Going Dutch

“Going Dutch”: a phrase which is most commonly associated with splitting the bill when going out to dinner.

Personally, I find that this is one of those phrases which we all use, and don’t really think about why we use it. I have merrily used these two simple words for many years – and yet it is only recently that it occurred to me to question where such a notion comes from.

Johan Barthold Jongkind
Windmills in Rotterdam, 1857.
Oil on canvas, 42.5 x 55 cm.
Courtesy of the Rijksmuseum, Amsterdam.

Before I started doing some research into this, I have to admit that I did spend more time than I probably should have trying to puzzle this scenario out. I did, however, cross out the possibility that it originally meant going to eat Edam at a windmill, with a dress code of clogs and pearl earrings.

I’m not crazy; my mother had me tested.

Arguably, most forms of art worth lengthy discussion have a bit of madness behind them, whether it is a painting, film, or novel. Personally, I find that my creative work suffers a bit when everything in my life feels completely balanced. Think about the mental states of various actors, painters, and authors. Off of the top of my head, I can come up with Tilda Swinson, Tom Cruise, Charlie Sheen, Hemingway, Tolstoy, Poe, Wolfe, Caravaggio, (cough) Hitler… I could list tons and tons, but I’d much rather hear from you.

Gustave Courbet, The Desperate Man, 1843-1845.
Oil on canvas, 45 x 54 cm.
Private collection.

But madness is rather subjective, isn’t it?

Una acción discutible

Todo empezó una mañana del 8 de julio de 1853. El comodoro Matthew Calbraith Perry a bordo del USS Susquehanna llegó a las costas de Japón, al puerto de Edo (actual Tokio), con la intención de negociar un tratado comercial con EE.UU. Sus demandas eran la apertura de al menos un puerto al comercio extranjero y la seguridad de que las propiedades y pescadores americanos serían respetados. Al verse opuesto por una negativa amenazó con emplear la muy superior fuerza armamentística de que disponía. Ante semejante disparidad, los gobernantes japoneses no tuvieron otra opción que ceder. El tratado se firmó el 31 de marzo de 1854. Este singular evento tuvo drásticas consecuencias para la sociedad japonesa. Al principio, los shogunes, los daimyos y los samuráis ―comandantes en jefe, grandes lores y guerreros que ostentaban el poder real tras el emperador figurante― se resistieron e intentaron conservar el orden feudal existente. Se sucedieron años de numerosas refriegas hasta que en 1868, el que se conoce como el último samurái, Saigō Takamori, sucumbió a las fuerzas del general Tateki en una dura batalla que frustró todo futuro levantamiento al demostrar la superioridad de las armas modernas frente a la tradición.

Derrotados los samuráis y sus privilegios, comenzó una nueva era, conocida como la Restauración de Meiji. Esta supuso la apertura de Japón a occidente en forma de intercambios comerciales y culturales. Lo que siguió a esta apertura fue que el arte japonés se dio a conocer en Europa, principalmente en forma de impresiones xilográficas de los maestros del ukiyo-e ―nada que ver con electrónico, pues significa «imágenes del mundo flotante»― que pudieron verse por primera vez en la Exposición Universal de Londres en 1862, donde fueron una de las principales atracciones. Posteriormente, en la Exposición Universal de París de 1867, este arte se dio a conocer entre los artistas franceses quienes rápidamente lo absorbieron y se empezaron a servir de sus características para sus nuevas creaciones. Lo que les atraía de este nuevo arte eran sus figuras alargadas, las composiciones asimétricas, la perspectiva aérea, los espacios vacíos excepto por abstracciones de color y línea, y su interés por los singulares motivos decorativos. De esta manera, empezando por los impresionistas y llegando hasta los cubistas, muchos fueron los autores que se apoyaron en estos nuevos elementos para romper con las convenciones academicistas que consideraban opresoras.

 

Claude Monet, Alameda en el río Epte, 1891.
Óleo sobre lienzo, 100 x 65 cm.
Colección privada.

 

Quien no dudó en abrazar este nuevo estilo para conseguir variados efectos en su pintura fue Vincent van Gogh, pues llegó incluso a realizar copias de algunas estampas de Hiroshige con la intención de estudiar a fondo su atrevida temática, sus colores intensos y la elegancia y sencillez de sus seguras líneas. En algunos trabajos posteriores de van Gogh se puede todavía apreciar esta influencia permanente en los contornos negros, el contraste de colores y las composiciones recortadas, características estas propias de los grabados japoneses.

Utagawa Hiroshige es el artista de ukiyo-e más reconocido en Japón y menos reconocido en el mundo occidental. Aunque La gran ola de Kanagawa, de Katsushika Hokusai, es el ejemplo de estampa más repetido y en occidente todos le tienen por el mejor artista, en la lejana isla oriental este desconocimiento del que ellos consideran el gran maestro de la xilografía les hace sonreír. Para subsanarlo, la Pinacoteca de París presentó recientemente una exposición doble, L'art du voyage, en la que confrontaba la obra de de Vincent van Gogh a la de este genial artista, su principal inspiración.  El título de la muestra hace referencia no sólo a los viajes de Hiroshige desde Edo a Kioto, donde produjo una cincuentena de estampas, sino también al viaje interior que propone al observar la naturaleza en sus cuatro estaciones, contemplar el pasar del tiempo y examinar la vida de la ciudad como exceso de sensaciones que esta ofrece al cuerpo. Un lujo que fue descubierto en Europa en el siglo XIX y que ahora añadimos nosotros a nuestra colección.

 

Utagawa Hiroshige, En los predios del santuario Akiba en Ukeji. Ukeji Akiba-no keidai, agosto de 1857.
Grabado en madera y color, 36 x 24 cm.
Museo de Arte de Brooklyn, Nueva York.

