas (también en otros medios con objetivos distintos, pero eso es harina de otro costal), que hemos dejado de esperar que las fotos sean un fiel reflejo de la realidad. Muchos lectores asumimos que la mayoría de las imágenes se manipula de alguna forma, y no sólo en lo que respecta a las imperfecciones humanas, sino que los cielos se hacen más brillantes, se eliminan los objetos que resultan inadecuados para la composición y se realzan los colores para que parezcan más «auténticos». En el fondo, lo que se intenta es adaptar el mundo a esos ideales que no existen sino en nuestros pensamientos y que dependen de épocas y subjetividades.

 


Pedro Pablo Rubens, Júpiter y Calisto, 1613.
Óleo sobre tabla, 126,5 x 187 cm.
Gemäldegalerie Alte Meister, Kassel.

 

No voy a decir que estoy de acuerdo con la exaltación de las costillas salientes, los vientres y las mejillas hundidos y los glúteos inexistentes, porque evidentemente no es así. Sin embargo, quien afirme que la belleza se debe representar exacta y crudamente como es en realidad y tome a grandes maestros como Rubens como ejemplo, evidentemente no se ha detenido a mirar lo artificialmente perlada que es la piel de sus figuras ni cómo estas se recortan sobre fondos oscuros y reciben calculados haces de luz que las hacen resplandecer.

Si he conseguido sacudir tu interés por las graciosas mujeres de Rubens, tienes aún unos días para planear tu visita a la exposición que acogerá el Von Der Heydt-Museum de Wuppertal desde el 16 de octubre hasta el 28 de febrero del próximo año. Y si no puedes esperar tanto y quieres empezar a debatir sobre si el flamenco pintaba a las mujeres de su entorno tal como eran o según le resultaban más complacientes, llévate a casa este ebook de Victoria Charles.

 

Attr. Rubensfrau, 42/160/90, NR, O.f.I. sucht jung gebliebenen Endvierziger 24/7, ... AG, BmB.

So oder so ähnlich lesen sich zahlreiche Kontaktanzeigen in der lokalen Presse oder dem Internet. Und auf der Suche nach einem zeitweiligen Partner oder gar einem fürs Leben sind wir erst einmal herausgefordert, die zahlreichen Informationen zu dechiffrieren, die uns dieser Einzeiler gegeben hat.

Neben all diesen Abkürzungen, Zahlenkombinationen und der Frage „Was zum Kuckuck ist ein jung gebliebener Endvierziger?“ findet sich auch eine recht poetische Selbstbeschreibung – Rubensfrau. Die „Rubensfrau“ als Synonym für eine gut gebaute, füllige Frau mit deutlichen weiblichen Rundungen und einem üppigen Hinterteil – eine Frau halt, die „etwas zum Anfassen“ hat, würde vielleicht der ein oder andere männliche Zeitgenosse sagen.

Dieser Peter Paul Rubens (1577-1640) war übrigens ein flämischer Maler des Barock, in dessen Werken dieses Frauenbild zum Schönheitsideal avancierte. (Halb-)nackte Frauen finden sich in mythologischen oder historischen Szenerien in Frontal- oder Rückenansicht recht häufig und sind dabei immer ein wenig fülliger. Damals ein Schönheitsideal, weicht das Bild der Frau in den heutigen Medien stark davon ab – schlank ist schön – heißt es da. Dennoch finden wir in den Kleinanzeigen unserer medialen Welt immer wieder Frauen, die auf poetische Art und Weise vermitteln, dass sie zwar nicht dem „Ideal“ entsprechen, aber dennoch schön sind. Und da Schönheit irgendwie immer im Auge des Betrachters liegt ...

 


Peter Paul Rubens, Venus vor dem Spiegel, um 1614.
Öl auf Holz, 124 x 98 cm.
Sammlungen des Fürsten von und zu Liechtenstein, Vaduz – Wien.

 

Wenn Sie nun die originalen „Rubensfrauen“ in ihren besten Jahren blank und bloß und sich lasziv auf der Leinwand rekeln sehen wollen und auch gespannt darauf sind, wie sich diese in einen politisch diplomatischen Kontext einfügen, dann bietet Ihnen das renommierte Von der Heydt-Museum in Wuppertal zwischen dem 16. Oktober 2012 und dem 28. Februar 2013 mit der Ausstellung Peter Paul Rubens die Gelegenheit dazu.

