Las mujeres de Rubens tienen curvas

En un mundo dominado por la delgadez extrema parece que no hay sitio para las mujeres del Barroco, las que tienen curvas, las de toda la vida. Por suerte, hemos superado el aspecto enfermizo de Kate Moss en los 90, pero sólo hay que ver la transformación de Maribel Verdú (como diría un amigo «a mí me gustaba antes de que se arguellara») para darse cuenta de que nos queda mucho camino. Sobre todo cuando alguien te dice que le gusta Giselle Bündchen «porque es una modelo con curvas». Seamos serios, alguien que mide 1’80 y pesa menos de 60 kilos puede ser guapa, atractiva, sexy si quieres, pero no puedes decir de ella que tenga curvas y hacer eso es engañar a las adolescentes que bastante tienen ya con los cambios que se operan en su cuerpo como para encima tener que aguantar la presión social.


Peter Paul Rubens, Venus el espejo, 1614/1615.
Óleo sobre tabla, 123 x 98 cm.
The Princely Collections, Lichtenstein.

Por suerte, campañas como la de «Belleza real» de una conocida marca de cosméticos nos devuelven a la realidad (ya sé que la corporación posee otras marcas que lanzan el mensaje contrario, pero no por eso el primero deja de ser bueno), que se asemeja más a los cuadros de Rubens que a las fotos arregladas que publican las revistas (artistas actuales se hacen eco de esto). Y es que estas mujeres, las de Rubens, no estaban gordas, eran simplemente reales. Seguramente ya habrían tenido algún que otro hijo, su piel estaba fláccida en algunos puntos e incluso podemos apreciar la celulitis. Ahora que levante la mano aquella que no tenga piel de naranja.


Pedro Pablo Rubens, Las tres Gracias, c. 1635.
Óleo sobre tabla, 220,5 x 182 cm.
Museo Nacional del Prado, Madrid.

Sé que las modas cambian, que la belleza es subjetiva y depende de la época. Obviamente el siglo XVII tenía un canon diferente (como dice Wislawa Szymborska «no tiene qué darle a las planas») y no estoy defendiendo la obesidad en absoluto; hacer algo de deporte (lo que te guste) y llevar una dieta sana es importante y si tus genes acompañan no necesitarás más. Si no tienes esa «suerte», matarte de hambre y dejarte la piel en el gimnasio por entrar en una 40 no debería ser tu objetivo en la vida. Y eso de que «nada sabe mejor que estar delgada», en fin Kate, yo personalmente prefiero el chocolate.


Peter Paul Rubens, El desembarco de María de Médici en el puerto de Marsella (detalle), 1622-1625.
Óleo sobre lienzo, 394 x 295 cm.
Musée du Louvre, París.

Si quieres apreciar las curvas de mujeres reales del siglo XVII, puedes acercarte a la exposición de Rubens en el Von Der Heydt-Museum, Wuppertal desde el 16 de octubre hasta final de febrero del próximo año. Si te apetece disfrutarlas con más tranquilidad o no quieres esperar un mes a verlas, hazte con un ejemplar de Rubens o arte barroco de Victoria Charles.

Victoria Charles

Gustave Caillebotte : tra pittura e fotografia.

Nato nel 1848 e pittore del movimento impressionista, Gustave Caillebotte era anche risconociuto come mecenate (dato da un notevole patrimonio lasciato dal suo padre) e generoso benefattore per i suoi amici pittori, Monet, Degas, Renoir e Pissaro, acquistando le loro opere.

Appassionato di fotografia, lo stile di Caillebotte è tanto più realista che quello dei suoi amici impressionisti. Si potrebbe dire che ha anticipato la perspettiva fotografica, rappresentando, delle scene della vita quotidiana, delle persone, in sospensione nel tempo, in un momento d’istantaneità, usando un colore chiaro e una luce quasi vera. Era importante il legame con la tradizione realistica.

Caillebotte rappresenta dal suo punto di vista il nuovo Parigi, quello moderno, ristrutturato da Haussmann, con i grandi “boulevards”, i parchi, insomma un’altra società. Insista sul fatto che le due categorie sociali : la classe borghese e quella operaia possono frequentare i stessi quartieri, pero mescolarsi rimane un’altro problema.

Si possono osservare nell’opera seguente i borghesi da un lato, i lavoratori che guardano verso il mondo industriale dall’altro. Se pensiamo bene, il punto di vista di Caillebotte era futurista. Le cose non sono combiate tanto oggi. La sua opera è originale nel senso che ne risulta una noia e una solitudine estrema dei personaggi.