 

Pocas veces una expedición con intenciones tan mundanas y egoístas resultó en un beneficio tan extenso y renovador. Si no hubiera sido por el comodoro Calbraith, o más bien por el afán expansionista estadounidense, no sabemos cuándo hubiéramos tardado en poder disfrutar de este lindo hallazgo que sirvió a tantos artistas para renovar el orden pictórico establecido. Por una vez, agradezcamos las buenas consecuencias de una discutible acción que no hizo, nada más y menos, sino abrir las puertas a la modernidad.

En Parkstone tenemos los libros de Mikhail Uspensky y Edmond de Goncourt, Hiroshige y Ukiyo-e (en francés) respectivamente, que te servirán de iniciación para este viaje de fantasía y tradición que nos proponía la Pinacoteca de París. 

Art from the Land of the Rising Sun

Japan, in comparison with many other countries, is rather small, though it ranks tenth amongst the world’s highest populations. More fascinatingly, it has one of the richest and most eclectic art histories to speak of when considering it on its own. Yes, various countries in Europe do this or that, and Africa has a slew of artistic variety, but we’re just talking one country – 6852 islands, if you really want to talk about how amazing Japan’s universally-acknowledged solidarity is.



Utagawa (Ando) Hiroshige, Inside Kameido Tenjin Shrine, 1856.
Woodblock print, 34.1 x 22.2 cm.

Continuously infiltrated by other powers (China, Russia, Germany’s money, and the United States), art in Japan has successfully maintained a focused and healthy presence in the art world since the seventh century – which is not to say there aren’t older relics, but Buddhist art was the first to make an impact. From woodblock prints to Ukiyo-e, and calligraphy to shungas, at the end of the day I would argue that Japan had a larger influence on European art than the other way around. Just a few examples of this hypothesis include Degas, Van Gogh, Monet, and Mucha.



Katsushika Hokusai, The Great Wave of Kanagawa, originally 1826-1833.
Part of the series Thirty-six Views of Mount Fuji, no. 21.
Colour woodblock print.

Get over to the Tokyo National Museum to get a glance at the Highlights of Japanese Arts exhibition. Find yourself enthralled with mirrors, picture scrolls, and military attire. Can’t get enough art from The Land of the Rising Sun? Check out Hiroshige by Mikhail Uspensky or Forbidden Asia by Hans Jürgen-Döpp.

-Le Lorrain Andrews

Van Gogh - délit de copie japonaise

Non Van Gogh n’est jamais allée au Japon, même si les plaisirs asiatiques (opium et autres geishas), auraient certainement convenu à sa nature artistique. On connaît bien sûr les épisodes scandaleux de sa vie : sa mélancolie/folie, son oreille coupée, son alcoolisme, son errance à la recherche d’un havre de paix. On sait moins spontanément qu’il a trouvé une source d’inspiration formidable dans les estampes japonaises qui arrivent en Europe avec les expositions internationales. Après les impressionnistes, le japonisme a engendré une seconde mini-révolution artistique en France.

Quelle ironie : l’Asie est aujourd’hui accusée de plagiats, de copies et de produire de nombreux faux. À l’époque au contraire ce sont les Européens qui s’inspirèrent un peu trop librement de l’art japonais, n’hésitant pas parfois à recopier sans vergogne des tableaux entiers. Van Gogh ne s’en est pas privé, comme le prouve l’exemple ci-dessous. Simplicité et pureté asiatique face à la complexité et au bouillonement de Van Gogh.


Hiroshige, Le Jardin de pruniers à Kameido, extrait de Cent-une vues célèbres d‘Edo, 1857.
33,7 x 21,9 cm.
The Brooklyn Museum, Brooklyn.

Vincent van Gogh, Japonaiserie : pruniers en fleurs (d’après Hiroshige), 1887.
Huile sur toile, 55 x 46 cm.
Musée Van Gogh, Amsterdam.

Le côté asymétrique, la couleur en aplats, les vues construites selon des angles complètement tordus, cela ne pouvait que plaire à l’artiste torturé et en quête de renouveau. Cependant il faut admettre que les copies européennes comportaient un petit plus : de la vigueur, de la chaleur, des paysages qui paraissent en feu, beaucoup plus mouvant. Quelque chose de moins figé et de plus torturé, allant au-delà des conventions japonaises et de leurs douces couleurs pastels.


Vincent van Gogh, Vignes rouges en Arles, 1888.
Huile sur toile, 75 x 93 cm.
Musée Pouchkine, Moscou.

Pour choisir et décider vers qui se porte votre préférence entre le champion japonais et le maître impressionniste, vous pouvez vous déplacer à l’exposition de la Pinacothèque de Paris, ou simplement consulter ces livres sur Hiroshige et Van Gogh.

A Love-Letter to the Land of the Rising Sun

For those of us who have never been to Japan, we can only picture the beautiful vista of the Land of the Rising Sun with the help of popular films such as Memoirs of a Geisha, Babel, The Fast and the Furious: Tokyo Drift, Lost in Translation, and The Last Samurai.

For me, it was Memoirs of a Geisha which truly began my love affair with Japan.  (Although, Tom Cruise did give it his best effort!)  A hauntingly beautiful story, love, betrayal, hope, the mystery of the Orient: despite the controversy of a Chinese actress portraying a Japanese geisha, I personally feel that Zhang Ziyi was perfectly cast.  To top all of this off, the viewer is treated to a beautiful love letter to the country of Japan, in the form of stunning cinematography.  Truly, this is the film that inspires my desire to travel to Japan.


Scarlet Maple Trees at Mama by the Tekona-no yashiro Shrine and the Tsugihashi Bridge,
Mama-no momiji Tekona-no yachting Tsugihashi (1/1857)

However, as I was researching around the topic of travel in Japan, I discovered that the world’s love affair with this country is not a recent phenomenon.  In an earlier blog, I mentioned that Van Gogh, in the 1880s, discovered the Japanese ukiyo-e wood block prints, which he soon began to collect and reproduce for his own paintings.