Begleitend oder alternativ können Sie Ihre Vorstellungen über die „Rubensfrauen“ Bmb (Bitte mit Bild) im handlichen Format mit dem hervorragend bebilderten Titel Rubens von Maria Varshavskaya und Xenia Egorova von Parkstone-International erweitern.

 

Vom Schatten ins Licht – Das Département des Arts de l’Islam

Paris ohne das Musée du Louvre und das Musée du Louvre ohne sein gläsernes Pyramidendach? Heute unvorstellbar! Über zwanzig Jahre sind vergangen, seitdem der chinesische Architekt Ieoh Ming Pei (*1917) seinen spektakulären Entwurf für den neuen Eingang des Louvre vorstellte, und es ist schwer zu sagen, ob die Mona Lisa oder die 1989 eingeweihte Glas-Stahl-Konstruktion über dem Eingangsbereich heute mehr Besucher anzieht. Sicher ist jedoch, dass die Glaspyramide einen entscheidenen Einfluss auf das Pariser Stadtbild genommen hat.

Dass das Musée du Louvre eine der weltweit bedeutendsten Sammlungen von Kunstwerken der islamischen Welt besitzt, ist dagegen weniger bekannt. Für die bereits in Zeiten der Monarchie begonnene Sammlung wurde 2003 eine eigenständige Louvre-Abteilung gegründet, das Département des Arts de l’Islam – nur ein geeigneter Ausstellungsplatz ließ sich nicht finden. Das soll sich nun durch die großflächige gläserne Überdachung des Visconti-Hofes ändern, durch die ein neuer, sich über drei Ebenen erstreckender Ausstellungsraum geschaffen wird.


Kelch mit Deckel, Herat, um 1265.
Kupfer.
Musée du Louvre, Paris.

Während damals nicht alle Kritiker den modernen Glasanbau Peis positiv auffnahmen, stoßen die Architekten des neuen gläsernen Anbaus auf viel weniger Gegenwehr –viel zu erfolgreich war die erste Glasüberdachung. Und auch das neue, von den Architektur-Büros Rudy Ricciotti (Marseille) und Mario Bellini (Mailand) entworfene Glasdach ist durchaus vielversprechend: Die nahezu komplette aus 8 000 Stahlrohren und 2 350 gleichschenkligen Dreiecksscheiben bestehende Überdachung des Hofes ist in einem deutlichen Abstand zu den historischen Fassaden gebaut und ruht ausschließlich auf acht schmalen Pfeilern, wodurch das Dach wie ein großes, über dem Hof drapiertes Sonnensegel wirkt.

Am 22. September 2012 wird das neue Département des Arts d'Islam im Hof des Musée du Louvre eröffnet. Die hauseigene Sammlung umfasst rund 14 000 Stücke – darunter Objekte, Teppiche, Textilien, Miniaturen und Architekturkomponenten – und wird durch etwa 3 500 Werke der dekorativen Kunst aus dem Musée des Arts Décoratifs ergänzt. Anhand von 3 000 ausgewählten Objekten aus drei Kontinenten, von denen viele zum ersten Mal gezeigt werden, soll der Reichtum des künstlerischen Schaffens der islamischen Ländern von den Anfängen des Islam im siebten Jahrhundert bis ins frühe neunzehnte Jahrhundert aufgezeigt werden.

Sie interessieren sich für die asiatische Kunst? Weitere Informationen und viele Abbildungen finden Sie in den Büchern Die Kunst Zentralasiens, Die Kunst des Islam und Indische Kunst des Verlags Parkstone-International (wobei die letzten beiden auch als E-Book erhältlich sind).

http://www.louvre.fr/en/new-department-islamic-art

 

-C.Schmidt

The Secret to Being a Great Artist…

Serov has been hailed as the defining Russian artist of the transitional period between the late 19^th and early 20^th centuries, perhaps the best portrait painter in Russian art, whose “early rise to the top is almost unparalleled in the history of art”.

What factors contributed to this artist’s greatness?

Could it be an inherent talent? He was born into a creative family and immersed in an artistic environment from childhood; indeed, both his parents were famous composers.

Or, could it be his drive and his determination to succeed? There’s no doubt that Serov was a hard worker and a competitive artist, who strove to be at the forefront of the new artistic movements of his generation. He worked tirelessly to perfect his drawing skills and painted everything he could lay his eyes on.

