Vorhang auf für die Expressionisten im Käfig der wilden Bestien

Die Versteigerung dauerte gerade mal 12 Minuten, dann stand im Mai 2012 beim New Yorker Auktionshaus Sotheby’s die neue Rekordsumme fest: 91,033,826 Millionen Euro (107 Millionen Dollar zuzüglich des Zuschlags für das Auktionshaus) für den letzten sich bis dato in Privatbesitz befindlichen Schrei von Edvard Munch (1863-1944). 70 Jahre lang befand sich das Werk im Privatbesitz der Olsen Familie. Thomas Olsen, ein Nachbar Munchs und Nachkomme der großen norwegischen Reederei-Dynastie, war nicht nur ein Freund, sondern auch einer der größten Förderer des Künstlers.

Damit ist das 1895 gemalte Pastell das teuerste je versteigerte Kunstwerk der Welt und verdrängte den bisherigen Rekordhalter, das im Jahr 2010 für 106,5 Millionen Dollar im New Yorker Auktionshaus Christie's versteigerte Gemälde Nackte, Grüne Blätter und Büste Pablo Picassos (1881-1973) auf den zweiten Platz. Noch größere Summen sollen jedoch mitunter bei Direktverkäufen zwischen Privatpersonen fließen, so soll ein Unbekannter im Jahr 2011 für Cézannes Gemälde Die Kartenspieler (1892-1896) 250 bis 275 Millionen Euro gezahlt haben[i]. Aber nicht nur die erzielten Summen sind interessant, sondern auch, dass mit Ausnahme des Schreis, des ältesten Gemäldes der Liste, alle Arbeiten aus dem 20. Jahrhundert stammen. So nehmen erstaunlicherweise die Arbeiten Jackson Pollocks (1912-1956) und Willem de Koonings (1904-1997) mit 140 und rund 138 Millionen Dollar die ersten zwei Plätze des Rankings ein. Der im Jahr in Lettland geborene Mark Rothko (1903-1970), ein weiterer Vertreter des Abstrakten Expressionismus der New Yorker Schule schaffte es mit der Auktionssumme von gerundet 87 Millionen Dollar auf Platz 9 und der irische Maler Francis Bacon (1909-1992) mit knapp über 86 Millionen auf Platz 10. Darüber hinaus tauchen drei Picassos und zwei Werke Gustav Klimts (1862-1918) im Mittelfeld der Top Ten auf[ii].
Wo bleiben die Alten Meister? Wo die sonst so beliebten französischen Impressionisten?


Picasso, Nackte, Grüne Blätter und Büste, 1932.
Privatbesitz.


Ernst Ludwig Kirchner, Der rote Turm in Halle, 1915.
Tempera auf Leinwand, 120 x 90,5 cm.
Museum Folkwang, Essen.

An der Schwelle zum 20. Jahrhundert noch undenkbar, entstammen die teuersten Arbeiten ganz klar der Moderne und sind teilweise der Klassichen Moderne, dem Expressionismus sowie Symbolismus sowie teilweise der zeitgenössischen Moderne zugehörig. Dass zeitgenössische Künstler heute solche Preise erzielen können, haben sie dabei ihren „wilden“ Vorreitern zu verdanken.


Henri Matisse, Der Tanz, 1909-1910.
Öl auf Leinwand, 260 x 391 cm.
The State Hermitage, St. Petersburg.

Henri Matisse (1869-1954), André Derain (1880-1954) und Maurice de Vlaminck (1876-1958), um nur die bedeutendsten, der als Fauves (frz. für wilde Bestien) bezeichneten Künstler zu nennen, lösten bei den Zeitgenossen einen regelrechten Schock aus. Die abstrakten Formen, die knalligen miteinander kontrastierenden Farben – was wäre wohl passiert, wenn sie mit einem Pollock konfrontiert gewesen wären?

Das Museum Folkwang in Essen stellt in der Ausstellung Im Farbenrausch: Munch, Matisse und die Expressionisten noch bis zum 13. Januar 2013 erstmals die Werke der französischen Fauves, die Arbeiten Edvard Munchs und die der deutschen und russischen Expressionisten wie Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Alexej von Jawlensky, Wassily Kandinsky, Gabriele Münter und Franz Marc einander gegenüber.

Erfahren Sie mehr über die Wegbereiter der Moderne und deren Einfluss auf die nachfolgende Künstlergeneration mit Hilfe der im Verlag Parkstone-International auch als E-Book erschienenen, reich illustrierten Titeln Munch(von Patrick Bade), Munch (von Elizabeth Ingles), Van Gogh und Expressionismus.