Gustave Caillebotte, Il ponte dell’Europa, 1876,
Olio su tela, 125 x 181 cm.
Musée du petit Palais, Genève.

L’analisi della classe sociale fa parte dello stile di Caillebotte. Mostra la sua visione degli uomini.

La sua prima opera, I piallatori di parquet è stata un’elemento choc. Il soggetto (operai lavorando in un appartamento borghese) è stato considerato come provocazione ed è stato rifiutato al salone du 1875. La realtà non si voleva accettare. Almeno si doveva rappresentare.


Gustave Caillebotte, I piallatori di parquet, 1875,
Olio su tela, 102 x 146,5 cm.
Musée d’Orsay, Paris.

Se vi piaciono, la pittura impressionista, la fotografia, la realtà di quello che fu il Parigi moderno della fine del XIXe e  dell’inizio del XXe secolo, vi do tutti appuntamento in Germania, al Schirn Kunsthalle di Frankfurt dal 18 ottobre 2012 al 20 Gennaio 2013 per la mostra Gustave Caillebotte.

Peter Paul Rubens oder Die Kunst der Werbung

Während manche Gemälde Peter Paul Rubens (1577-1640) auf den ersten Blick wie Illustrationen eines Kitschromans erscheinen, reicht ein wenig Geduld, um in seinen Werken eine Vielzahl mythologischer, religiöser oder historisch-politischer Anspielungen zu entdecken. Reine Landschaften oder Porträts ohne literarische Referenzen, die sogenannte l’art pour l’art, sind eine Errungenschaft der späten Neuzeit. Lange bevor das Radio, der Fernseher oder andere Nachrichten übermittelnde Medien erfunden waren, diente die Kunst in den verschiedenen Epochen mal mehr und mal weniger der Verbreitung von Neuigkeiten und Meinungen – und Rubens wusste genau, wie er mit seinen Gemälden die ungeteilte Aufmerksamkeit vor allem potenzieller Auftraggeber erlangen konnte.

Es scheint fast, als hätte er bereits die AIDA-Formel der heutigen Werbebranche gekannt – Attention, Interest, Desire, Action –all dies lässt sich nämlich in Rubens Werken wiederfinden: Ganz nach dem Motto Sex sells wecken in Rubens‘ mythologischen Darstellungen vollbusige nackte Frauenkörper in lasziven Posen die Aufmerksamkeit. Von den nackten barocken Modellkörpern wird der Blick auf die spannungsgeladene, durch Blicke, Gesten oder Bewegungen alle dargestellten Figuren verbindende Interaktion gelenkt. Von diesem Beziehungsgeflecht gefesselt, ist das Interesse des Betrachters endgültig geweckt. Der Wunsch, das Dargestellte im Ganzen zu erfassen, lässt ihn nun selbst aktiv werden: Auf der Suche nach dem tieferen Gehalt des Bildes, durchsucht er die Bildoberfläche nach allegorischen Verweisen und versucht, die werkimmanente Symbolik zu entschlüsseln.


Peter Paul Rubens, Minerva beschützt Pax vor Mars
(Krieg und Frieden), vor 1630.
Öl auf Leinwand, 203,5 x 298 cm.
The National Gallery, London.

Seine dramatische Bildsprache verband Rubens mit seiner 1623 aufgenommenen diplomatischen Tätigkeit. Bereits 1629 wird er vom spanischen König zum Sekretär des Geheimen Staatsrats der Südlichen Niederlande ernannt und fährt im Juni desselben Jahres nach London, um Friedensverhandlungen zwischen Spanien und England zu führen. Auch mit seiner Kunst setzte er sich aktiv für den Frieden ein und schenkte dem später hingerichteten englischen König Karl I (1600-1649) während den Friedensverhandlungen das kritische auch als Krieg und Frieden bekannte Gemälde Minerva beschützt Pax vor Mars (vor 1630; London, The National Gallery) auf dem die Vorzüge des Friedens und die Folgen des Krieges eindrücklich wiedergegeben sind. Um sein diplomatisches Anliegen zu bekräftigen, malte er während des Dreißigjährigen Krieges (1618-1648) für den Herzog von Toskana das Bild Die Schrecken des Krieges (1638; Florenz, Palazzo Pitti).

Rubens verstand es jedoch nicht nur, in seinen allegorischen und mythologischen Werken zeitgenössische Geschehnisse zu verpacken, sondern er schuf auch zahlreiche Porträts, Landschaften, Genrebilder und insbesondere christliche Gemälde zur Unterstützung der katholischen Reform. Eine große Auswahl seiner Werke wird das Wuppertaler Von der Heydt-Museum vom 16. Oktober und bis zum 28. Februar 2013 in der Ausstellung Peter Paul Rubens zeigen. Weitere Informationen und viele farbige Abbildungen in herausragender Qualität gibt es auch in dem im Verlag Parkstone-International erschienenen Buch Rubens zu entdecken.