The “Opening of the Mountain” at the Fukagawa Hachiman Shrine,
Fukagawa Hachiman yamabiraki (8/1857)

Let us look for a moment at the artist who inspired these paintings: Utagawa Hiroshige.  The original poster-boy (literally) for Japanese tourism, his paintings showcase the travels which he undertook across Japan.  Filled with detail, delicate brushstrokes, and occasionally a dash of humour, these paintings are what advertisements for travel agencies (ahem, Thomas Cook) should aspire to be like.  Hiroshige’s love for his homeland is evident and, what’s more, he has mastered the ability to stir the same passions in non-natives.  This is the characteristic which is shared by Rob Marshall, Zhang Ziyi, Michelle Yeoh, and Ken Watanabe (amongst the rest of the cast and crew of Memoirs) who gave us the live-action version of Hiroshige’s homage to his homeland.

So, watch this space... I may yet be embarking on my own pilgrimage to Japan, all thanks to Memoirs of a Geisha and the stunning artwork of Hiroshige!


The Taikobashi Bridge and Yuhinooka Hill in Meguro,
Meguro Taikobashi Yuhinooka (4/1857)

For those of you, like me, who may find Japan just a trifle too far for a day-trip; why not peruse the works of Hiroshige in the Pinacothèque de Paris?  The exhibition Hiroshige, the Art of Travel is running until the 17^th March 2013, so there is plenty of time to enjoy Paris in the springtime (or before), and take in a bit of Japanese culture at the same time!  Otherwise, curl up with a good book:  Hiroshige, by Mikhail Uspensky to be precise!  Or, if you would simply like to know more about the art of ukiyo-e and would like to broaden your horizons, try out Hokusai by Edmond de Goncourt.

Lessons to be Learnt from The Wizard of Oz and Matisse

Imagine you’re Dorothy.  You have just escaped Auntie Em and a life of rusticated farm-life.  You step out of your house, and no more black-and-white, but BOOM!  It’s a colour explosion, where you are literally on the other side of the rainbow.  And never mind those Munchkins...

 
What would you think, honestly?  That you are in some strange kind of fever-dream?  Or that you have accidentally ingested a potent hallucinogenic (let’s forget for the moment that Dorothy probably doesn’t know what that is)?  Or, simply, that you’ve just gone crazy?

 


Henri Matisse. 1869–1954, Portrait of Lydia Delectorskaya, 1947. Oil on canvas, 64.5 x 49.5 cm. The State Hermitage Museum, Saint-Petersburg.

 

I think it fair enough to say that these feelings may be eerily similar to those experienced by Matisse and co. upon their first discoveries of the Impressionists, and the likes of van Gogh and John Peter Russell.  Whilst initially taken aback by the liberal use of colour and the breaking of the rules in their painting, Matisse, Munch, and the Fauves (which literally means “The Wild Ones”), went even further.  They broke into abstraction, broke the subject down and simplified it, and colour: bold, unadulterated colour was the basis of all their work.

 
Do you think that if Dorothy knew what lay in wait for her on the other side of the rainbow that she would have been as eager to go? Unlike Dorothy, as the Fauves opened up a bright, shiny, new Technicolour world with their artwork, it is impossible for us to go back.  The age of suppressed and reserved art, the era of black-and-white, has gone.  The question is, do we behave like the Scarecrow and the Tin-Man, ready to face this new and exciting world (albeit one tinged with a few flying monkeys), or do we cower like the Cowardly Lion?  I leave it to you to decide... Remember, there’s no place like home but it’s up to you how you decorate it!

 


Henri Matisse, The Dance, 1909-1910. Oil on canvas, 260 x 391 cm. The State Hermitage Museum, Saint-Petersburg.

 

The Museum Folkwang in Germany is giving visitors a chance to step into their very own version of Oz, with the help of the Fauves and the Expressionists.  I promise that you will not encounter a single Wicked Witch of the West...and no, mother-in-laws do not count.  The Ecstasy of Colour exhibition is ongoing until the 13^th January 2013, so if you are in the area, make sure to pencil it into your diary!  If you can’t quite make it before January, not to worry.  You’ll be able to catch up with Parkstone International’s very own Munch, by Elizabeth Ingles, or Expressionism, written by Ashley Bassie.

Más allá de la oreja de van Gogh

En el mundo en que vivimos, el cotilleo anda a la orden del día. Si es sobre alguien famoso, mejor. Y si es algo malo o políticamente incorrecto que dicho famoso haya hecho o dicho, tienes la seguridad de que cientos de miles de personas pagarán por saberlo. Y eso no ocurre sólo en los «corrillos» (donde, seamos sinceros, el nivel intelectual es muchas veces inferior a la media de la audiencia de HMYV*), sino a niveles artísticos, donde un desliz del pintor/cineasta/músico/... puede provocar el ostracismo de un talentoso individuo.

¿Qué hubiera pasado si, llevados por juicios morales, hubieramos decidido que Quevedo no era digno de atención? Pudo ser un misántropo y un misógino, pero eso no quita para que sus sonetos amorosos sean los mejores escritos en lengua castellana (con permiso de Garcilaso). ¿O si hubiéramos desatendido el Impresionismo por la «laxa moral» de algunos de sus protagonistas? En mi humilde opinión, el Arte debe ser mirado con ojos artísticos, no centrándonos en quién está detrás. Eso son asuntos humanos y lo juzgan tribunales humanos.

 


Retrato de Père Tanguy, 1887.
Óleo sobre lienzo, 92 x 75.
Musée Rodin, París.

 

Y todo esto, ¿a santo de qué?, os preguntaréis. Pues viene a que, por fin, alguien se ha animado a montar una exposición sobre van Gogh mirando más allá del personaje (ese loco que se cortó una oreja y terminó suicidándose con un disparo en el pecho), que si bien ha creado un mito que ha favorecido su celebridad, también ha oscurecido en parte el valor artístico de sus obras (para el público en general, no para los especialistas). Y es que, el bueno de Vincent, era un apasionado del Ukiyo-e, tanto así que coleccionó cientos de ellos y creó un taller en el que se dedicaba a su copia.