What about his passion for the works of the greats? He began, at a formative age, to pay attention to the “‘high craftsmanship’ that characterised the Old Masters” which “led him to understand what an artist should aspire to”, inspiring him to go perfect his technique and create technically excellent pieces of art.

Although these factors surely had an impact on the artist himself, they are representative of many talented and determined artists, so what was it that made Serov stand out?


Valentin Serov, Girl with Peaches. Portrait of Vera Mamontova, 1887.
Oil on canvas, 91 x 85 cm.
The State Trekyakov Gallery, Moscow.

 


Valentin Serov, Sunlit Girl. Portrait of Maria Simonovich, 1888.
Oil on canvas, 89.5 x 71 cm.
The State Trekyakov Gallery, Moscow.

 

Serov was extremely privileged in his upbringing, benefiting from his parents’ hospitality; “The Serovs’ apartment in St Petersburg was a popular meeting place for famous painters and sculptors, including Nikolai Ge, Mark Antokolsky, and Ilya Repin.”

This nepotism served him well, as it was Antokolsky who recognised the youngster’s talent, delivering him “into the hands of Repin”, who taught and befriended his young colleague: “Repin was in France at the time on a postgraduate assignment from the St Petersburg Academy of Arts, and Serov began attending his studio.” Serov assisted Repin in several large compositions he was doing at the time, drawing the barn that can be seen in the background of Repin’s Send-off of Recruit.

After Repin had taught the boy all he needed to know, his connections secured Serov a place in the Russian Academy of the arts, where he was taught by Pavel Chistiakov, “the only man in the Academy capable of teaching a novice the basic principles of art”.

Although some artists have had humble beginnings, many struggle to make ends meet during their lifetimes and, like Van Gogh, their talents remained “undiscovered” until after their death. Would Serov have reached such dizzying heights were it not for the excellent training he received through his family connections?

Wealth and contacts seem to go a long way in the art world. If you’re looking to be a prize-winning artist, maybe take a leaf out of Serov’s book – a bit of light hobnobbing certainly wouldn’t go amiss.

Quoted text from the illustrated art book Serov, by Parkstone International. Order your print copy or e-book to read more about this extremely talented and well-regarded Russian artist.

Ilya Repin: Stalin’s Golden Boy

Ukrainian-born Ilya Repin’s life spanned the turn of the 20^th century, a particularly turbulent period in Russian history. A member of the Itinerants, he is one of the most celebrated social realist painters of all time, painting the lives of poor peasants and revolutionaries in exquisite detail, eschewing the burgeoning contemporary European impressionist movement. His paintings are a satirical commentary on the contemporary society of the Russian Empire, depicting scenes of peasantry (‘Barge Haulers on the Volga’), political and military scenes (‘Demonstration 17 October 1905’) and Cossack life (‘The Reply of the Zaporozhian Cossacks to Sultan Mahmoud IV’).

Soon after his death in 1930, Repin had developed into a cult figure. Revered by Stalin (supposedly his “favourite artist”*), his realistic portrayals of daily life inspired the ‘Socialist Realism’ of the new, centralised USSR. This genre depicted the suffering working classes as heroic in their struggles, which became heightened as the “elite” of the Stalinist regime were hypocritically bathing in the excesses that the position afforded them.

Stalin and Repin had similar beginnings, in that they were born into poorer families, in non-Russian soviet republics; the former being a Bolshevik revolutionary, whilst the latter was undoubtedly a sympathiser in the fight for social justice. However, somewhere along the way Stalin’s desire to escape the misery of his childhood lead to an abandonment of his roots, a skewing of his principles and a misappropriation of Repin’s work to champion his newly-held ideals.


Ilya Repin, Leo Tolstoy as a Ploughman on a Field, 1887.
Oil on cardboard, 27.8 x 40.3 cm.
The State Tretyakov Gallery, Moscow

Why is it that there is so often a discrepancy between the austere measures a regime advocates for its citizens and the lavish lifestyle the officials themselves lead? From examples as tame as the privately educated millionaires that make up the current British government, and the ostentation of the Pope, to the more extreme cases of autocrats living the high-life whilst their citizens starve, this is evident the world over and repeated cyclically.