C. Schmidt

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[i] Die zehn teuersten Gemälde der Welt - weiter lesen auf FOCUS Online: http://www.focus.de/kultur/kunst/die-zehn-teuersten-gemaelde-der-welt-275-millionen-euro-fuer-einen-pollock_aid_746688.html (26.11.2011)

[ii] Liste der teuersten Gemälde. http://de.wikipedia.org/wiki/Liste_der_teuersten_Gem%C3%A4lde (26.11.2011)

Lessons to be Learnt from The Wizard of Oz and Matisse

Imagine you’re Dorothy.  You have just escaped Auntie Em and a life of rusticated farm-life.  You step out of your house, and no more black-and-white, but BOOM!  It’s a colour explosion, where you are literally on the other side of the rainbow.  And never mind those Munchkins...

 
What would you think, honestly?  That you are in some strange kind of fever-dream?  Or that you have accidentally ingested a potent hallucinogenic (let’s forget for the moment that Dorothy probably doesn’t know what that is)?  Or, simply, that you’ve just gone crazy?

 


Henri Matisse. 1869–1954, Portrait of Lydia Delectorskaya, 1947. Oil on canvas, 64.5 x 49.5 cm. The State Hermitage Museum, Saint-Petersburg.

 

I think it fair enough to say that these feelings may be eerily similar to those experienced by Matisse and co. upon their first discoveries of the Impressionists, and the likes of van Gogh and John Peter Russell.  Whilst initially taken aback by the liberal use of colour and the breaking of the rules in their painting, Matisse, Munch, and the Fauves (which literally means “The Wild Ones”), went even further.  They broke into abstraction, broke the subject down and simplified it, and colour: bold, unadulterated colour was the basis of all their work.

 
Do you think that if Dorothy knew what lay in wait for her on the other side of the rainbow that she would have been as eager to go? Unlike Dorothy, as the Fauves opened up a bright, shiny, new Technicolour world with their artwork, it is impossible for us to go back.  The age of suppressed and reserved art, the era of black-and-white, has gone.  The question is, do we behave like the Scarecrow and the Tin-Man, ready to face this new and exciting world (albeit one tinged with a few flying monkeys), or do we cower like the Cowardly Lion?  I leave it to you to decide... Remember, there’s no place like home but it’s up to you how you decorate it!

 


Henri Matisse, The Dance, 1909-1910. Oil on canvas, 260 x 391 cm. The State Hermitage Museum, Saint-Petersburg.

 

The Museum Folkwang in Germany is giving visitors a chance to step into their very own version of Oz, with the help of the Fauves and the Expressionists.  I promise that you will not encounter a single Wicked Witch of the West...and no, mother-in-laws do not count.  The Ecstasy of Colour exhibition is ongoing until the 13^th January 2013, so if you are in the area, make sure to pencil it into your diary!  If you can’t quite make it before January, not to worry.  You’ll be able to catch up with Parkstone International’s very own Munch, by Elizabeth Ingles, or Expressionism, written by Ashley Bassie.

Rome, ville caméléon ?

Rome est symbolique, culturelle et éternelle. Si la ville de la Dolce Vita de Fellini attire toujours aujourd’hui des milliers de touristes c’est parce qu’elle fascine par son passé, par ses vestiges antiques et par sa nourriture (il est bien connu, au niveau gastronomique que l’Italie est une valeur sûre).

Qui a-t-il de plus agréable, après une journée de visites, que de déguster un gelato assis sur les marches de la Piazza di Spagna, ou de boire un apéro à la tombée de la nuit, en regardant le spectacle de la rue, les hommes d’affaires ultra gominés en costard-cravates, chaussures cirées ayant terminé leur journée, les italiennes, féminines à souhait, les groupes de jeunes sur leurs scooters, le tout, accompagné d’un fond sonore mêlant accordéon et  « Ciao, come va ?; Com’è andata la giornata ?; un bicchiere di vino per favore. » 

Cliché ? Certainement. C’est… la dolce vita.

En apparence, Rome fait rêver, et si tout ne vous semble qu’être architecture, sculpture, vestiges romains, beauté et perfection,  alors détrompez-vous ! Rome possède aussi un passé sombre et des entrailles que Victor Hugo dans les Châtiments, qualifiait de « ténèbres ». Par entrailles j’entends les égouts de Rome, et la Cloaca Maxima, le canal qui, dans la Rome Antique desservait le forum romain et servait à emporter les eaux pluviales et les immondices de la ville. Autant dire qu’avant que celle-ci ne soit couverte, la capitale italienne était la porte ouverte à de nombreux problèmes d’insalubrité, et d’épidémies.

