The Naked Truth

At first this topic had my mind atwitter; I mean how often does a girl get to write about naked men outside of her bedroom? Not that I believe there’s anything particularly aesthetically pleasing about the male physique below the happy/snail/treasure trail; maybe I’m a sucker for a nice bum, but that’s not what we’re here to discuss. Nor do I spend my private time writing about nude male bodies, and even if I did, you couldn’t prove it.

Given the opportunity to pick famous men I wouldn’t mind seeing naked, I would say: Channing Tatum? Yes, please. Donald Glover? Abso-freaking-lutely. Joseph Gordon Levitt? Please and thank you. John Cho-know-I-would. And, for our older crowd, I’d appreciate a little Benjamin Bratt (pun absolutely intended). Though, discussing this with a colleague, I’ve concluded that while I would enjoy seeing Tatum in the buff under any circumstance, I’d rather see JGL in the sensual privacy of my own home.


Large Sleeping Satyr ("Barberinischer Faun"), c. 220 BCE
Marble, height: 215 cm.
Glyptothek, Munich.

The longer I thought about the topic though (we’re talking at least a week of reviewing male nudes here, nothing but the best research for our readers), the more confused I became. We live in a society that fawns over the nude female body – heck, I’ve even blogged about it – but what about the male body? In film, art, television, and billboards, exposed female curves are everywhere, whether in bits and pieces or full on (to the point in which we need to discuss body image with our sisters/daughters/nieces). We’ve all seen Basic Instinct. However, the double standard remains. Is it because men find other male bodies threatening or uncomfortable? Is it the absurd fear of “catching” homosexuality, as if that were even possible? Women make up half of the consumer market – can’t you try and lure us in with the promise of naked men?


Ginch Gonch, Boys and Toy Bikes, advertising campaign.

I’ve always had the pleasure, or displeasure depending on how you look at it, of male housemates, including growing up with a brother. They were able to openly walk around without shirts and in their underwear, whilst I was discomfited into wearing a bra in my own home. Ladies, help me out, isn’t the most amazing time of day those five seconds after you’ve finally removed your bra? I’ve actually gone so far as to say, “Sorry friend, I can’t come out tonight; I’ve already taken my bra off.” My point being, this is a society that tells women to remain covered or they’ll be slut shamed, but men can wear next to nothing as long as their junk is covered.


Andrew Christian, 9215 Gigolo Thong, Black.

Women shouldn’t be ashamed of their bodies or shy about them, and men, get over your ridiculous fear of other naked men. We’re all beautiful, robed or not, and nudity shouldn’t be a topic of exploitation. We’re born nude, why can’t we stay so? Hurry over to the Leopold Museum to see the nude men exhibition through 4 March. Not possible? Rather look at the goods in private? Get your hands on The Story of Men’s Underwear by Shaun Cole or Nudes by Jp. A. Calosse. You won’t be disappointed.

-Le Lorrain Andrews

Barock oder Moderne – der Versuch einer Definition?

Die Kunstgeschichte hat immer versucht, jeder Epoche und jedem Stil einen Namen und eine Definition zu geben. Jahrtausende, Jahrhunderte, Jahrzehnte – aus Epochen wurden „Strömungen“. Historisch-politische Umschwünge hatten zumeist auch eine Richtungsänderung in der Kunst zur Folge, und so brachte das 17. Jahrhundert, geprägt vom Dreißigjährigen Krieg (1618-1648) und dem Absolutismus, die Kunst des Barock hervor, derer sich später auch die Aufklärung bedienen sollte. Überschwängliche, runde und ausladende Formen, ein Übermaß an Schmuck, dramatische Lichtregie, Dynamik, Symmetrie, Repräsentation und das Bewusstsein der Vergänglichkeit definieren im Allgemeinen die Architektur, Skulptur und Malerei des Barock. Das Gesamtkunstwerk prägte Profan- und Sakralbauten, ekstatische Bewegungen die Skulptur und Theatralik die Malerei. Und wer kennt sie nicht, das Schloss in Versailles, Gian Lorenzo Berninis Apollo und Daphne (1622-1625) oder Rembrandt van Rijns Nachtwache (1642)?