As power turns heads, it also turns minds. A love of art may become more sterile, as only ‘state-approved’ art get the seal of approval. Hitler approved of the Great Masters, where the spiritual morality and family values depicted could be manipulated to suit his own manifesto, as well as having art made to order by his favourite, compliant artists. Under most dictatorships, artistic intelligentsia are driven underground for fear of being purged, either for vocally dissenting from the regime, or due to the expectation that they would do so.


Ilya Repin, Putting a Propagandist Under Arrest, 1880-1889.
Oil on canvas, 34.8 x 54.6 cm.
The State Tretyakov Gallery, Moscow.

Ironically, if Repin had been alive during Stalin’s reign of terror, it is reasonable to believe that he would have been painting scenes to satirise this monstrous hypocrite and his actions that, amongst other things, lead to around 7 million of Repin’s compatriots starving to death during the Ukrainian Famine of 1933. And had he lived on to lampoon, he would almost certainly no longer have been Stalin’s golden boy.

If you happen to be in Tokyo, check out the Bunkamura Museum where they are holding an exhibition (‘ILYA REPIN: Master Works from the State Tretyakov Gallery’, until Monday 8 October) featuring 80 Repin works on loan from the State Tretyakov Gallery. If Japan seems like a long way to go to see Repin’s works, why not try this Ilya Repin ebook instead, featuring many more masterpieces by this excellent realist painter.

* Rappeport, H. (1999). Art and Architecture. In: Joseph Stalin: A Biographical Companion. (p. 7). California: ABC-CLIO, Inc.

Munch ado about nothing

So you think you know Edvard Munch? Think again. That’s the tag-line for the Tate Modern‘s new Munch exhibition, whose premise is that Munch is an under-analysed artist, pigeonholed as a troubled loner and worthy of reassessment. They profess that there were more sides to his personality than just ‘the man who painted The Scream’, and the exhibition seeks to find out what else made him tick through an analysis of the other themes in his work, such as his debilitating eye disease, the theatre and his burgeoning interest in film photography. They implore us to see past the “angst-ridden and brooding Nordic artist who painted scenes of isolation and trauma”, but do people really want to strip off the interesting layers to reveal the normal, everyday Eddie underneath?

Within the art community, it is a dream come true to find another piece of the missing puzzle, to “discover” the man behind the artist and to know exactly what his motives and inspirations were for every piece or artistic period in his life. However, representing the “whole picture” detracts from what made the artist interesting or unique in the first place, or even what makes the paintings so breathtaking. It is scientifically proven* that the longer you spend with a partner, the less interesting they become; in this way, the more you know about the banal aspects of an artist’s life, the less legendary they are. Stick to what makes Munch alluring – a tortured, unloved soul who expresses himself through his harrowing, yet awe-inspiring paintings.


Edvard Munch, The Scream, 1893.
Tempera and crayon on cardboard, 91 x 73,5 cm.
Nasjonalmuseet, Oslo.

It is more than agreeable to believe that Munch painted his masterpieces in an oxymoronic frenzy of despair – catharsis for his traumatic youth. But this new wave of “understanding” of every aspect of Munch’s life has led to an interpretation that Munch was well aware of the techniques and visual effects that he employed to such devastating effect, and that it was in fact the commercial viability of reproducing a popular painting that drove Munch to rework his favoured themes time and again. If this is the case, then Munch knew how to play us like a fiddle.

Have these people learned nothing from Munch? Angst sells, big time, and if the Tate wants to increase its footfall, it too should sell out and give the people what they want – a slice of the despondent Munch we think we know. I’ve heard that The Scream is supposed to be a pretty good painting...

Edvard Munch: The Modern Eye is showing at the Tate Modern from 28 June – 14 October 2012. Or, to view some of Munch’s popular works (including The Scream), why not try this Munch art e-book?

*it is not really scientifically proven.

Doodling with Picasso

The British Museum has managed to wheedle the donation of all one-hundred of Picasso’s etchings which make up the Vollard Suite – no, not the name of a room in a curiously themed hotel, but a massive series of prints created in exchange for a couple of paintings, including two by Cézanne and Renoir.

The critics are clambering all over each other to fawn, simper and gush about the prints and to offer their unsolicited opinions about what the lines and shading could possibly mean, squabbling like children over who can kiss the most arse. I agree that the series does reveal the inner workings of the mind of the artist during a transitional period, but only insofar as my absent-minded phone-doodling offers an insight into my thoughts at that particular moment in time. Ok, so a picture of a stick man and a flower might not be quite as impressive as a Minotaur with breasts, but doodles was what they were, no more, no less.