 

-C. Schmidt

Rubens, Making Women Look Good Since 1698

Though Peter Paul Rubens’ impressive works are around 400 years old, I still find comfort in his representations of the female body. They are round, plush, and beautiful. Ruben’s women make me feel more comfortable in my own skin, regardless of my weight or how many dimples are on my thighs – okay, that’s not entirely true, I have a mini-breakdown any time I discover one and try chalking it up more to the fact that I’m getting older and less that I haven’t stepped foot in a gym in at least four years*.


Peter Paul Rubens, Venus in front of the Mirror, 1614/1615.
Oil on panel, 123 x 98 cm.
The Princely Collections, Lichtenstein.

What is going on in our society where models and actresses are all thinner than thin, so thin, in fact, I’d guess if a muscular or Big Handsome Man (BHM), were to place a hand on their shoulder they’d break in half! Personally, I’d rather look more like Adele, America Ferrera, or the OLD Emma Stone than Nicole Richie, Keira Knightly, or the NEW Emma Stone. Part of it is genes, of course, and one man’s poison is another man’s cure, but women whose genes would never allow them to be a size zero are killing themselves, literally, through diet (read: starvation) and over-exercise. I’m not a huge activist of exercise in the first place (clearly, based on my lack of gym membership), though I know (and advocate the fact that) it makes your heart healthier and your life longer. But, if we’re being honest here, I just don’t like to sweat.


Peter Paul Rubens, Venus in front of the Mirror, 1614/1615.
Oil on panel, 123 x 98 cm.
The Princely Collections, Lichtenstein.

A little Googling of “Rubenesque women” will yield some interesting results – try at your own risk and beware of those NSFW sites. Linking the term to Big Beautiful Women (BBW) – which actively encourages being overweight and obese – is taking it a bit too far. Ruben’s women weren’t overweight or obese, they were real women of real sizes of their time, with childbearing hips and capabilities – remember when that was important? You know, before 12-year-olds started having babies; HOW DO THEY DO IT!? – I digress.


Peter Paul Rubens, The Landing of Maria de’ Medici at Marseille, 3 November, 1600 (detail), 1622-1625.
Oil on canvas, 394 x 295 cm.
Musée du Louvre, Paris.

I’m not sure whether or not it’s too late for western societies, young girls especially, to get over busting their butts (no pun intended) to be waif-thin. Luckily for women everywhere, the beauty aesthetic changes with the times, so perhaps the next desired woman of said times will be able to just be who she is – beautiful at any size, confident, and intelligent. Because, really, isn’t it confidence that makes a person sexy?

Relish in the curves, bottoms, and bosoms of yesteryear at the Peter Paul Rubens exhibit in the Von Der Heydt-Museum, Wuppertal from 10.16.2012-28.02.2013. Also for your viewing pleasure, procure these colourful ebooks: Peter Paul Rubens and Baroque Art. Finally, ladies, feel free to say YES to your next piece of cake or pie and love the skin you’re in.

-Le Lorrain Andrews

*All joking and sarcasm aside, please do not take my lightness towards exercise seriously. Walk, swim, run, join a yoga or salsa class; hop, skip, or jump. Whatever you do, keep moving.

Caillebotte: la tirelire des impressionnistes

A l’époque, Gustave Caillebotte est considéré comme un grand mécène du mouvement impressionniste qui, grâce l’héritage reçu de son père, eut la possibilité de se procurer les oeuvres de ses amis impressionnistes et de payer le loyer de l’atelier de Monet. Ce n’est qu’après sa mort que Caillebotte est reconnu comme l’un des grands maîtres de l’Impressionisme en plus de son statut de grand maître financier ( il venait régulièrement en aide à ses amis en les soutenant financièrement).

Bien que Caillebotte fasse partie du mouvement impressionniste, son style diffère de ses contemporains : Degas, Monet, Renoir, et Pissarro, parmi lesquels il a exposé lors de la seconde exposition impressionniste de 1876. Son intérêt pour la photographie se ressent à travers sa peinture grâce à sa capacité à saisir un instant précis de façon réaliste.


Gustave Caillebotte, Rue de Paris, Temps de Pluie, 1877.
Huile sur toile, 212 cm x 276 cm.
Art Institute of Chicago, Chicago.

