ALWAYS Win the War

Captain Charles A. and Sergeant John M. Hawkins, Company E, "Tom Cobb Infantry," Thirty-eighth Regiment, Georgia Volunteer Infantry, 1861–62.
Ambrotype, Photograph.
David Wynn Vaughan Collection.
The Metropolitan Museum of Art, New York.
Courtesy of the Metropolitan Museum of Art.

Now, I’m not one to try and court controversy, but it has occurred to me that the act of war is just good business (for the winners anyway).

Let’s take war crimes, death tolls, injuries, post-traumatic stress, and dubious reasons for inciting wars out of the equation for a moment. Instead, look at the opening up of jobs in the military forces. This means that unemployment figures go down, levels of education go up (excellent military and civilian training is provided in all manner of subjects), nationwide happiness is on the up (again, primarily for the winning side), and if we stick to the “to the victor the spoils” philosophy (as a certain nation has recently tried to do with Middle-Eastern oil resources), then wealth can also be a by-product of a successful war campaign.

Buddhismus zwischen Trend und Tradition

„Wenn der Eisenvogel fliegt und die Reitpferde auf Rädern rollen, wird der Mann aus dem Schneeland seine Heimat verlassen müssen und die buddhistische Lehre wird die Länder des rotwangigen Mannes erreichen." Mit dieser verblüffend realitätsnahen Prophezeiung sagte einer der Begründer des Buddhismus, der Mönch Padmasambhava, bereits vor über 1200 Jahren den Erfolgskurs des buddhistischen Glaubens in Richtung Westen voraus. Ob er damals bereits ahnte, in welcher Form die spirituellen Weisheiten hierorts praktiziert werden würden, ist jedoch fraglich. Eines ist jedenfalls sicher: Der Buddhismus liegt bei uns mittlerweile voll im Trend. Die einen dekorieren mithilfe von exotischem Massivholz-Interieur und diversen Accessoires aus dem Asiashop die eigenen vier Wände zum privaten Shangri-La um. Die anderen nehmen stattdessen an mehrtägigen Zen-Meditationsseminaren teil, um so dem höchstpersönlichen Chaos aus Luxusproblemen und Sinnkrisen zu entfliehen. Und wieder andere suchen ihre innere Mitte beim wöchentlichen Philosophie-Kränzchen mit Räucherstäbchen-Aroma in der Buddhismus-Schule ihres Vertrauens.

Shaka, der Historische Buddha. Japan (12. Jhd.).
Museum of Fine Arts, Boston.

Nicht zuletzt seitdem Hollywood die buddhistischen Lehren als leinwandtaugliches Inszenierungsobjekt für sich entdeckt hat und sich darüber hinaus auch abseits der Produktionsstätten international anerkannte Filmstars der fernöstlichen Religion verschrieben haben, gilt der Buddhismus als das Allheilmittel schlechthin für diverse seelische Unstimmigkeiten und psychosomatische Wehwehchen der New-Age-Generation.

Thank You Hiram Bingham

The life of Marc Chagall was not an easy one. Nor was it uneventful. It was however, filled with enough drama to delight even the most seasoned and skeptical of Hollywood producers. He perceived the events of World War 1 from afar, saw the hopes and disappointments of the Russian Revolution, barely escaped the onslaught of World War 2, was revered for his artistic prowess, admired by Picasso, and left behind a rich artistic legacy.



The Fiddler, 1912-1913.
Oil on canvas, 184 x 148.5 cm.
The Royal Collection, The Hague.

In effect, Chagall’s life and success was the result of many fortuitous encounters… the first one primarily being the encounter with art at school, which led to his illustrious career path. A meeting later in life would prove to be truly life-changing however. He encountered Hiram Bingham IV when he was living in France, who was able to procure for him an American visa so that he and his family could flee Vichy France, and near-certain deportment to a concentration camp.

So, the art world, and in fact, society in general, has a lot to thank Hiram Bingham IV for. Not only was he responsible for guaranteeing that the life and remaining works of Chagall would be preserved, but he also helped to save the lives of over 2,500 Jewish refugees by ensuring they received visas (against official government policy of the time) to the United States out of Vichy France.

The events of World War 2 were to haunt the artist, as his later paintings show. Themes of war and the crucifixion play across several of his post-war works, giving a voice to those who were silenced. We can go so far as to say that whilst Chagall was the one who directly painted the Paris Opera House ceiling, designed the stained glass windows for the Metz Cathedral, and produced countless stunning artworks, Hiram Bingham IV was the one who made it possible.



