Feline Inspiration

Cats. Like Marmite, Kanye West and reality TV they tend to polarise opinions. To detractors they're cold, calculating, sinister beings who use humans for food and attention. To cat lovers, the very traits that irk the haters – their cool countenance, air of superiority and unwillingness to be stroked if not in the mood – are all signs of character, which opposes the dogged subservience of their canine rivals (to the cat lover, dogs are just a little too...eager to please).

Paul Klee, Cat and Bird, 1928
Oil and ink on gessoed canvas, mounted on wood, 38.1 x 53.2 cm
Museum of Modern Art, New York

And perhaps this is why so many artists seem to be in league with moggies (especially 20th Century artists for some reason). You only need type in artists and their cats into Google and you'll be greeted by a slew of pictures of the most influential artists of the last century positively cooing over their cats - Picasso, Klee, Dali, Matisse...the list goes on. Perhaps these visionaries found a spiritual alignment with the feline aloofness, which mirrored their artistic detachment from the world; or perhaps cats represent an air of refinement so necessary to the development of some of the defining art movements of the 20th century. If Picasso, for instance, had looked to a dog for approval of one of his paintings, he'd have been greeted with a tail-wag at the earliest instance and perhaps stopped there... a cat on the other hand would turn its nose up at even the most incredible, awe-inspiring, mind-blowing painting, inspiring the artist to strive further, bigger, better, and before he and the world knew it, the inspiration for both the cubist and modern art movement Les Demoiselles d'Avignon was created... all because of the scorn of his pet cat (although this may not be proved, it certainly can't be disproved, which is good enough for me).

Left: Picasso’s nonplussed cat averts his gaze from the camera
Right: Could Picasso’s masterpiece and disputed inspiration for the Cubist and Modern Art movements itself have been inspired by a cat?
Les Demoiselles d’Avignon.
Oil on Canvas (244 x 234 cm).
Museum of Modern Art, New York

And then of course there's the Egyptians. Can you imagine the Pharaohs (and their thousands of slaves of course) going to all the effort of hauling tonne upon tonne of rock on top of each other (without a single crane in sight), and then carving said rock with their bare hands, to create a stone monument of a woman's head perched atop the body of a bugle or a sausage dog (' just doesn't work, does it?) And that's not to mention the scores of statues, carvings and engravings dedicated to them. Cats back then weren't just revered, they were worshipped.

Cat with Kittens (detail).
Reportedly from Saqqara, Egypt. Late Period to Ptolemaic Period, Dynasty 26 or later, circa 664–30 B.C.E.
Bronze, solid-cast and wood, 6.1 x 8.8 x 5 cm.
Brooklyn Museum, Charles Edwin Wilbour Fund, 37.406E

For proof of the Egyptians’ love for cats the Brooklyn Museum has a permanent exhibition of carvings and statues called Divine Felines: Cats of Ancient Egypt; cat lovers in the area can show their allegiance by stopping by. For all you non-Brooklynites, you can side with fellow feline fans by picking up a copy of any of the following ebooks: Picasso; Klee; Klimt; Dali; Bonnard.

Do not judge a building by its façade.

Public housing has a rather negative image – initially associated with slums and poverty, these areas were (and still generally are) avoided by middle to upper income citizens. Whether in fear of catching starvation, encountering violence, or simply being disturbed to see how the other half really lives, public housing venues are the last place you would find the “well-to-do”.

Le Corbusier, Shondan House, 1956.
Ahmedabad, Gujarat, India.

However, this sort of housing can actually be quite nice, and some countries are incorporating it into their city schemes for the entire population, not just the poor, huddled masses.

Rad fads & turbulent times

We might all be able to agree that most of the world is a mess. The Americas and Europe have taken a ginormous step back in terms of production, innovation, and general flourishing. Many of our nations and states are in obscene debt which appears to be stagnant or rising and there is no end in sight.

Sir Peter Blake, Children Reading Comics, 1954.
Oil on hardboard, 36.9 x 47.1 cm.
Tullie House Museum and Art Gallery, Carlisle (Cumbria).

So then, what should be next? Vampires and Zombies aren’t getting us anywhere

I’m not crazy; my mother had me tested.

Arguably, most forms of art worth lengthy discussion have a bit of madness behind them, whether it is a painting, film, or novel. Personally, I find that my creative work suffers a bit when everything in my life feels completely balanced. Think about the mental states of various actors, painters, and authors. Off of the top of my head, I can come up with Tilda Swinson, Tom Cruise, Charlie Sheen, Hemingway, Tolstoy, Poe, Wolfe, Caravaggio, (cough) Hitler… I could list tons and tons, but I’d much rather hear from you.

Gustave Courbet, The Desperate Man, 1843-1845.
Oil on canvas, 45 x 54 cm.
Private collection.

But madness is rather subjective, isn’t it?

Paisajes antiguos y modernos

Hay dos tipos de personas, a las que les gustan los retratos y a las que les gustan los paisajes. Personalmente soy una de las personas de paisaje, en mi cámara de fotos raramente encontrarás un primer plano de una persona, y desde luego, ni una foto mía (no es que piense que las fotos roban el alma, pero casi).

Runge (sí, el de la esfera) dijo que «todo conduce necesariamente al paisaje» y no puedo estar más de acuerdo. Absolutamente todo lo que vemos es, o contiene, un paisaje, aunque a veces nos neguemos a reconocerlo con la excusa de que «no es naturaleza». Es tan importante que hasta la UNESCO recomienda su protección (cosa que no tardaremos en agradecer, viendo el camino que llevamos).

J.M.W.Turner, El valle de Ashburnham, 1816.
Acuarela sobre papel, 38 x 56,4 cm.
The British Museum, Londres.