 


Rembrandt van Rijn, Die Kompanie des Hauptmanns Frans Banning Cocq oder Die Nachtwache, 1642.
Öl auf Leinwand, 379,5 × 453,5 cm.
Rijksmuseum, Amsterdam.

 

Für die Moderne scheint eine Definition fast unmöglich. Das vergangene Jahrhundert hat zwar die Kunst immer wieder neu erfinden wollen und dies mehr oder weniger auch getan, aber „Strömungen“ waren nicht mehr bestimmbar und auch das moderne Kunstwerk musste als Kunstwerk vom amerikanischen Philosophen und Kunstkritiker Arthur C. Danto (*1924) in seiner Verklärung des Gewöhnlichen 1984 erst wieder identifiziert und definiert werden.

Erstaunlich ist es dann aber doch, dass bei soviel Innovation und der Frage um die Berechtigung eines Gegenstandes als Kunstwerk die definierenden Eigenschaften einer längst vergangenen Epoche offenbar wieder Anwendung finden. Bei dem Gedanken an überschwängliche Formen, Dynamik, Ekstase und Theatralik sollten nicht nur Jeff Koons (*1955), Frank Stella (*1936) oder der Architekt Frank Gehry (*1929) Assoziationen hervorrufen.

 


Jeff Koons, St. John the Baptist, 1988.
Porzellan, 143,5 x 76,2 x 62,2 cm.
Seattle Art Museum, Seattle.

 

Trotz neuer Formensprache und künstlerischer Intention scheint die Rezeption doch wieder einmal die wirkliche Konstante in der Kunstwissenschaft zu sein. Und so zeigt die Art Gallery of Alberta noch bis zum 6. Januar 2013 in der Ausstellung Misled by Nature: Contemporary Art and the Baroque, zeitgenössische Künstler in ihrer Auseinandersetzung mit der Kunst und den Künstlern des Barock.

Wenn Sie selbst mehr über die architektonischen Gesamtkunstwerke, die Meisterleistungen der Skulptur und Malerei des 17. und 18. Jahrhunderts erfahren möchten, erhalten Sie mit dem Titel Baroque Art von Victoria Charles und Klaus H. Carl des Verlages Parkstone-International einen umfangreichen ersten Überblick.

 

 

Die Metamorphose der Skulptur

Ein Kunsthistoriker muss in seinem Leben mindestens zwei Bücher gelesen haben, die Bibel und Ovids Metamorphosen. So oder so ähnlich begann einer meiner Professoren ein Seminar zu den Göttern, Helden, Nymphen und Verwandlungen, denen man in den 15 Büchern der Metamorphosen begegnet. Und es ist doch immer wieder erstaunlich, wie uns diese Geschichten über Jungfrauen verfolgende liebestolle Jünglinge, einen triebgesteuerten Göttervater und seine eifersüchtige Ehefrau, die schöne Mutter des Liebesgottes und den Helden am Scheideweg nicht nur die Welt erklären, sondern uns auch einen wunderbaren Zugang zu den Meisterwerken der Kunstgeschichte gewähren.

Nicht nur in der Malerei, sondern auch in der Bildhauerei ist das Wissen über die griechischen und römischen Mythen in der Auseinandersetzung mit den Kunstwerken essenziell. So auch bei der Betrachtung der Skulpturen Berninis. Wie kaum einem anderen gelingt es ihm, die mythischen Szenen in Marmor zu bannen. Die Dynamik der Verfolgung Daphnes, die zum Schutz vor Apoll von ihrem Vater, dem Flussgott Peneios, in einen Lorbeer verwandelt wird, bannt Bernini in einen einzelnen Moment – der Moment, in dem Apoll Daphne erreicht und ihre Verwandlung beginnt.


Gian Lorenzo Bernini, Apollo und Daphne, 1622-1625.
Marmor, Höhe: 243 cm.
Galleria Borghese, Rom.