Caillebotte, comme ses contemporains, représente un Paris nouveau, modernisé par Napoléon III et Georges Eugène Haussmann. Le Paris que tout le monde connaît aujourd’hui, avec ses  grandes avenues bordées d’arbres et ses espaces verts.

Cependant, contrairement à ses amis impressionnistes, Caillebotte souhaite peindre ce nouveau Paris de manière encore plus réaliste. Le ciel gris, la pluie, les rues pavées de son tableau Rue de Paris, Temps de Pluie, accentuent la sensation de monotonie du quotidien et de tristesse que l’on ressent au premier regard. Pour le peintre, cette nouvelle ville métropolitaine, au plan méticuleux et si esthétique, est comme le quartier des Sims : parfait de l’extérieur, mais seul de l’intérieur.


Gustave Caillebotte, Les Raboteurs de parquet, 1875.
Huile sur toile, 102 cm x 146.5 cm.
Musée D'Orsay, Paris.

Caillebotte est également  reconnu pour avoir introduit un nouveau sujet à ses peintures : la classe ouvrière. Thème pour lequel il porte un grand intérêt. Il faut savoir qu’à l’époque, grâce au nouveau chemin de fer et à la Révolution industrielle en France (1815-1860), il y a eu une grande migration des ouvriers de la campagne vers Paris.

Jusque-là, seuls les fermiers et les paysans sont représentés, c’est pourquoi, en 1875, le Salon refuse son œuvre intitulée Les Raboteurs de parquet, prétextant que le sujet est vulgaire. La réalité décrite par Caillebotte, les conditions ouvrières, la tristesse ainsi que la pauvreté de ce nouveau Paris ne veulent pas être reconnues.

Si vous souhaitez voir les oeuvres de Caillebotte et sa représentation de la fin du 19^ième siècle et du début du 20^ième siècle, rendez-vous au Schirn Kunsthalle Frankfurt du18 octobre 2012 au 20 janvier 2013 pour l’exposition de Gustave Caillebotte. Vous pourrez également en apprendre plus sur les impressionnistes en feuilletant ce livre.

Caillebotte, un impresionista con calidad fotográfica

Gustave Caillebotte falleció demasiado joven. Su vida transcurrió entre 1848 y 1894, en esa convulsa época de transformaciones, conflictos y replanteamientos que fue el siglo XIX. Estudió derecho, pero rechazó su formación como jurista para dedicarse a retratar la vida moderna francesa y a pintar sensaciones junto a los pioneros del arte impresionista. La herencia que recibió tras el fallecimiento de su padre le permitió convertirse en el gran mecenas de Degas, Manet, Renoir, Monet, Pissarro, Cézanne y Sisley, entre otros, cuyas obras legó al Estado francés. Como muchos de sus amigos impresionistas, abandonó la despiadada ciudad para retirarse al barrio de Petit Gennevilliers, a orillas del Sena, donde cultivó un bello jardín, se refugió en la naturaleza y practicó el remo con pasión.

De algún modo, su labor de mecenazgo ensombreció su propia carrera artística. Tal como afirma el personaje más pedante y estirado de la película Midnight in Paris, la declaración de amor de Woody Allen a la ciudad de la luz, es posible que Caillebotte sea el impresionista más subestimado de todos. Quizá la más conocida de sus obras sea Los acuchilladores de parqué, que formaba parte de la colección que el gobierno de Francia rehusó aceptar durante los tres largos años que duró la «affaire Caillebotte». Este cuadro también había sido rechazado por el jurado del Salón de 1875, ya que fue una de las primeras representaciones artísticas del proletariado, un tema a todas luces «vulgar».

 


Gustave Caillebotte, Los acuchilladores de parqué, 1875.
Óleo sobre lienzo, 102 x 146,5 cm.
Musée d’Orsay, París.

 

La alineación de las tablas del parqué y el torso desnudo de los trabajadores son reveladores de su formación académica junto a Léon Bonnat, pero la elección del tema es radical y sigue la línea de los maestros realistas Millet y Courbet. No obstante, las pinturas de Caillebotte no articulan un discurso social, moralizador ni político como los obreros del campo y los campesinos de los anteriores; más bien al contrario, recrean una atmósfera de serenidad, una especie de descanso vital en medio de la agitación. Por otro lado, Caillebotte seleccionaba perspectivas arriesgadas y extrañas y sus encuadres no delimitaban escenas completas. Para la Schirn de Fráncfort del Meno este uso audaz de las técnicas de representación de la profundidad convierte a Caillebotte en un pionero del uso de los medios fotográficos que se pusieron en práctica en los años veinte y así nos lo presenta en la exposición «Gustave Caillebotte. Ein Impressionist und die Fotografie» (Gustave Caillebotte. Un impresionista y la fotografía) que se inaugurará el próximo 18 de octubre y estará abierta hasta el 20 de enero del próximo año.