 


Japonesería: Ciruelo en flor, 1887.
Óleo sobre lienzo, 55 x 46 cm.
Van Gogh Museum, Ámsterdam.

 


La cortesana, 1887.
Óleo sobre lienzo, 105,5 cm × 60,5 cm.
Van Gogh Museum, Ámsterdam.

 

Acercaos a la Pinacothèque de Paris para disfrutar de esta comparativa entre van Gogh y su admirado Hiroshige en la exposición «Van Gogh et le Japonisme» (enlace en inglés) que se podrá visitar hasta el 17 de marzo de 2013. Si París no es lo tuyo, pero quieres conocer más el van Gogh «artista» de lo que ya conoces el van Gogh «persona», hazte con este ebook firmado por Victoria Charles.

*Hombres, mujeres y viceversa.

 

 

 

Seelisches Fernweh – Van Gogh und der Japonismus

Es ist kein Geheimnis, dass Vincent van Gogh (1853-1890) nicht in der besten psychischen Verfassung war, jahrelang führte er einen inneren Kampf gegen sich selbst, litt unter Depressionen und Wahnvorstellungen und wurde in eine Nervenheilanstalt eingewiesen. In diesen Zeiten der Qual und teilweise nahe dem Wahnsinn, schuf er einige seiner größten Meisterwerke. Höchst verwunderlich ist darüber hinaus, dass er sich in den 1890er Jahren ausgerechnet einen Künstler zum Vorbild nahm, der gegenteiliger nicht hätte sein können: der im heutigen Tokio geborene gelernte Holzschnittkünstler Utagawa Hiroshige (1797-1858), dessen Kunst wie die traditionelle japanische Kunst im Allgemeinen auf Ruhe, Stärke und inneren Frieden basieren. War van Goghs Faszination für die japanische Kunst vielleicht gleichzeitig ein Versuch, sich selbst zu heilen?

Fest steht, dass van Goghs aufkeimendes Interesse an Hiroshiges Arbeiten zeitlich mit einem schweren Schicksalsschlag zusammen fällt: Obwohl das Verhältnis zwischen ihm und seinem Vater nicht immer einfach gewesen sein soll, traf es den Künstler doch sehr, als sein Vater im Frühjahr 1885 nach einem Schlaganfall starb. Vermutlich hat er im selben Jahr Arbeiten Hiroshiges bei einem Besuch des Rijksmuseums in Amsterdam studiert.


Hiroshige, Plum Estate, Kameido; aus Einhundert berühmte Ansichten von Edo, 1857.
33,7 x 21,9 cm.
The Brooklyn Museum, Brooklyn.


Vincent van Gogh, Japonaiserie: Blühender Pflaumenbaum (nach Hiroshige), 1887.
Öl auf Leinwand, 55 x 46 cm.
Van Gogh Museum, Amsterdam.

Hiroshige erlernte während seiner Lehrzeit bei Utagawa Toyohiro (1773-1828) die Grundtechniken der traditionellen japanischen Malerei und Druckgrafik. Die Ausbildung beschränkte sich zunächst auf das Nachzeichnen der Arbeiten seines Lehrers und anderer bekannter Holzschnittmeister. Als Hiroshige jedoch nach dem Tod von Utagawa Toyohiro seine Reise zum kaiserlichen Palast in zahlreichen Zeichnungen festhält, nach denen er in den Jahren 1833 und 1834 seine Farbholzschnittsammlung 53 Stationen des Tokaido anfertigte, revolutionierte er den japanischen Holzschnitt: Zum ersten Mal waren das alltägliche Leben, die geschäftigen Straßen und das einfache Volk dargestellt und zum künstlerischen Bildmotiv erhoben.

Ähnlich wie Hiroshige eignete sich van Gogh die Grundlagen des japanischen Stils durch Uki-e, das heißt durch Nachzeichnen seines Vorbildes an. Während er zunächst einzelne Arbeiten und Motive Hiroshiges kopierte, lässt sich der Einfluss nach 1887 in nahezu allen seinen Arbeiten nachweisen.


Vincent van Gogh, Der rote Weingarten in Arles, 1888.
Öl auf Leinwand, 75 x 93 cm.
The Pushkin State Museum of Fine Arts, Moskau.

Wie sehr Hiroshige van Goghs Kunst beeinflusst hat, können Sie am Besten beim direkten Vergleich der Arbeiten beider Künstler entdecken. Hierzu bietet sich bis zum 17. März 2013 der Besuch der Pinacothèque de Paris an: Unter dem Titel Van Gogh et le Japonisme werden dort zum Einen 40 Werke van Goghs präsentiert, zum Anderen gibt es eine zeitgleich stattfindende Ausstellung zu Hiroshige.

Den Einfluss Hiroshigos auf van Gogh können Sie aber auch sehr gut mit den im Verlag Parkstone International erschienenen Titeln van Gogh und Hiroshige: a hundred views of Edo von zu Hause aus entdecken.

http://www.pinacotheque.com/?id=801

 

-C.Schmidt

Modernisme européen versus modernisme mondial

La collection Sonderbund, créée par plusieurs galeries allemandes, rassemblait au début du xx^e siècle 577 peintures des artistes de la scène moderne. Elle a exposé les artistes les plus novateurs, ce qui était inédit et osé en 1912. Le Wallraf-Richartz Museum a décidé de rassembler cette collection pour raviver l’esprit moderne du monde artistique de l’époque. Seule une centaine d’œuvres a pu être regroupée car certaines d’entre elles sont devenues inestimables et il est difficile de les déloger de leur lieu de conservation. Van Gogh côtoyait Munch, Cézanne et les membres expressionnistes allemands du Blaue Reiter.