Doch kann man diese technische Meisterleistung der Bildhauerei trotz ihrer Anmut und Einzigartigkeit nur mit dem Wissen über die Geschichte von Apoll und Daphne verstehen. Um die Erhabenheit dieser barocken Skulptur in ihrer ganzen Herrlichkeit genießen zu können, musste ich die Metamorphosen lesen und bin seitdem immer wieder fasziniert davon, wie sich vor meinen Augen ein Kunstwerk in eine Geschichte verwandelt.

Den Wandel von der Skizze zum Modell und schließlich zur vollendeten Skulptur Berninis können Sie noch bis zum 6. Januar 2013 im Metropolitan Museum of Art in der Ausstellung Bernini – Sculpting in Clay nachverfolgen. Lassen Sie sich entweder in New York in die Welt der Verwandlung innerhalb eines Entstehungsprozesses entführen oder verfolgen Sie die Geschichte der Skulptur von der Antike über die Renaissance und das Barock bis hin zur Moderne mit dem Buch Skulpturen des Verlages Parkstone-International.

Bernini: una experiencia casi religiosa

Las imaginativas esculturas sinuosas, curvilíneas y biseladas de Gian Lorenzo Bernini son claros ejemplos del dinamismo y el efectismo del barroco. Todos los artificios y trampantojos que caracterizan a este estilo no tenían otro objetivo que impresionar y emocionar al espectador. Para lograr este fin, Bernini estudiaba cuidadosamente la perspectiva y jugaba con los materiales y la luz. Su afición al teatro era bien conocida y, por ello, muchos de sus conjuntos escultórico-arquitectónicos —inspirados en el gran Miguel Ángel— tenían un marcado carácter escenográfico. No dejaba nada al azar, tal como nos lo presenta la exposición del Metropolitan Museum of Art, «Bernini: Sculpting in Clay»; construía sus figuras en miniaturas de arcilla que modelaba con los dedos y algunas herramientas antes de comenzar a trabajar en el mármol.

 


Éxtasis de santa Teresa, 1645-52.
Mármol, 350 cm.
Capilla Cornaro, iglesia de Santa María de la Victoria, Roma.

 

Una de las composiciones más teatrales de Bernini es este Éxtasis de santa Teresa que plasma un momento en el que el amor de Dios traspasó el corazón de la Santa, tal como lo describe en su Libro de la vida:

Veía un ángel cabe mí, hacia el lado izquierdo, en forma corporal... Veíale en las manos un dardo de oro largo, y al fin del hierro me parecía tener un poco de fuego. Este me parecía meter por el corazón algunas veces y que me llegaba a las entrañas. Al sacarle, me parecía las llevaba consigo, y me dejaba toda abrasada en amor grande de Dios. Era tan grande el dolor, que me hacía dar aquellos quejidos, y tan excesiva la suavidad que me pone este grandísimo dolor, que no hay desear que se quite, ni se contenta el alma con menos que Dios. No es dolor corporal sino espiritual, aunque no deja de participar el cuerpo algo, y aun harto. Es un requiebro tan suave que pasa entre el alma y Dios, que suplico yo a su bondad lo dé a gustar a quien pensare que miento.

Esta experiencia mística se denomina «transverberación» o «transfixión» del corazón y se considera un verdadero regalo divino. Ciertamente, se puede percibir una carga sexual en la descripción del mismo por parte de la Santa, pero su propósito era inspirar fe y la única forma de hacerlo en términos comprensibles para el espectador era comparándolo con sentimientos que este haya podido experimentar. El conjunto escultórico de Bernini está construido con esta misma finalidad. Una ventana oculta permite que la luz se deslice por los rayos de bronce y caiga sobre las níveas figuras de Santa Teresa y el ángel, que parecen suspendidos en el aire bajo un fresco que imita al cielo. Las ropas del ángel son livianas y vaporosas, lo que contrasta con la pesadez del vestido de la Santa y establece una clara contraposición entre lo terrenal y lo divino. La expresión de Santa Teresa es al mismo tiempo de placer y de profundo dolor, mientras el ángel sonríe complacido. Por último, Bernini quiso hacer aún más manifiesto nuestro papel de espectadores del milagro mediante dos relieves que representan los palcos del «teatro».