By Pablo Picasso, aged 43. He drew this horse whilst nattering on the phone. FACT.
Little Horse, 1924(?). Indian ink on paper, 21 x 27.2 cm, The State Hermitage Museum, St Petersburg.

Trading a couple of paintings by known masters for prints by a living artist was a bit of a gamble, but the trick certainly paid off. Well, not for poor old Ambroise Vollard, who died the same year the prints were completed, but a few generations and changes of hand later, and the set is now worth a staggering £900,000. The fools! Picasso’s status as an excellent artist is well-deserved, but just because he is a good artist does not mean that all his art is good art. Once the buzz from this discovery evaporates, I wonder whether they will realise that they’ve been had.

In case the British Museum is interested, I have a few prints for sale, entitled “Tree”, “Swirly Pattern” and “To Do List”. Each one costs £4,500, a bargain at half the price of a Picasso print!

If, contrary to my warning, you want to see these scribblings, the British Museum is holding this exhibition for free until 2 September 2012. If, however, you’d rather see some of Picasso’s real artwork, why not get this Picasso art book, instead.

Hopper: drudgery and dysthymia

Edward Hopper is being celebrated with an exhibition dedicated to his life and works in the Museo Thyssen-Bornemisza in Madrid, amassing an impressive 73 out of his 366 canvases. He would have hated this. Bitter as he was about the late recognition of his art, he avoided his own exhibitions, using them as a platform to get his paintings sold, in order to carry on living his simple and reclusive lifestyle.

Hopper has to be the least fitting name for an artist as misanthropic as he. He was an introvert with a wry sense of humour, who would fall into great periods of melancholy, pierced on occasion by flashes of brilliant inspiration. But great art comes from great depression. Take the obvious example, Van Gogh, whose struggle with manic depression led him to paint some of the most celebrated art in history. Other, lesser known depressives included William Blake, Gauguin, Pollock, Miró, and even Michelangelo. I’m not saying you have to be depressed to be an artist, but it helps. The irony is that Hopper was one of the few artists whose careers actually flourished during the Great Depression.


Edward Hopper, Eleven A.M., 1926.
Oil on canvas, 71.3 x 91.6 cm.
Smithsonian Institution, Hirshhorn
Museum and Sculpture Garden,
Washington, D.C.

It takes a pessimist to be able view life through a realist lens. Hopper’s work strikes a chord with people not because it gives them a cheery nod to the future, but because it reflects the banality, solitude, loneliness and boredom of moments in our own lives, and says to us: “Hey, you know what? It’s ok if you want to sit in your knickers and stare out of the window all day − people did it in the 1920s too!” For many of us, it reflects the poignancy of relationships, and the bitterness of a break-up. If there is a couple, the intimacy has gone, and each is resigned to the fate of either an imminent split or a life of regrets, each wallowing in their own well of ‘what ifs’.


Edward Hopper, Summer in the City, 1949.
Oil on canvas, 50.8 x 76.2 cm.
Berry-Hill Galleries, Inc., New York.

Think you can create world-class art with a canvas, some paints, and optimism alone? Then think again, preferably in your underwear, staring into space.

You can still see Hopper’s works at the Hopper exhibition, at the Museo Thyssen-Bornemisza, until 16 September 2012. Get to know the artist, and what made him tick, with this detailed art book about Hopper’s life and times.

Romance us please, Renoir

For the first time in 26 years, Renoir’s trio of amorous dancing couples are reunited in Boston’s Museum of Fine Arts. And boy, do we need some romance in our lives.

Life is far from peachy at the moment in the West: stagnating economies, rising unemployment, a proliferation of extreme right-wing ideologies, decreasing social mobility, and the oxymoronically-phrased ‘negative growth’ all give rise to a rather bleak outlook. Is it any wonder that, whilst many young Westerners escape to the East in search of more prosperous times, those left on the sinking ship turn to drink, drugs, and dangerous driving in order to forget about the futility of their futures?

I may be exaggerating a little but, in these times, many of us are looking for a distraction, or getting ourselves fitted for rose-tinted glasses. This is where the Museum of Fine Arts Boston has been shrewd. The current climate is an ideal time to display three of Renoir’s pink-cheeked, quivering-bosomed Mesdames in the arms of wandering-handed Messieurs, deep in the throes of love, pressing themselves against each other as if they are the only two people in the ballroom/park/countryside.