Vincent van Gogh, L'Arlésienne, 1888.
Huile sur toile, 92,5 x 73,5 cm.
Musée d’Orsay, Paris.

Pourrait-on aujourd’hui réaliser une exposition regroupant tous les artistes les plus avant-gardistes ? Certainement pas en Europe où la lourdeur des institutions culturelles et du marché de l’art freinerait toute tentative. Je dirai plutôt en Asie, où la sphère artistique est encore jeune et en pleine expansion. Les artistes chinois voient leur cote s’envoler et la Chine est devenue en quelques années à peine le premier marché mondial de l’art.

L’idée serait peut-être de rapprocher les créations asiatiques de celles des autres continents, créant une exposition à échelle mondiale et non plus européenne. Les frontières artistiques se sont définitivement déplacées. Le visiteur pourrait admirer Philippe Starck, Jeff Koons, Damien Hirst, Takashi Murakami et Yan Pei-Ming.


Les 108 Brigands, 1994-1995.
Ensemble de 120 peintures, huile sur toile, 130 x 97 cm (chacune).
Collection FNAC, Paris.

Pour vous replonger dans le modernisme et la provocation du siècle dernier, vous pouvez visiter la reconstitution de la première exposition à Cologne, ou consulter des titres comme Cézanne, Gauguin, Kirchner, Munch, Picasso, Schiele et Van Gogh.

Hace cien años

Aunque a veces nos encontremos con alguna que otra lechuga vestida de frac, los seres humanos somos seres vivos, es decir, nacemos, crecemos, nos reproducimos y morimos, según nos enseñan entre suma y suma. Así, el ciclo vital de una persona, de cada uno de nosotros, se cumple desde el nacimiento hasta la muerte; no obstante, si algo nos caracteriza con respecto a otros seres vivientes es que, además de la memoria genética (y quizá la transferencia de información cultural de la memética), compartimos una memoria histórica colectiva que nos permite recordar a otros humanos que nacieron, crecieron, tal vez se reprodujeron y murieron antes que nosotros. Sobre todo aquellos que fueron simplemente excepcionales. Gracias a este registro de excepcionalidades y para evitar que caigan en la vulgaridad del olvido, tenemos esa maravillosa invención llamada «centenario».

Los centenarios siempre me producen escalofríos, porque cien años está justamente en el límite de lo que puede llegar a medir la vida de un ser humano y, precisamente por eso, resultan más estremecedores que ninguna otra conmemoración. Pensar que hace tan sólo un siglo artistas como Picasso, Schiele, Munch, Kirchner o los «jinetes azules» se paseaban por los nuevos bulevares europeos y hacían su revolución me estremece desde el meñique hasta la raíz del pelo. Sus retratos, sus fotografías, sus escritos, su legado artístico... todo ello nos habla de una época en la que los esfuerzos se concentraban en buscar otras formas de ver y representar la realidad; formas independientes e innovadoras que a su vez han conformado el mundo en el que, un centenar de años más tarde, vivimos.

 


Ernst Ludwig Kirchner, Una artista (Marcella), 1910.
Óleo sobre lienzo, 101 x 76 cm.
Brücke-Museum, Berlín.

 


Pablo Picasso, Le Gourmet, 1901.
Óleo sobre lienzo, 92,8 x 68,3 cm.
National Gallery of Art, Washington D.C.

 

En 1912, Colonia acogió la que con toda probabilidad fue la muestra de arte moderno más importante hasta la fecha: la exposición Sonderbund. Los privilegiados asistentes pudieron contemplar la friolera de 577 lienzos y 57 esculturas de los representantes de las vanguardias artísticas europeas, desde el posimpresionismo al expresionismo alemán, el cubismo o los orígenes del arte abstracto. Las imágenes de las salas repletas de obras que ahora se encuentran desperdigadas por el mundo son realmente abrumadoras. Con el mismo espíritu, el Wallraf-Richartz Museum lleva años trabajando en la retrospectiva «1912 - Mission Moderne» que reconstruye los objetivos y las prioridades de la exposición original con ocasión de su centenario. Hasta el 30 de diciembre de este año, tienes la oportunidad de disfrutar de más de cien de las obras que se expusieron en 1912: apenas una degustación, pero suficientes para saborear la perturbación que aquellos artistas ocasionaron sobre las sensibilidades estéticas del siglo XIX.

Si no puedes aceptar esta invitación al trastorno y a la reflexión por cualquier motivo, lo mínimo que deberías hacer, como ser que nace y crece y que, en tanto se plantea si debería reproducirse o no, puede sacar provecho del patrimonio cultural, es dejarte conmover por las obras de Cézanne, Gauguin, Kirchner, Munch, Picasso, Schiele y van Gogh, aunque sea en formato digital.

 

Die Sonderbundausstellung – erneut in Köln

Haben Sie schon einmal vor einem Kunstwerk gestanden und waren innerlich wirklich bewegt? Vielleicht, weil Sie die Geschichte zum Werk oder die künstlerische Intention kannten, weil Sie von der Technik überwältigt waren oder einfach nur, weil es in dem Moment, in dem Sie es betrachteten, nahezu zusammenhanglos alles in Ihnen aufwühlte, Sie unglaublich beeindruckte? Dieses Gefühl ist überwältigend und leider auch viel zu selten. Es gibt viele Meisterwerke der Kunst, aber nur wenige, die uns persönlich anregen, über ein „wunderschön“ hinausgehen. Klitzekleine Synapsen in unserem Körper reagieren auf unsere Sinneseindrücke: tasten, schmecken, riechen, hören und SEHEN.

Jede Epoche hat Kunstwerke hervorgebracht, die die Fähigkeit besitzen, zu bewegen. Versuchen Sie es doch mal mit einer Zeit, in der sich selbst viel bewegt hat: vom Lösen von der akademischen Malerei über die Freilichtmalerei hin zur Auflösung der Form mittels der Farbe.