Si la Rome terrestre est un monde, la Rome souterraine en est un autre. Un enfer sombre, qui s’étend sur des kilomètres, et qui s’ouvre parfois sous les pieds des passants. Ce monde obscur, fétide, boueux, royaume des rongeurs se transforme en ruisseau lorsqu’il pleut. Ce monde du néant, ou seul le bruit des bêtes se fait entendre, recueille tous les vices de Rome. On en oublierait presque que quelques mètres au-dessus de cet antre, se trouve une Rome vivante, bruyante, chaotique dans laquelle ont œuvré de nombreux artistes ;  le Colisée,  le forum antique, le Vatican, la Basilique Saint Pierre et la Pietà de Michel-Ange ; la Fontaine de Trevi ; la Piazza Navona et la Fontaine des 4 Fleuves du Bernin.


Bernini, la place Saint Pierre, Vatican


Fellini, La Dolce Vita, Marcello Mastroianni et Aanita Ekberg

Rome ville diabolique, Rome ville historique et Rome vedette de cinéma. Fellini sera sans aucun doute l’un des premiers la filmer. La Dolce Vita est un éloge de la capitale italienne et Fellini, en y faisant déambuler ses personnages nous en montre les plus beaux recoins,  notamment la fontaine de Trevi avec cette célèbre scène que je ne peux m’empêcher de comparer à  l’une des œuvres du Bernin. Le Bernin qui était à la sculpture ce que Fellini était au cinéma, c'est-à-dire un artiste aux multiples facettes, doté d’une virtuosité technique incroyable. Ses sculptures majoritairement de thèmes bibliques possèdent un effet dramatique et théâtral. L’expression est parfois caricaturale, tout comme l’était le caractère de certains personnages de Fellini, si bien que l’on en arriverait  presque à comparer la Sylvia (Aanita Ekberg) « en extase » de Fellini dans cette fameuse scène, à l’Extase de la sainte Thérèse du Bernin.


Le Bernin, L’Extase de sainte- Thérèse, 1652,
Chapelle Cornaro de l'église Santa Maria


Fellini, La Dolce Vita, 1960. Della Vittoria à Rome.


Le Bernin, Fontaine des 4 Fleuves, 1648 - 1651, Piazza Navona, Rome

Rome reste LA ville italienne par excellence et si aujourd’hui Fellini, Mastroianni, Michel-Ange et le Bernin ne sont plus, d’autres ont pris la relève. L’un des derniers en date : Tom Hanks dans le film Anges et Démons de Ron Howard.

Si vous avez l’opportunité d’être à New York d’ici Janvier 2013, ne ratez pas l’exposition Bernini Sculpting in Clay  du 3 octobre 2012 au 6 janvier 2013, au Metropolitan Museum. Prenez le temps d’aller apprécier les esquisses en argiles de ce qui représente aujourd’hui les chefs d’œuvres de la capitale Romaine, puis à l’occasion pourquoi ne pas vous y rendre lors d’un éventuel futur voyage ! Vous pouvez aussi consulter le livre L’Art Baroque de Victoria Charles.

Impressionnistes paparazzis

Les peintres impressionnistes étaient les photographes de leur temps. Intéressés bien sûr par les paysages, mais aussi par les femmes, les intérieurs intimes et les loisirs alors en vogue. Les cocottes parisiennes, vivant à Montmartre ou Montparnasse ne sont rien de moins que les Paris Hilton et Kim Kardashian du xix^e siècle. Elles dictaient la mode qui était copiée par toutes les femmes quelle que soient leurs classes sociales.


Claude Monet, Madame Louis Joachim Gaudibert (détail), 1868.
Huile sur toile, 216,5 x 138,5 cm.
Musée d’Orsay, Paris.

Les peintres voulaient capter l’air du temps et rendre compte du goût par la même occasion. Renoir ou Monet  pénètrent dans la vie intime, accordent beaucoup d’attention au corps féminin qu’ils tracent précisément sous des tissus délicats ou qu’ils montrent nus. Les accessoires de mode et les dessous féminins ne sont plus choquants mais deviennent des outils de séduction. Certaines toiles impressionnistes sont de réelles illustrations des mœurs du moment et s’approprient la vie privée des femmes, comme le sont les magazines people aujourd’hui. Jupons, corsets, bas et nudité ne sont plus cantonnés au privé et au scandale.