Apadrina un Dalí

Dalí es el hombre de las mil caras, de la extravagancia como estandarte, de la controversia como modelo de vida, de la teatralidad como forma de promoción, del enfrentamiento con sus contemporáneos, de los exabruptos calculados, del culto al dinero por encima de todo y también,  afortunadamente, del surrealismo llevado al extremo. ¡Viva Dalí, muerte al pan!

Son muchos los textos que se han escrito sobre su persona y su estilo de vida, seguramente más en vida de él que después de su fallecimiento, aunque en verdad basta con acercarse a las conjugadas frases que nos dejó para tratar de entender su histriónico carácter. Ya a la temprana edad de 16 años escribió en su confitado diario: «seré un genio, y el mundo me admirará». Con esta declaración de intenciones es fácil comprender la fuerte voluntad de que hizo gala a lo largo de su carrera para ser tomado por un loco en un mundo que se caracterizaba de más en más por su inestabilidad. Y hablando de Gala, a quien amaba más que a las butifarras, uno de los argumentos que tuvieron más peso en las fuertes críticas que recibió de sus compañeros de movimiento estaba relacionado con la adoración biológica que sentía por el dinero,  no por menos, este fue el desencadenante de su expulsión del grupo liderado por André Breton, tras un juicio popular al que se presentó vestido de gala con una manta y un termómetro; sin embargo, Dalí tenía a gala presumir de esta afición desmesurada por el que otros consideraban vil metal, renegó del grupo que después le consideró su santo patrón y afirmó con galanía: «Amo a Gala más que a mi madre, más que a mi padre, más que a Picasso y más, incluso, que al dinero».

Dalí, Placeres iluminados, 1929. Óleo y collage en tabla. 24 x 35 cm. Musem Of Modern Art. Nueva York

Para poder admirar a este genio en todas sus acepciones y conocerlo por las conmocionantes obras que le lanzaron al estrellato, el Centre Pompidou en París le rinde un jondo homenaje para el que cuenta con algunas de sus mejores y más conocidas pinturas en una exposición sin precedentes que pretende aclarar toda la fuerza de su obra y todo aquello que esta debe a su personalidad, tanto a sus rasgos de genio como a sus excesos. En ella podremos ver de segunda mano, de primera sería imposible, Los relojes blandos, prestado por el MOMA de Nueva York, y otros préstamos de los principales museos de Dalí del mundo: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, la Fundació Dalí de Figueras y el Dalí Museum de San Petersburgo. De esta manera nos podremos evitar unos cuantos viajes y con solo un pequeño desplazamiento a la capital de la barra de pan fina podremos disfrutar de uno de los artistas más populares y que sin duda más supieron hacer uso de la creciente proliferación de la auto publicidad. Habrá que darse prisa porque la exposición termina el 25 de marzo, pero hay tiempo suficiente y, además, el Centre Pompidou ha ampliado sus horarios gracias a la marcial afluencia de gente. No solo se puede asistir incluso los domingos sino que el museo permanece abierto hasta las 23h cada día. Un pequeño consejo, si os decidís a hacer una visita sacad la entrada con antelación pues os evitaréis unas colas miriamétricas, con decenas de miles de Miriams esperando su turno.



Cartel surrealista, 1934. Óleo. Colección privada.

Antes de empezar a preparar las maletas y obligar a tu pareja a que te acompañe, vete calentando motores con cualquiera de estos libros que presentan una extensa y magníficamente ilustrada colección de obras del artista, y con la que además será más fácil convencerla. Salvador Dalí y Dalí a secas, de Victoria Charles, o Life and Masterwoks of Salvador Dalí de Eric Shanes (en inglés). Si ya está de acuerdo, podréis compartir el placer de observar el despliegue de imaginación sin confines del que el maestro siempre fue adalid. Si no tienes pareja y te decides a ir solo, la buena noticia es que todo te saldrá a mitad de precio. Porque, eso sí, la entrada al museo no es gratuita, pero que mejor manera de contribuir al homenaje a Dalí, que colaborar a que la memoria del artista se siga enriqueciendo con aquello que casi más quiso.

Dalí, Centre national d'art et de culture Georges Pompidou, hasta el 25 de marzo de 2013.

Paint the Sky with Van Gogh

On the over-arching subject of Symbolism, I’d have to say I am a fan. Beautiful colours and images which ultimately stand for something much deeper and more heartfelt than what is in front of you; colours and symbols which are meant to touch people around the world and bring them together using one piece of art. When it happens successfully, it’s truly amazing.

Take Vincent Van Gogh’s Starry Night (below), a piece recognised across time and place that enlists a quieting of the mind and moment of inner peace, which ultimately stirs in some of us a recognition of the fact that there may be more than just this life. However, some, namely Boy Meets World’s Cory Matthews, view this painting as an attack, a war over a small town. What do you see? More, how does it make you feel?


Vincent van Gogh, The Starry Night, 1889.
Oil on canvas, 73.7 x 92.1 cm.
Museum of Modern Art, New York.

Many Symbolists found modern cities over-bearing and claustrophobic, taking solace in open and expansive bodies of land, water, and sky. Who could blame them, what is more likely to make you smile from the inside out? Massive buildings, smog, and honking horns? Or tall, green trees swaying in the breeze, running barefoot in uncut grasses, and the sun on your face?

Feeling stuck in a season or landscape? Get yourself over to the National Gallery of Scotland before 14 October 2012 and check out all of the Symbolist landscape artists including Van Gogh. Also bring this ebook along to compare with the passing scenery on the way: Vincent van Gogh.

-Le Lorrain Andrews