1912 – Das Jahr der großen Sonderbundausstellung in Köln! Die großartigen Künstler der Jahrhundertwende und der folgenden Generationen, vom Impressionismus zum Expressionismus, alle nebeneinander. Cézanne, van Gogh, Munch, Picasso, die Künstler der Brücke, des Blauen Reiter und viele, viele mehr. Rund 650 Werke, darunter auch Skulpturen Lembrucks, wurden in einer internationalen Ausstellung präsentiert, die zum ersten Mal die europäischen Kunstbewegungen der Zeit zusammenfasste und die Zeitgenossen bewegte.


Edvard Munch, Winter, Kragero, 1912.
Öl auf Leinwand, 131,5 x 131 cm.
Munch Museum, Oslo.

2012 – Das Jahr der Retrospektive! Die Möglichkeit, zumindest eine Auswahl der sich heute größtenteils in Privatsammlungen befindlichen Kunstwerke zu betrachten, sich überwältigen zu lassen, ist einmalig. Das Wallraf-Richartz-Museum in Köln gibt mit der Retrospektive 1912 – Mission Moderne. Die Jahrhundertschau des Sonderbundesnoch bis Ende Dezember Gelegenheit dazu. Hundert Jahre danach können wir einen Teil der ursprünglichen Ausstellung in ihren Schwerpunkten und Zielsetzungen rekonstruiert nacherleben, Meisterwerke der Kunstgeschichte bewundern, uns berühren lassen. Nutzen Sie diese Möglichkeit!


Ernst Ludwig Kirchner, Artistin Marcella, 1910.
Öl auf Leinwand, 101 x 76 cm.
Brücke-Museum Berlin.


Paul Cézanne, Der See von Annecy, 1896.
Öl auf Leinwand, 79 x 64 cm.
The Courtauld Gallery, London.

Begleitend zur Ausstellung finden Sie in dem umfangreichen Katalog des Verlages Parkstone-International zahlreiche Monografien zu Künstlern wie Cézanne von Nathalia Brodskaya, Vincent van Gogh, Gauguin oder Picasso von Victoria Charles, zu Kirchner von Klaus H. Carl, Munch von Elizabeth Ingles oder auch zu Schiele von Jeanette Zwingerberger.

Weitere E-Books unserer Autoren mit hervorragenden Abbildungen verschaffen Ihnen einen ersten allgemeinen Überblick über die Kunstströmungen des Impressionismus, ebenfalls von Nathalia Brodskaya, und des Expressionismus von Ashley Bassie.

Centennial Vortexes

You can blame it on my being an emotional woman if you’d like, I take full responsibility for that, but when I discovered the Wallraf-Richardtz-Museum’s intention to reunite some of the pieces from the 1912 Sonderbund Exhibition of Post-Impressionism through German Expressionism, featuring Van Gogh, Cézanne, Gauguin, Munch, Picasso, Macke, Nolde, Schiele, Signac, etc., I got a bit teary-eyed.

Pieces that have been separated (and sometimes out of view) will be reunited in Cologne until year’s end. It’s reminiscent of one’s days in University and coming back so many years later (clearly not 100) to see how much you’ve changed – or in the case of these paintings and sculptures, hopefully not changed – over time. Maybe one of the girls in the paintings featured below is still alive and will turn up!

 


Pablo Picasso, Le Gourmet (The Greedy Child), 1901.
Oil on canvas, 92.8 x 68.3 cm.
Chester Dale Collection, National Gallery of Art, Washington, D.C.

 


Ernst Ludwig Kirchner, Fränzi in front of a Carved Chair, 1910.
Oil on canvas, 71 x 49.5 cm.
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.

 


Egon Schiele, Seated Girl Facing Front, 1911.
Watercolour and pencil, 46.5 x 31.8 cm.
Bayerische Staatsgemäldesammlung, Munich.

 

There is a fear in the back of my mind, however, that in reuniting these pieces in the same city 100 years later, in a year that’s predicted to end the world, that a vortex will open up and visitors will end up in some alternate universe. Were that universe one with Schiele and friends hanging out enjoying a few glasses of absinthe, I might be keen to jump through and not look back. Sadly, I’m willing to place bets that the other side of that vortex is one of zombies without ears, boundless womanising, and crippling bouts of manic-depression – maybe not so much unlike society today. Would you jump through the vortex unknowing what you’d find?

Nevertheless, I say take the chance and do yourself a favour; book a ticket to Cologne immediately to see 1912-Mission Moderne, as this opportunity to see over 100 pieces of the wonder that was Sonderbund in one place will not come again in our lifetime. Whether you can or cannot make it, purchase these beautiful representations of the pieces on display and more in ebook form: Cézanne, Gauguin, Kirchner, Picasso, Schiele, and Van Gogh.

-Le Lorrain Andrews

 

 

 

Bonjour Tristesse ?

En regardant les trois tableaux ci-dessous, le lien qui les unit est difficile à envisager au premier coup d’œil. En matière de peinture de paysage, Van Gogh et Böcklin pourraient-ils être plus éloignés l’un de l’autre ? Des courbes douces à la rigueur stérile… Que s’est-il passé entre temps ?

 


Vincent van Gogh, La Nuit étoilée, 1889.
Huile sur toile, 73,7 x 92,1 cm.
Museum of Modern Art, New York.

 

Le symbolisme est passé par là. Mouvement de l’imagination, de la poésie, de l’émotion. Mais je dirais aussi de l’isolement, des couleurs tristes et un peu morbides. Qui, étant d’humeur normale, voudrait se promener dans les paysages d’Odilon Redon ou d’Arnold Böcklin, paysages ternes dans lesquels les personnages ont toujours l’air mélancoliques. Il est difficile de s’identifier au travail des peintres symbolistes.