Compiler les toiles impressionnistes sur deux à trois décennies revient presque à regrouper des images de mode qui pourraient tout à fait fournir le matériel suffisant à la création d’un blog par une fashionista en herbe. Les impressionnistes, blogueurs du xix^e ?


Édouard Manet, Nana, 1877.
Huile sur toile, 264 x 115 cm.
Kunsthalle Hamburg, Hambourg.

Pour découvrir tous les dessous de cette thématique, vous pouvez admirer l’exposition très complète sur la mode et les impressionnistes du musée d’Orsay jusqu’à la fin du mois de janvier 2013 ou parcourir les pages de L’Impressionnisme.

Caravaggio und der Caravaggismus

Die meisten erfolgreichen künstlerischen Werdegänge sind geprägt von Gönnern, Kennern, Ausbildung, Rezeption, Kreativität und Auftraggebern. Dies gilt auch für eine Gruppe von Künstlern, die es zu Beginn des 17. Jahrhunderts, traditionell der Ausbildung entsprechend, nach Rom zog, und damit in eine Stadt, die zu jener Zeit von einem tendenziell normzerstörenden Künstler geprägt war – Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610). Mit seinen fesselnden Kompositionen, einem radikalen Naturalismus und einer zuvor nicht gekannten Lichtregie entwickelt er einen ihm eigenen Stil. Figuren werden mithilfe der schlaglichtartigen Beleuchtung modelliert, der verdunkelte Hintergrund wird undefinierbar und so die Szene dramatisch zugespitzt.

Für diese Gruppe nach Rom drängender junger Künstler aus Utrecht, unter ihnen Dirck van Baburen (1595-1624), Hendrick ter Brugghen (1588-1629) und Gerrit van Honthorst (1592-1656), sollte Caravaggio zum künstlerischen Vorbild avancieren. In Rom fanden sie seine Bilder nicht nur in den Kirchen und Palazzi, sondern auch bei ihren eigenen Auftraggebern wie etwa Vincenzo Giustiniani (1564-1637).

Die Utrechter Caravaggisten, wie sie sich, zurück in den Niederlanden, ab 1620 nannten, schufen vor allem Historiengemälde und zahlreiche Genrebilder, in denen sie mit Vorliebe Dirnen, Musikanten und Wirtshausszenen darstellten. Das Schlaglicht Caravaggios erhielt Einzug in die traditionellen niederländischen Bildthemen, die caravaggeske Beleuchtung wurde durch künstliche Lichtquellen wie brennende Kerzen ergänzt.


Hendrick ter Brugghen, Junger Mann, seine Pfeife mit einer Kerze anzündend, ca. 1625.
Öl auf Leinwand, 67,6 x 55 cm.
István-Dobó-Museum, Eger.

Während Michelangelo Merisi da Caravaggio den entscheidenden und unverkennbarsten Einfluss auf diese jungen Maler hatte, so gab es doch zahlreiche europäische Künstler, die Caravaggio rezipierten. In Italien gehörten Bartolomeo Manfredi (1580-1622), Orazio und Artemisia Gentileschi (Vater (1563-1639) und Tochter, (1593-1653)) und Carlo Saraceni (1570-1620) zu den bedeutenden Vertretern, die Lichtregie und Realismus der Modelle übernahmen, in Frankreich sollten vor allem Simon Vouet (1590-1649), Valentin Boulogne (1591-1632) und Georges de La Tour (1593-1652) den Caravaggismus prägen.

Lassen Sie sich von einem der großartigsten und künstlerisch einflussreichsten Maler der Kunstgeschichte und seinen Rezipienten noch bis zum 10. Februar 2013 in der Ausstellung Bodies and Shadows: Caravaggio and His Legacy im LACMA Los Angeles fesseln, oder entdecken Sie den Meister von Licht und Schatten und seine dramatischen Kompositionen in den verschiedenen Formaten, Best Of, Mega Square und Temporis, des Verlages Parkstone International.

Le Caravage, génie scandaleux

Ombre et lumière, Mal et Bien, anges et démons, voilà le contraste qui marque tout l’Œuvre du Caravage et qui continue de frapper les esprits des admirateurs de ses toiles. Il s’agit de l’antagonisme le plus simple de tous les temps, presque manichéen, celui qui passionne l’homme depuis toujours. La vie du Caravage, faite de pauvreté, de rixes, d’affaires de mœurs, et les quelques soixante toiles qui nous restent de lui, sont l’illustration parfaite de l’attraction du public pour le scandale.