From left to right:
Pierre-Auguste Renoir, Dance in the City, 1883. Oil on canvas, 180 x 90 cm.
Musée d’Orsay, Paris.
Pierre-Auguste Renoir, Dance in the Country, 1883. Oil on canvas, 180 x 90 cm.
Musée d’Orsay, Paris.
Pierre-Auguste Renoir, Dance at Bougival, 1883. Oil on canvas, 181.9 x 98.1 cm.
Museum of Fine Arts, Boston.

This is for two reasons; firstly, it harks back to a simpler time, where their only care in the world was to drink as much wine and to make as much merriment as possible, and possibly to catch the eye of a potential suitor. Secondly, it represents a much more innocent and romantic type of romance. Renoir depicts the thrill of the dance, the anticipation that somewhere, under half a dozen petticoats and a very confusing contraption masquerading as underwear, there is something worth the trouble to undress for. Grinding to Dubstep in high heels and a tea towel just doesn’t convey the same... tenderness.

This exhibition should come with a disclaimer: you may go in an embittered, old, shrivelled-up hag with a charcoal heart, but you will come out drooling like a teenage girl, who has just discovered that boys really don’t have cooties after all. And maybe, maybe that’s just what we need right now.

If you want to dance with Renoir in person*, the Museum of Fine Arts Boston will be displaying these three paintings until 3 September. If you can’t make it to Boston, you can drool over Renoir from afar with this art book, available in both print and digital formats, including many more of his impressive impressionist paintings.

*There is no guarantee that Renoir will be there in person.

...With one, we cannot have the other

Art of the Middle East is facing the same fate as the museums, works of art, and buildings that stood before World War II and, more recently, the Arab Spring. The Pearl Monument, formerly of Bahrain, was torn down by the Bahraini government last year because it was a point of interest for protestors. The Taliban has destroyed Buddhist art in Afghanistan, most specifically the Buddhas of Bamiyan in 2001. Already, works from Pakistan have been delayed in joining their counterparts in exhibitions, while important Egyptian pieces were left behind altogether amidst its revolution.

When will it end? When will the selfish pursuits of some stop affecting cultural preservation and future enlightenment? Is it only a matter of time until majesty of The Registan (from left to right below: Ulugh Beg Madrasah, Tilya-Kori Madrasah, and Sher-Dor Madrasah) of Samarkand is destroyed?



Visit remnants of historical Islamic art which still remain at The Metropolitan Museum of Art exhibition, Byzantium and Islam: Age of Transition, through 18 July 2012. Also, bring these images home in Central Asian Art and Art of Islam, which are available as both ebooks and print books.

-Le Lorrain Andrews

War and art...

War, what is it good for? An age old question to which I can say: certainly not preserving art or cultural artefacts, nor fostering an atmosphere which might encourage visitors despite the destruction and neglect of surrounding areas caused by war.

After developing an affinity for the images of mosques, madrasahs, and minarets of Central Asia, I find myself torn at the idea of crossing war paths to follow cultural trails.

Consider, for example, the seventh-century crisis in which Constantinople (now Istanbul) already faced with natural disasters and civil wars, as it struggled with religious and political strife. The Ottoman’s further decimated the already under-populated and decimated city in the 1300s, from which only a few items survived and are still available for view. The rest of the Byzantine works were destroyed, stolen, damaged, or simply “lost”.

A vast majority of Byzantine art was almost entirely concerned with religious expression which went on to have a significant impact on the art of the Italian Renaissance. What little art was left found itself in Russia, Serbia, and Greece. Featured below is a piece which remained in Constantinople/Istanbul which serves as a lasting example of the surviving art of Byzantium.


Christ Pantocrator (detail), 1280.
Deisis mosaic.
Hagia Sophia, Istanbul.