La muestra incluye cincuenta cuadros y dibujos de Caillebotte y los compara con las instantáneas de fotógrafos contemporáneos y de los genios que revolucionaron el mundo de la fotografía y desecharon los convencionalismos, como André Kertész, László Moholy-Nagy, Alexander Rodchenko y Wols. Esta es precisamente la faceta más rompedora de Caillebotte: su significativa relación con la formación de nuevas visiones. Sus obras no sólo son un registro de lo que vieron sus ojos, sino que enseñan al espectador a mirar con ellos.

Henri Cartier-Bresson, el padre del periodismo fotográfico moderno, afirmó que «sacamos fotos de cosas en constante proceso de desaparición, y una vez que han desaparecido, no hay forma humana de hacerlas volver». Y así es, las fotografías, como los cuadros, nos permiten acceder a realidades que ya no existen, a fragmentos de la realidad que nunca volverán, a las vidas de quienes veían y quienes fueron vistos. Quien tenga alma de burgués parisino decimonónico y espere que tres hombres descamisados vengan a acuchillarle el parqué, puede esperar sentado... o puede hacerse con un ejemplar de este libro de Nathalia Brodskaya para regodearse en la vida moderna del siglo XIX a través de los ojos de los grandes impresionistas.

 

Caillebotte: Sugar Daddy of Impressionism

During his time, Gustave Caillebotte was known as a great supporter of the Impressionist movement. He had quite a bit of money due to a hefty allowance and inheritance from his father, which allowed him to purchase the works of his fellow Impressionists, subsidise several exhibitions, and even pay the rent for Monet’s studio. It wasn’t until after his death that Caillebotte was finally recognised as one of the great masters of Impressionism rather than simply a piggy bank for his friends. I suppose it’s typical for artists not to receive recognition and acclaim during their time, but it’s too bad that Caillebotte’s groundbreaking style, a mix between Realism and Impressionism, was clouded by his role as the Sugar Daddy of Impressionism.

Although classified as an Impressionist, Caillebotte’s style clearly differs from his counterparts such as Degas, Monet, Renoir, and Pissarro with whom he displayed his works at the second Impressionist exhibition in 1876. Many—myself included--consider him more of a Realist than an Impressionist. Due to Caillebotte’s passion for photography, his paintings often resemble photographs, capturing a single, fleeting moment in time quite realistically.


Gustave Caillebotte, Paris Street, Rainy Day, 1877.
Oil on canvas, 212 cm x 276 cm.
Art Institute of Chicago, Chicago.

Like his contemporaries, Caillebotte captured images of a rapidly changing Paris, the result of Napoleon III and Baron Georges-Eugene Haussmann's urban renewal project. Beautiful, tree-lined boulevards, green spaces and gardens, and modern public facilities arose, paving the way for the beautiful, dreamy Paris we all know today. However, unlike his fellow Impressionists, Caillebotte attempted to depict the new Paris in a more realistic way; his paintings often create a feeling of alienation and sorrow (Paris Street, Rainy Day, above). For him, the new metropolitan city, with its meticulously planned layout and design, was something like a SimCity—perfect from the outside, lonely from the inside.


Gustave Caillebotte, The Floor Scrapers, 1875.
Oil on canvas, 102 cm x 146.5 cm.
Musée D'Orsay, Paris.

Caillebotte is also known for introducing a new subject matter: the urban working class. As a result of the new railway and the Industrial Revolution in France (1815-1860), there was a huge migration of workers from the countryside to Paris. This new social class, la class ouvrière or the working class, became a fascination of Caillebotte’s. However, up to this point, the only portrayals of working-class life had been of peasants and farmers from the countryside. Hence, it came as no surprise that the Salon rejected The Floor Scrapers (above) in 1875, deeming it vulgar and offensive. They simply did not want to accept the reality—the sorrow, the poverty, and the brutal working conditions—of their new and improved Paris that Caillebotte so desperately wanted to portray through his work.



Want to see Caillebotte’s works and some outstanding photography from the late 19th and early 20th centuries? Head over to Schirn Kunsthalle Frankfurt between 18 October 2012 and 20 January 2013 for their exhibit Gustave Caillebotte. An Impressionist and Photography. You can also check out our ebook on Impressionism by Nathalia Brodskaya to learn more.

 

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