Si quieres participar en el juego de las esculturas barrocas y dejarte seducir por ellas, no te puedes perder la exposición del MET, que permanecerá abierta hasta el día de Reyes del año que viene, ni estos magníficos libros sobre el arte barroco y la escultura de Victoria Charles.

 

Bernini: The Beauty and The Beast

Gian Lorenzo Bernini, Fontana della Barcaccia. c. 1623. Marble. Piazza di Spagna, Rome, Italy

Rome is the city of light, certainly, but it is also the city of water. Tourists may visit for the city’s celebrated history and architecture, but they leave entranced by the babbling fountains which dot the city like stars. What most don’t realize is that most of those fountains were designed by the same man: the astoundingly talented Gian Lorenzo Bernini.

Immortalized in countless great works of cinema, from Frederico Felini’s La Dolce Vita to Woody Allen’s To Rome With Love, Bernini’s fountains are essential to the character of this most romantic of cities. His Fontana della Barcaccia on the Spanish Steps even provided the backdrop for Gregory Peck and Audry Hepburn to meet cute in Roman Holiday, and has been photographed by countless tourists attempting capture a uniquely Italian image. In many ways, modern Rome is the city Bernini built.

Still, as influential as he is today, Bernini’s path to artistic immortality was not smooth. In the seventeenth century when he was a young man he was quite a controversial figure, his artistic genius at times overshadowed by the scandals that surrounded him.


Gian Lorenzo Bernini, Self-Portrait as a Young Man. c. 1623. Oil on canvas, 62x46 cm. Galleria Borghese, Rome, Italy

Bernini was the darling of the art world from the age of eight, when Pope Paul V boasted that the child would be “The Michelangelo of his century.” And as he grew up, and his skills increased, so did his social success. Beloved by the wealthiest families in Italy, and a favourite of the church, Bernini led a charmed life. At least, until he met Constanza Buanerelli.

Constanza was the wife of Bernini’s assistant Matteo, a young and lovely woman whose freshness and charm immediately won over the artist. He was inspired by her sensuality, and she quickly became his muse, her post-coital rumple immortalized in stone in one of his most celebrated busts.


Gian Lorenzo Bernini, Bust of Constanza Buonarelli. c. 1635. Marble, 72 cm. Museo Nazionale del Bargello, Florence, Italy

Alas, their happiness was brief. Bernini was an extremely jealous lover, infuriated that he was forced to share Constanza with her husband. He repeatedly insulted the hapless Matteo to such a great extent that his affair with Constanza became a matter of common knowledge, and she was jailed for adultery. Protected by his powerful friends, Bernini himself got off scot free.

Constanza, tired of her lover’s covetousness, took her revenge by beginning an affair with his brother. Enraged, Bernini followed the pair to the steps of St. Peter’s basilica, the Pope’s seat of power, whose interior he had so masterfully designed years before. He beat his brother half to death with an iron rod, and bribed a servant to slash Constanza’s face with a razor, destroying the beauty that had once captivated him.

Pope Urban VIII used his power to get Bernini out of trouble, even excusing the 3000 scudi fee the court leveled against him. But the pope was tired of helping the bad boy artist out of romantic scrapes, and this time his help came with a price. He forced Bernini to marry a virtuous woman of the church’s choosing, a union that was by all accounts a happy one, lasting decades and producing eleven children.

Still, Bernini never sculpted his wife. Maybe he had learned his lesson with Constanza, his great love and his muse, whose faithless beauty he so fatally immortalized.

Those of you lucky enough to be in New York should make sure to check out Bernini: Sculpting in Clay at the world famous Metropolitan Museum of Art from October 3, 2012 to January 6, 2013. Or to follow along at home, and get critical insight into Bernini’s controversial life and work, check out our ebooks on Sculpture and Baroque Art, both written by celebrated art historian Victoria Charles.

-George Kostrowitzky