I’m pretty sure photos, paintings, and carvings will never do the wonder and beauty of what Byzantium once was, but can see some of what’s left for yourself at The Metropolitan Museum of Art’s  Byzantium and Islam: Age of Transition exhibition through 18 July 2012. Furthermore, bring these images home in the form of this finely illustrated Byzantine Art ebook (also available in printed format).
-Le Lorrain Andrews

So Peculiarly English: topographical watercolours

So peculiarly English.... a label I just can’t seem to shake off. But what is it that makes me and fifty million others so English, and so peculiar? I love the great stereotypes of England and its mad inhabitants, with our tea-drinking, cheese-rolling, queue-respecting and morris dancing. So how disappointed must I have been when I saw that the V&A, in order to celebrate Englishness, has put on an exhibition dedicated to English watercolour painting?

English watercolours are not peculiar in any way, shape or form. In fact, they are the opposite, the very essence of banality. The only peculiar thing about them is that the English were the only ones to bother with them, and that they insisted on doing it for so long.

Not only that, but topographical landscapes, so you can see the English countryside in all its... dreariness. Early topographical watercolours, writes Bruce MacEvoy, were “primarily used as an objective record of an actual place in an era before photography”; as land surveillance maps, for military strategy (to help us out with our colonising), for the mega-rich to show off their wealthy estates (built in all probability with money from the slave trade), and for archaeological digs, for when we wanted to have a record of whose lands we had already pillaged. Doesn’t it feel great to be English?


John Constable, Stonehenge, 1835. Watercolour on paper, 38.7 x 59.7 cm. Victoria and Albert Museum, London.

When we weren’t painting watercolours to celebrate our upper classes’ moral ineptitude, we were depicting scenes of England’s lush greenery, her rolling hills, picturesque villages and rocky coastline. Or rather, Turner, Constable and Gainsborough were. People can’t get enough of their tedious seascapes and landscapes, as if they’ve never seen a tree or a rock before in their lives. The only redeeming feature of Turner is that apparently he once had himself "tied to the mast of a ship in order to experience the drama" of the elements during a storm at sea, which a great example of English eccentricity right there.


J.M.W. Turner, Warkworth Castle, Northumberland – thunder storm approaching at sunset, 1799.
Watercolour on white paper, 52.1 x 74.9 cm. Victoria and Albert Museum, London, U.K.

Forget the 427 identical paintings of abbeys and vales, heaths and lakes; I’d rather see something truly peculiar, like a painting of Turner tied to a mast of a sinking ship. Then, and only then, would I come to your watercolour exhibition.

If, unlike me, you have a great love for the topographical landscapists of yore, get down to the V&A for their exhibition ‘So Peculiarly English: topographical watercolours’ (from the 7th June 2012 - 1st March 2013). Read up on a classic English painter before (or after) your visit with this Turner ebook, or find more art you'll love on the Ebook-Gallery.

Heaven, Hell and Dying Well

The Christian Church of the Middle Ages was the most important institution of the time, holding an unyielding power over what the general population thought and believed. More often than not, art of the period venerates Jesus in all of His glory, placing him at the centre on a throne, judging who shall pass through the gates of Heaven and who will be banished to eternal damnation. These images gave strength to the many believers while terrifying some skeptics towards belief.


Take Fra Angelico’s The Last Judgement (1425-1430) for example (above). Christ sits in judgement on a white throne surrounded by John, Mary, the saints, and angels, his right hand pointing towards Heaven, while his left indicates Hell. On his right is paradise, a beautiful garden leading to a city on a hill; angels lead the saved to meet their loved ones. To Christ’s left, we see demons forcing the damned back into Hell to take their place for eternal torment. At the very bottom, Satan gets his fill of three sinners while two others wait in his grips.

Once considered terrifying, today these images are subjects of ridicule and disbelief. The length to which believers went to assure their salvation in a place that will more likely than not turn out to be imaginary and intended to ease the fear of death, is simply laughable. Do you believe in God the Almighty and His Son that died for your sins? Should we, in fact, sin more in order to be sure that He died for the right reasons?

See more religiously charged images in Heaven, Hell, and Dying Well: Images of Death in the Middle Ages at The J. Paul Getty Museum, exhibiting until the 12^th August 2012. Furthermore, bring these images home with Art of the Devil, a high-quality art ebook full of detailed images of life after death, stemming from the artists' deepest fears.

Contre le bien-pensant...

Villon, Pasolini, Courier ou Le Caravage... Un poète francais du Moyen Âge, un cinéaste italien des années 60 / 70, un écrivain français à cheval entre xix^e et xx^e siècle et un peintre italien du xvi^e siècle... Cherchez les points communs !