The Circus Horse, 1964.
Oil on canvas, 49.4 x 61.8 cm.
Private collection.

So whilst we are grateful to Bingham for the brave and heroic decisions that he made, let us take a moment to think of the millions who did not have such a lucky escape. And upon seeing the works done by Chagall, take a moment to think about the masterpieces of art, concertos, ballets, theatre, etc. which the world will never see. In celebrating Chagall, we remember.

The Musée de Luxembourg, in Paris, will soon be hosting an exhibition dedicated to the works of Marc Chagall, looking especially at the relationship between war and peace within his art. The exhibition, Chagall entre Guerre et Paix will be held between the 21^st February and the 21^st July 2013. Otherwise, be sure to peruse a copy of Sylvie Forrestier’s Chagall.

“Death and Taxes”

Death:  one of life’s greatest mysteries, and therefore one of people’s greatest fears.

Whilst many peoples and civilisations turn to religion and faith to answer the question of the meaning of life, and the purpose of death, and whether or not life after death exists, the prospect of the actual process of dying causes fear and trepidation.

Although we cannot know for sure what the exact experience of death holds for us, many people do take comfort in the knowledge that heaven, or an afterlife, awaits them.  Why, therefore, is the prospect of death such a scary one?


Rembrandt
The Anatomy Lesson of Dr. Nicolaes Tulp, 1632.
Oil on canvas, 169.5 x 216.5 cm.
Mauritshuis, The Hague.

Perhaps it is the fear of leaving the known, of leaving people behind, or the fear of pain in passing.  Whatever it is, one thing is certain: death is one thing we cannot escape.  As Brad Pitt discovered, in his extremely good turn as Joe Black in Meet Joe Black (a straightforward title if ever there was one), the only two things certain in this life are death and taxes.

Unfortunately, the probability that death will greet us in the form of Brad Pitt is extremely remote (I’m not giving up hope though....), so let us turn away from Hollywood’s interpretation of death, and take a peek at how past celebrities interpreted it.

Being an art blog, these celebrities will of course be artists such as Rembrandt and, perhaps surprisingly, Monet.  Both of these artists painted death, or dying, as a means of trying to understand what it meant.

Rembrandt painted his famous Anatomy Lesson as a means to pay homage to both the doctor (Nicolaes Tulp), as well as to the science of dissection.  Death had become a teaching tool, allowing others to learn from the bodies left behind.


Claude Monet
Camille on Her Deathbed, 1879.
Oil on canvas, 90 x 68 cm.
Musée d’Orsay, Paris.

However, Monet’s interpretation of death is a lot less clinical, and we can really feel the depth of emotion that the artist is putting into his work.  Camille on Her Deathbed is a painting of his wife – and it is as if he is trying to come to terms with her passing, and trying to understand why she has left him.  It is this emotion which resonates through the ages, and is something which I think everybody can identify with.

Ultimately, I think death is something not to be feared, but when life is cut short it is the hardest for those that are left behind.  But as we mourn the loss of our friends, loved ones, life-long companions, let us also celebrate the time that we have been able to share together, and be thankful for the privilege of being able to know them.  And finally, let us not forget, but keep their memories alive with us.

To discover how the mystery of death has been portrayed over the years, the Wellcome Collection, London, is the perfect place to start.  Death: A Self-Portrait is the exhibition which is getting everybody talking, so why not find out for yourself what all the fuss is about? On display until the 24^th February 2013, this is one collection that you do not want to miss!  If you would like to discover more about how the masters treated the subject of death and the afterlife, look no further than Art of the Devil by Arturo Graf.  Alternatively, to discover what Rembrandt was all about, check out Harmensz van Rijn Rembrandt by Emile Michel.

We're all living in America, America is wunderbar…

Amerika galt lange Zeit als das Land,in dem Träume wahr werden. Doch ist das heute noch genauso? Wofür stehen die Vereinigten Staaten von Amerika heute? Was verbinden wir mit Amerika?