Les symbolistes jouent sur la représentation du monde réel, le déformant pour créer un univers fantastique, dans lequel nous perdons nos repères. Ils privilégient l’idée à la forme et c’est en ce sens qu’ils ont favorisé l’arrivée de l’abstraction. Et heureusement !

 


Odilon Redon, La Barque mystique, vers 1890-1895.
Pastel sur papier, 51 x 63,5 cm.
The Woodner Collection, New York.

 

Mysticisme, religion, philosophie… Ce sont sans doute des éléments qui peuvent faire du symbolisme un courant apprécié en ces temps de crise. Selon moi, le symbolisme a sans doute été bénéfique à l’évolution des formes, mais il ne se démarque pas par son dynamisme et sa luminosité. Cependant, derrière de simples paysages, toujours mélancoliques ou fantastiques, se cachent en fait des références littéraires ou musicales. Le symbolisme, serait-il donc alors l’une des premières expressions artistiques plurielles, mêlant plusieurs références artistiques en une seule œuvre ?

 


Arnold Böcklin, L'Île des morts, 1880.
Huile sur toile, 111 x 155 cm.
Öffentliche Kunstammlung Basel, Kunstmuseum, Bâle.

 

Pour mieux cerner les relations entre impressionnisme, naturalisme, symbolisme et abstraction (que de -isme !), vous pouvez visiter l’exposition de la National Gallery of Scotland, et consulter cette monographie de Van Gogh, ainsi que cet ouvrage sur le Symbolisme de Nathalia Brodskaya.

 

 

 

De los fiordos a Mallorca: un viaje por el mundo interior de los simbolistas europeos

Un cielo es un cielo. Nadie lo pone en duda. Ahora bien, ¿qué es un cielo teñido de rojos, violetas y anaranjados? Puede ser el firmamento de aquella tarde junto al mar que ponía fin a un inolvidable verano; el del alba, para el guarda que termina el turno de noche y vuelve a casa; el que proyecta una nueva erupción del Vesubio que traerá consigo el fin del mundo; las reminiscencias de un fuego lejano que consume esperanzas y vidas... ¿Y si es de color verde?, ¿y si lo moldeamos con los dedos?, ¿y si parece derretirse y fundirse con el mar?, ¿y si es pardusco y atemporal?, ¿y si está desenfocado?, ¿y si está surcado de espirales y remolinos, como el de Noche estrellada de Vincent van Gogh? Por mucho que un cielo no sea más que un cielo, puede inspirar en nosotros las más profundas emociones y hacernos reflexionar sobre temas universales como el ambiente opresivo de la ciudad, la muerte o el destino.


Vincent van Gogh, Noche estrellada, 1889.
Óleo sobre lienzo, 73,7 x 92,1 cm.
Museum of Modern Art, Nueva York.

Esto bien lo sabían los pintores europeos cuyas obras acoge una de las más recientes exposiciones de la National Gallery of Scotland. Se trata de pintores que califica de simbolistas, herederos de los preceptos del impresionismo, que sometieron la realidad a su voluntad. El poeta Mallarmé instó a los simbolistas a que no se limitaran a pintar lo que veían sino los efectos que aquellos objetos producían en ellos.

La corriente artística del simbolismo surgió a finales del siglo XIX, entre los años 1880 y 1910, en una época en la que los avances científicos ponían en tela de juicio la supremacía del hombre sobre el mundo natural y en la que el progreso tecnológico empezaba a crear un sentimiento de preocupación por las consecuencias del materialismo. En ese contexto, los simbolistas retomaron el idealismo romántico de William Blake, Caspar David Friedrich y J. M. W. Turner y lo aplicaron a las realidades tangibles y efímeras retratadas por los impresionistas. Su objetivo era expresar su individualismo, su mundo interior, y traducir realidades universales a un lenguaje de tristeza, amor, angustia, anhelo...; en otras palabras, pintaban «paisajes del alma» que hablaban del hombre, de la sociedad, del infinito.

La muestra incluye a algunos de los principales artistas vanguardistas, como van Gogh, Gauguin, Munch, y Mondrian, y a un considerable número de pintores no tan conocidos. En el fondo, el concepto de simbolismo resulta tan vago que es difícil determinar quiénes entran claramente en el saco y quiénes deberían quedarse fuera.

 

Sea como fuere, la exposición es un verdadero desfile de paisajes radicales y extremadamente evocativos, que permiten recorrer Europa a golpe de sentimientos. Estará abierta hasta el 14 de octubre, así que aún tienes algo de tiempo para estudiar la obra de van Gogh en casa y decidir si sus cielos son lo bastante sugerentes para ti.

Flucht in die Abstraktion – Die Fantasielandschaften van Goghs und Kandinskys

„Je schreckensvoller diese Welt, desto abstrakter die Kunst“, notierte Paul Klee (1879-1940) ein Jahr nach dem Ausbruch des Ersten Weltkriegs (1914-1918) in seinem Tagebuch. „Man verlässt die diesseitige Gegend und baut dafür hinüber in eine Jenseitige, die ganz ja sein darf“.

Zur Entstehungszeit des Bildes Sternennachtbefand sich van Gogh in einer Nervenheilanstalt, das Gemälde ist nicht durch eine tatsächliche Nachtszene inspiriert. Die Farben widersprechen einer wirklichkeitsgetreuen Darstellung, die kreisförmigen und wellenartigen Formen, die flammenähnlich in den Himmel ragenden Baumkronen, die kleine Ortschaft mit den krummen Häusern und die dahinterliegende unregelmäßige Berglandschaft erzeugen eine chaotische, beunruhigende Dynamik. Ein romantischer, sternenbehangener Nachthimmel? Weit gefehlt!


Vincent van Gogh, Sternennacht, 1889.
Öl auf Leinwand, 73,7 cm × 92,1 cm.
Museum of Modern Art, New York City.