A priori pas grand chose, et pourtant... : Villon Pape des artistes maudits, assassin à ses heures et poète-bagarreur, Pasolini filmant la chair avec délices et tué sur une plage, Courier le séducteur-soldat, brillant helléniste et assassin assassiné et enfin Le Caravage, enfant-maudit de l’Histoire de l’art, mort d’épuisement et peintre de la chair et du désir...

Vous l’aurez compris, la subversion est ici le maître-mot. Ceux qui pensaient que c’était le xx^e siècle qui avait inventé l’anti-conformisme, qu’ils lisent –entre autres- les écrits de Villon ou de Courier, qu’ils regardent les toiles de Le Caravage et les films de Pasolini...

On considère souvent Le Caravage comme étant l’inventeur de l’éclairage cinématographique... Ci-dessous une capture d’écran de Teorema, film réalisé en 1968, et un détail de Judith et Holopherne, toile peinte en 1597-1600. Jugez-en par vous même...



« Et le Verbe s’est fait chair »... Entre un peintre mêlant de manière très subversive la religion et la sensualité (Saint-Jean Baptiste, peint vers 1600) et un cinéaste amoureux de l’excès et de la décadence (Teorema, Œdipe Roi, Le Décameron), difficile de trancher lequel des deux a le mieux illustré cette phrase extraite de la Bible...



Bousculant la rigueur morale de leur époque, ces artistes sulfureux laissent leur désir et leur passion s’exprimer tant dans leur vie que dans leur œuvre.

Hieronymus Bosch – ein religiöser Fanatiker?

Wenig ist bekannt über Hieronymus Bosch. Als niederländischer Maler im 15. Jahrhundert geboren, entstammt das Meiste, was wir heute über ihn wissen den gerade mal 25 ihm sicher zugeordneten Gemälden (eine Zahl, die mit den Jahren deutlich zurückgegangen ist).

Durch die Verwendung von Diptychons und Triptychons gelang es Bosch die Erwartungshaltung seiner Betrachter sofort auf eine religiöse Thematik zu lenken.

Zu seinen berühmtesten Werken gehört Der Garten der Lüste (um 1480-1505) – aber war Bosch wirklich ein so strenger Christ, wie es dieses Gemälde vermuten lässt?



Auf den ersten Blick, man kann es dem Betrachter nicht verübeln, wirkt die Szene als entstamme sie einem wirklich skurrilen Kindermärchen. Erst bei näherer Betrachtung offenbaren sich die komplexen himmlischen und höllischen Details, die zugleich Entzückung als auch Verzweiflung ausdrücken.

Das Thema des Werkes? Die Geschichte des Sündenfalls: Auf der linken Tafel (der Anfang der Geschichte) führt Gott Adam und Eva im Garten Eden zusammen. Der große Mittelteil zeigt eine einzige wilde Orgie – Menschen bedienen sich ihres freien Willens auf der Suche nach dem ultimativen Genuss. Die rechte Tafel veranschaulicht die Qualen in den Tiefen der Hölle: Als Folge der menschlichen Sündentaten wütet hier Gottes furchtbarer Zorn (heraufbeschworen bereits am Anfang durch die „böse“ Eva).

Manche Wissenschaftler stimmen mit der Ansicht nicht überein, dass Bosch ein religiöser Fanatiker war, die zarte Farbgebung und die Schönheit der Szenerie, lassen ihrer Meinung nach die These unmöglich erscheinen, dass Bosch seine Figuren als Sünder darstellen wollte.

Noch umstrittener ist jedoch sein Einsatz von "haarigen" Figuren (Figuren mit einem braunen Fell) im mittleren Bereich, der nicht selten als ein beabsichtigter Hinweis auf Boschs ketzerische Sichtweise der Evolution interpretiert wurde. Einige Kunsthistoriker wiederum sehen in den harrigen Figuren einfach nur eine gedachte Alternative zu unserem zivilisierten Leben.

Welche Ansicht mag wohl eher der Intention Boschs entsprechen?



Erforschen Sie die Geheimnisse von Bosch und anderen Künstlern in der Ausstellung Tracing Bosch and Bruegel. Four Paintings Magnified , die bis zum 21. Oktober 2012 in der National Gallery in Kopenhagen gezeigt wird. Nähere Informationen zu Bosch und seiner Kunst, finden Sie auch in dem aufwändig illustrierten neu erschienenen Bosch-Ebook.