„We're all living in America, Coca-Cola, Wonderbra, We're all living in America“ lautet der Refrain des von der deutschen Rockband Rammstein 2004 herausgebrachtenSongs Amerika. An anderer Stelle wird der Refrain durch „Coca-Cola, sometimes WAR, We're all living in America, America is wunderbar“ variiert. Im Songtext heißt es dann: „Lasst euch ein wenig kontrollieren, [...] Musik kommt aus dem Weißen Haus, [...], und wer nicht tanzen will am Schluss, weiß noch nicht, dass er tanzen muss!“.

Es sind sowohl die banalen Dinge wie Coca-Cola als der Exportschlager aus den USA und der durch die Traumfabrik Hollywoods und den Playboy geförderte Schönheitswahn symbolisierende Wonderbra,als auch tiefgründige Aspekte wie Krieg, Macht undKontrolle, die wir heute in unserem kollektiven Gedächtnis mit Amerika verbinden. Natürlich reicht das nicht, um dem drittgrößten Staat der Welt, der der Bevölkerung nach nur durch China und Indien und der geografischen Ausdehnung nach nur von Russland und Kanada überboten wird, ein Gesicht zu verleihen.

Trotz der riesigen Fläche und der Zergliederung in 50 Bundesstaaten gibt es dennoch etwas, das überall gleich ist und das man überall in den USA wiederfindet – auf den Häuserdächern, in den Gärten, auf Trucks, T-Shirts, Basecaps und Bettwäsche– die Stars and Stripes sind überall. Besser als viele Worte schafft die Flagge Einheitlichkeit, ein nationales Bewusstsein unddas Gefühl der Zusammengehörigkeit und erzählt darüber hinaus etwas über die amerikanische Geschichte: Die sieben roten und sechs weißen Streifen symbolisieren die 13 Gründungsstaaten, die 50 weißen Sterne auf dem blauen, rechteckigen Untergrund in der linken oberen Flaggenecke stehen für die 50 Bundesstaaten der United States of America. Auch die Farben sind nicht zufällig gewählt, sondern symbolisieren unterschiedliche gesellschaftliche Werte: das Weiß steht für Reinheit und Unschuld, das Rot für Tapferkeit und Widerstandsfähigkeit und das Blau für Wachsamkeit, Ausdauer und Gerechtigkeit. Für den Umgang mit der Flagge, das Hissen, Abnehmen und Vernichten beschädigter Flaggen gibt es im United States Code ein spezielles Flaggengesetz. Der 14. Juni wurde zum Flag Day erklärt.


Jasper Johns, Flag, 1954-55.
Öl und Wachs auf Collage auf Stoff auf drei Sperrholztafeln, 107,3 x 153,8 cm.
The Museum of Modern Art, New York.

Die Flagge und die amerikanische Landkarte sind typische Motive, die man mit dem 1930 in Georgia geborenen Künstler Jasper Johns verbindet. In seinem um 1954 entstandenen Meisterwerk Flag, das sich heute imMuseum of Modern Art in New York befindet, ist die Flagge bereits von Weitem als solche erkennbar.Erst bei näherer Betrachtung wird die darunterliegende Basis erkennbar: ein Zusammenschnitt aus Zeitungsüberschriften, Textausschnitten und Pressefotos. Auf diese Collage trug Johns durch eine Kombination aus Ölfarbe und flüssigem Wachs die Flagge auf. Auch hier wird diese zu einem Bindeglied, indem sie die zusammengeklebten Geschichten und Bilder zusammenfassend überlagert und sie so als nationale Geschehnisse darstellt.

Auf welche Weise Künstler in ihren Arbeiten, bewusst oder unbewusst, offensichtliche oder auch versteckte Stellungnahmen zu ihrem Heimatland, dessen Bevölkerung, den politischen oder gesellschaftlichen Zielen und dem Selbstverständnis des Landes verarbeiten, wird in der aktuellen Ausstellung „...as apple pie“ imThe Whitney Museum of American Artin New York seit Anfang Juni gezeigt. In einer rotierenden Installation werden Werke verschiedener amerikanischer Künstler ausgestellt. Die Flagge ist dabei nicht nur bei Jasper Johns ein wiederkehrendes Motiv, das die Exponate mit einem roten Faden unter vielen weiteren zu einem Knäuel nationaler Bezüge verknüpft. Eine spannende Entdeckungsreise und weitere Informationen über den Künstler und dessen Kunst sowie zahlreiche hochwertige Abbildungenenthält das im Parkstone-Verlag erschienene E-BookJasper Johns.

-C. Schmidt