Le Caravage, Judith décapitant Holopherne, vers 1598.
Huile sur toile, 145 x 195 cm.
Galleria Nazionale d’Arte Antica di Palazzo Barberini, Rome.

Le Caravage n’appartenait à aucune école de peinture. Même de son vivant, il était suivi d’une réputation à l’odeur de soufre. Quand il ne travaillait pas sur des scènes issues de ses nuits passées dans des tavernes (joueurs, gueux et autres diseuses de bonne aventure), il utilisait presque tout le temps des thèmes religieux et a révolutionné l’utilisation de la lumière mettant en relief les zones sombres de ses toiles : il a véritablement créé la notion de clair-obscur.


Le Caravage, Christ à la colonne, vers 1607.
Huile sur toile, 134,5 x 175,5 cm.
Musée des Beaux-Arts, Rouen.

Libertin, très certainement homosexuel, il faisait fi des conventions et dans des scènes religieuses pleines de dévotion, il a introduit un réalisme tel qu’on l’accusait de sacrilège. En effet imaginez à une époque où la religion dictait la bonne conduite de la société : voir le corps du Christ ou des apôtres à demi-nus, dans des poses lascives, c’était aller trop loin ! Et en vérité, en regardant des peintures de ce peintre, nous devons admettre que nous cernons immédiatement le côté subversif de son travail, encore au xxi^e siècle ! Même sa mort causée par la malaria sur une plage italienne fut une provocation. Comment ne pas voir dans sa vie et son destin hors-normes un prélude aux vies et à l’attraction de nos stars contemporaines ?

Vous pouvez visiter le Los Angeles County Museum of Art jusqu’en février 2013 et admirer des toiles du Caravage accompagnées de 48 peintures réalisées par des artistes qu’il a inspirés. Los Angeles est trop loin ? Commander le livre Le Caravage par Felix Witting and M.L. Patrizi.

Naughty but … Nice?

Michelangelo da Caravaggio – what a drunken, jealous, hot-headed mess. I’m sure if psychiatric hospitals existed in the late 1500s, he would have spent time in one – and probably lived a bit longer because of it. Today it seems artists (mostly actors and singers) encourage us commoners to “feel our crazy”, you know, to see where it takes us. But Caravaggio wouldn’t have even made it to even 39 were he alive today if he kept up his shenanigans. Fun to party with, perhaps, but no one you could possibly (read: should) take too seriously.


Caravaggio, Judith Beheading Holofernes, c. 1598.
Oil on canvas, 145 x 195 cm.
Galleria Nazionale d’Arte Antica di Palazzo Barberini, Rome.

Upon discovering Caravaggio, you generally learn about his tumultuous behaviour and mis-behaviour. We’re all aware that he wasn’t a very well-liked person, yet we manage to appreciate his major contribution to the art world – even if he only had 15 years to pull it off. We also all know that his art and name essentially dropped off of the face of the earth after his death until the 20^th century. BUT! There were people from before and after his death that greatly admired his strong contrast between light and dark – chiaroscuro – and quickly followed suit – copycats.


Caravaggio, Christ at the Column, c. 1607.
Oil on canvas, 134.5 x 175.5 cm.
Musée des Beaux-Arts, Rouen.

Highlighting the face, hands, ::cough:: bosom, of the characters in a painting draws viewers in. It’s dark, it’s sexy, it’s alluring – okay, maybe not Caravaggio’s The Tooth Puller (1608-1610). It’s almost like anyone in a chiaroscuro-styled painting is up to something that we may not want to see in the light – which, face it, Caravaggio probably was. Viewing one of these paintings is like being in on a dark secret, and who doesn’t like gossip?


Georges de La Tour, The Magdalen with the Smoking Flame, c. 1638-1640.
Oil on canvas, 117 x 91.76 cm.
Los Angeles County Museum of Art, Los Angeles.

I wouldn’t suggest following your crazy too far (cue in my strong distaste for Lady Gaga). Rather, see eight of Caravaggio’s darkest and most alluring paintings along with 48 others by artists whom he inspired now through 10 February 2013 at the Los Angeles County Museum of Art. Can’t get to LA? Order this equally dark, but well-illustrated, ebook and learn more of his secrets: Caravaggio by Felix Witting and M.L. Patrizi.

-Le Lorrain Andrews