Sowohl Vincent van Gogh (1853-1890) als auch andere Künstler der Moderne wie etwa Wassily Kandinsky (1866-1944) erlebten schwere Zeiten. Während van Gogh unter Depressionen litt und jahrelang einen inneren Kampf mit sich selbst führte, wurde Kandinsky 1914 für den Kriegsdienst in Russland eingezogen. Ihre Kunst ermöglichte ihnen, sich von der diesseitigen Welt in eine fantastische Traumwelt zu flüchten. In der Zeit des Übergangs vom Postimpressionismus zum Expressionismus wurden die Landschaftsdarstellungen zunehmend symbolischer und die Künstler bedienten sich ihrer, um ihren Gefühlen Ausdruck zu verleihen. Das den Impressionisten noch als höchste Inspiration dienende Vorbild der Natur wurde verworfen, dafür rückten subjektive Empfindungen in den Vordergrund. Kandinsky beschränkte seine Kompositionen zunehmend auf flächige Grundformen und nutzte eine begrenzte Palette kontrastreicher Farben.

Den Übergang vom Impressionismus zum Expressionismus veranschaulicht die in Kooperation mit dem Van Gogh-Museum in Amsterdam und dem Ateneum Museum in Helsinki initiierte Ausstellung „Van Gogh to Kandinsky. Symbolist Landscape in Europe 1880-1910“ in den National Galleries of Scotland.
Die sich speziell der symbolistischen Landschaftsmalerei widmende Ausstellung präsentiert noch bis zum 14. Oktober 2012 ein breites Spektrum von poetischen und suggestiven Landschaftsbildern. Gezeigt werden sowohl Werke berühmter Avantgarde-Künstler wie Paul Gauguin, Vincent van Gogh, Wassily Kandinsky und Edvard Munch als auch weniger bekannter europäischer und skandinavischer Künstler.
Gerade die Gegenüberstellung van Goghs, der als einer der Begründer der Moderne noch dem Post-Impressionismus zugerechnet wird, mit Kandinskys als einem der führenden Vertreter der abstrakten Kunst zeigt deutlich die zunehmende Abstraktion der Kunst Ende des 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts.
Vergleichen können Sie die beiden dem Blauen Reiter zuzurechnenden Künstler mit den E-Books Van Gogh und Kandinsky des Verlages Parkstone International auch bequem von zu Hause aus.

-C. Schmidt

Paint the Sky with Van Gogh

On the over-arching subject of Symbolism, I’d have to say I am a fan. Beautiful colours and images which ultimately stand for something much deeper and more heartfelt than what is in front of you; colours and symbols which are meant to touch people around the world and bring them together using one piece of art. When it happens successfully, it’s truly amazing.

Take Vincent Van Gogh’s Starry Night (below), a piece recognised across time and place that enlists a quieting of the mind and moment of inner peace, which ultimately stirs in some of us a recognition of the fact that there may be more than just this life. However, some, namely Boy Meets World’s Cory Matthews, view this painting as an attack, a war over a small town. What do you see? More, how does it make you feel?


Vincent van Gogh, The Starry Night, 1889.
Oil on canvas, 73.7 x 92.1 cm.
Museum of Modern Art, New York.

Many Symbolists found modern cities over-bearing and claustrophobic, taking solace in open and expansive bodies of land, water, and sky. Who could blame them, what is more likely to make you smile from the inside out? Massive buildings, smog, and honking horns? Or tall, green trees swaying in the breeze, running barefoot in uncut grasses, and the sun on your face?

Feeling stuck in a season or landscape? Get yourself over to the National Gallery of Scotland before 14 October 2012 and check out all of the Symbolist landscape artists including Van Gogh. Also bring this ebook along to compare with the passing scenery on the way: Vincent van Gogh.

-Le Lorrain Andrews

Vollard y el desbordamiento de Picasso

Ambroise Vollard, considerado el principal marchante de arte contemporáneo de su generación, fue uno de esos hombres que se hacen a sí mismos. Llegó a París en 1887 sin apenas contactos ni referencias, pero su habilidad para los negocios y su visión artística le permitieron convertirse en el audaz impulsor de grandes artistas como Cézanne, Gauguin, Degas, van Gogh, Renoir, Bonnard, Vuillard y Picasso, que fueron subestimados en sus inicios.

Entre las arriesgadas operaciones que lo llevaron a ser quien fue, Vollard obsequió algunos cuadros a Pablo Picasso a cambio de una extensa colección de grabados que se conocen como la «Suite Vollard». Pocos son los museos que se pueden enorgullecer de poseer una serie completa de estos grabados. Por ello, el British Museum ha organizado la exposición «Picasso Prints. The Vollard Suite» para presentar al público los 100 grabados que ha conseguido reunir gracias a la generosa donación de la Hamish Parker Charitable Trust.*

Este «diario visual», de líneas sencillas y limpias y con un marcado estilo neoclásico, expresa los pensamientos, las ideas y las preocupaciones del que bien podría ser el artista más importante del siglo XX en la época en la que fueron realizados, entre 1930 y 1937. Con la guerra civil española como trasfondo, Picasso vivía en el castillo Boisgeloup, a las afueras de París, donde se dedicaba a realizar esculturas y a «hacer grandes cosas» junto a su musa y amante, la joven Marie-Thérèse Walter. Los grabados para Vollard reflejan la mitología personal del artista, que utiliza al minotauro, al toro-ganadero, como reflejo de sí mismo, de las emociones descontroladas y de la violencia y brutalidad que mueven el mundo.

La serie concluye con tres grabados del editor, sobre quien Picasso afirmó que «era un hombre tan vanidoso como una mujer», ya que «ni siquiera la mujer más bella del mundo había sido retratada con tanta asiduidad». En cualquier caso, este negocio no fue especialmente provechoso para Vollard, ya que falleció en un accidente de coche antes de que se realizaran todas las impresiones que había previsto.


Retrato de hombre con barba, Ambroise Vollard, 1937.
Grabado, placa 100 de la «Suite Vollard».
The British Museum, Londres.